eBooks de Historia y estudios de arte dramático, página 2 de 46

Se trataba de una obra que «engañaba» al espectador con múltiples capas de realidad. La obra, que comienza como una comedia, se transforma en tragedia, reflejando la ambigüedad entre entretenimiento

Rodolfo Obregón ahonda en los orígenes y la evolución de las prácticas documentales en la escena mexicana contemporánea, enfocándose en las primeras dos décadas del siglo XXI y en cómo los eventos historicos recientes han propiciado una inversion de las formas tradicionales de representacion artistica, desplazando las narrativas nacionalistas y centralistas, y dando lugar a otras formas de creacion apegadas a los documentos, al testimonio y a una realizacion escenica que se nutre de la realidad social y politica para abrir un espacio de reflexion alrededor de los conflictos actuales. Dichos elementos revelan las posturas de creadoras, creadores y colectivos que, a su vez, ofrecen a las y los espectadores un espacio desde el cual construir una mirada, un reconocimiento del mundo que impacta directamente en las formas de vida de las comunidades en las que se generan y a las que se dirigen. La obra se estructura en tres capitulos: el primero traza una genealogia del uso del documento en el teatro mexicano; el segundo examina las nuevas coordenadas y los procedimientos especificos de creacion en el teatro documental contemporaneo, tanto en Mexico como en el ambito internacional, y el tercero presenta nueve creaciones escenicas significativas en la escena mexicana de colectivos como Teatro Linea de Sombra, Oligor y Microscopia, Lagartijas Tiradas al Sol o Teatro Ojo, que permiten ilustrar como insertaron el documento en la escena, creando en el publico experiencias unicas a partir de explorar y atravesar de manera constante esa frontera inestable entre realidad y ficcion.

Todos –actores y personajes así como las personas en general– tenemos una persona pública con la que nos presentamos ante los demás, una necesidad insatisfecha encubierta bajo esa máscara y cometemos

Pigmalión, obra escrita por George Bernard Shaw, es una aguda crítica social sobre las clases, el lenguaje y la transformación. A través de la historia de Eliza Doolittle, una joven florista de clase baja que se transforma en una dama de la alta sociedad bajo la tutela del profesor Henry Higgins, Shaw expone como el lenguaje y las apariencias pueden ser herramientas de poder y control en una sociedad profundamente estratificada.El proceso de transformacion de Eliza no solo implica un cambio en su forma de hablar, sino tambien en como es percibida y tratada por los demas. Shaw utiliza este cambio para subrayar como las clases sociales no se determinan por la esencia de una persona, sino por las construcciones sociales que dictan lo que significa pertenecer a una clase u otra. A lo largo de la obra, se cuestiona si esta transformacion realmente beneficia a Eliza o si simplemente la somete a una nueva forma de opresion.Desde su publicacion, Pigmalion ha sido adaptada en varias ocasiones, siendo la mas famosa la version musical My Fair Lady. La obra sigue siendo relevante hoy en dia debido a su reflexion sobre las barreras sociales y como estas pueden ser tanto derribadas como reforzadas por factores externos como el habla y la apariencia.La critica social y el humor ingenioso de Shaw han convertido a Pigmalion en un texto perdurable, que continua invitando al publico a reflexionar sobre las estructuras sociales y la naturaleza del cambio personal.

Este trabajo interroga el concepto de identidad a partir del análisis de seis obras de teatro afroestadounidense: Trouble in Mind de Alice Childress, Funnyhouse of a Negro de Adrienne Kennedy, The America Play de Suzan-Lori Parks, The Brothers Size de Tarell Alvin McCraney, for colored girls who have considered suicide/when the rainbow is enuf de Ntozake Shange y I Was Looking at he Ceiling and then I Saw the Sky de June Jordan.En el analisis se movilizan dos conceptos que permiten comprender a la identidad como accion y al texto dramatico como medio refractivo de experiencia: ipseidad y refraccion estetica. Respecto a cada obra se problematizan lecturas esencialistas de la identidad grupal y se revela como las interacciones de los personajes, en relacion con la estructuras de las obras y la perspectivas de los autores, se convierten en espacios de identidad personal.El trabajo concluye con una discusion de las posibles aplicaciones de la ipseidad y la refraccion estetica mas alla de la critica dramatica especializada.

Este trabajo interroga el concepto de identidad a partir del análisis de seis obras de teatro afroestadounidense: Trouble in Mind de Alice Childress, Funnyhouse of a Negro de Adrienne Kennedy, The America Play de Suzan-Lori Parks, The Brothers Size de Tarell Alvin McCraney, for colored girls who have considered suicide/when the rainbow is enuf de Ntozake Shange y I Was Looking at he Ceiling and then I Saw the Sky de June Jordan.En el analisis se movilizan dos conceptos que permiten comprender a la identidad como accion y al texto dramatico como medio refractivo de experiencia: ipseidad y refraccion estetica. Respecto a cada obra se problematizan lecturas esencialistas de la identidad grupal y se revela como las interacciones de los personajes, en relacion con la estructuras de las obras y la perspectivas de los autores, se convierten en espacios de identidad personal.El trabajo concluye con una discusion de las posibles aplicaciones de la ipseidad y la refraccion estetica mas alla de la critica dramatica especializada.

Este texto llegó a nuestras manos tres semanas antes del «Despertar» chileno, en octubre del 2019. Sorprendentemente, el dramaturgo Leonardo González, estando lejos, había construido una casita drama

La historia del teatro callejero en Chile, es decir, aquel teatro desarrollado en espacios no convencionales, carece de suficientes estudios publicados que den cuenta de su enorme valor cultural y artistico, asi como de su extensa diversidad de estilos, formatos y ricos elementos formales y de contenido, lo que dificulta una fluida transmision de experiencias entre generaciones. Por esto, cuando los hacedores y amantes de esta rica vertiente del teatro nos encontramos con estudios de la consistencia y la fuerza reveladora que ofrece este libro, no podemos sino celebrar tan generoso e importante esfuerzo.Conocer la evolucion estetica, tematica y tecnica de esta inedita experiencia del teatro desarrollado en el marco de los clasicos universitarios, exhaustivamente documentada por Osvaldo Obregon, sin duda alimentara nuestra fragil memoria teatral nacional.

La dramaturgia de Luis Rivano se caracteriza por poner en el centro personajes y ambientes de un Chile, y especialmente un Santiago, que de alguna forma todos tenemos en la memoria. En cada una de sus obras, suben a escena los personajes que forjaron el ambiente mas representativo del centro urbano del pais, aquellos que llevan en sus venas el esfuerzo del trabajo en el que se pone el cuerpo: los hombres a veces en el matadero y simplemente en las calles, por la noche, muchas de las mujeres. Los matarifes es una obra dura, que desafia al lector con grandes preguntas: ¿el origen social define para siempre la vida de alguien?, ¿es posible cambiar el destino?

Lo que vimos es una mirada profunda y reflexiva sobre el teatro independiente, realizada por la lente fotográfica de Omar Lagraña y la escritura de Fernando Belottini. Este libro recoge una serie de reseñas e imagenes de obras presentadas en la Sala de Pueblo Viejo en Concordia, Entre Rios, Argentina, durante los años 2022 y 2023.Con una narrativa que va mas alla de lo descriptivo, los autores invitan al lector a explorar las tematicas sociales, filosoficas y existenciales abordadas en cada obra, al tiempo que reivindican el rol del espectador como parte fundamental del hecho artistico.

A continuación encontrarás una serie de datos importantes para patear la ignorancia, chistes, frases deportivas, noticias deportivas y apellidos curiosos, sin orden alguno, sino así, de sorpresa, como las sorpresas que nos dan los deportes. Fueron recolectados durante varios años de mi vida de humorista. De todas maneras, leer este libro es como una competencia atletica. Si arrancas, te estare animando a que lo termines.

Estas Tres clases proponen un recorrido literario cautivador y educativo por las obras de tres dramaturgos emblemáticos: William Shakespeare, Bertolt Brecht y Tennessee Williams. Cada uno de los encuentros brinda una perspectiva iluminadora para los entendidos en teatro y una valiosa guia para quienes deseen adentrarse en algunas de las obras mas significativas de la historia teatral, como Hamlet, Un tranvia llamado Deseo o La opera de tres centavos. Alejandro Tantanian ofrece una exploracion detallada de grandes obras maestras y ahonda en los contextos historicos de produccion y representacion, las biografias de los autores y las multiples reinterpretaciones que estas piezas han generado a lo largo del tiempo. Combinando profundidad analitica con habilidad pedagogica, el libro se erige como una guia esencial que aclara y enriquece la comprension del teatro isabelino y contemporaneo. Tres clases es una puerta de entrada ideal para quienes deseen explorar el vasto universo teatral y una herramienta invaluable para aquellos ya familiarizados con estos grandes autores. Edicion al cuidado de Andres Gallina

Hay momentos en la historia del teatro en los que a investigadores y curiosos les hubiera gustado que las cámaras hubiesen registrado momentos irrepetibles ¿Dónde estaban las cámaras cuando el joven Luis Andres Caicedo Estela (Cali, 1951-1977) puso en escena sus obras de teatro? Todavia no se sabe muy bien el momento en el cual Caicedo comenzo a interesarse por el mundo del arte. Se supone que su fascinacion inicial se dio por los libros que devoraba desde su primera infancia, pero fue en los claustros escolares cuando descubrio su interes por la representacion de historias. Con el paso del tiempo, la figura de Caicedo ha ido convirtiendose en una suerte de mito juvenil colombiano, centrado en su interes descomunal por la narrativa y el cine. Gracias a los libros El atravesado, ¡Que viva la musica!, Angelitos empantanados o historias para jovencitos, Destinitos fatales, Berenice, Calicalabozo, Noche sin fortuna, El cuento de mi vida, Mi cuerpo es una celda, El libro negro u Ojo al cine, se ha construido la leyenda de su genio.

Este libro es un estudio del proceso de ensayos del eminente director afro americano Lloyd Richards, junto con sus colegas artísticos, Lorraine Hansberry, August Wilson, James Earl Jones, Mary Alice, Charles Dutton, entre otros numerosos artistas que estuvieron en el aula de ensayo con esta legendaria figura. El enfoque principal de este estudio es la gran tradicion afro atlantica de la significacion, tradicion llevada magistralmente por Richards, y la manera en que estos artistas usaron este "tropo de tropos" para transformar el paisaje artistico del teatro norteamericano en la segunda mitad del siglo XX. La significacion teatral es una tradicion que merece, como el jazz, ser estudiada, admirada y emulada por profesionales del teatro en el mundo entero, este libro constituye una pequeña contribucion a este proyecto y a una mayor difusion del metodo de su proponente mas insigne, Lloyd Richards.

Este libro presenta varios textos de gran valor sobre la preparación de actores. Centrado en Lecciones de Mijail Chéjov en el teatro estatal de Lituania, (por primera vez traducidas al castellano), texto fundamental que contiene ejercicios y reflexiones emanados de la propia practica pedagogica e investigativa del gran actor ruso. El texto proviene de un taller impartido en 1932, antes de emigrar a los Estados Unidos. Se complementa con dos articulos de su alumna Maria Osipovna Knebel, gran pedagoga e investigadora teatral (que acompañaron la edicion rusa de Obras Completas de Mijail Chejov, 1986): Mijail Chejov y su herencia artistica, donde presenta su llegada al Teatro de Arte de Moscu, la percepcion que de Chejov tuvo Stanislavski y el exito en el publico moscovita de los personajes de viejitos creados por el joven actory Mijail Chejov, acerca del arte actoral, en el que contextualiza su trabajo dentro del Teatro de Arte de Moscu y la pedagogia teatral en general, sus divergencias con Stanislavski, estableciendo un paralelo entre las dos metodologias respecto a la creacion del personaje y la psicotecnica del actor.

En la primera parte del libro, Nicolás Núñez plantea las investigaciones sobre el teatro náhuatl, tibetano y occidental que llevaron a diseñar un teatro del ser humano en el cosmos. En la segunda parte se explora como evoluciono el trabajo, durante las ultimas tres decadas, convirtiendose en un metodo de entrenamiento y produccion teatral que combina en forma unica influencias rituales y contemplativas.

Un viaje apasionante por la historia de la Danza Contemporánea en España lleno de fotografías, gráficos y líneas del tiempo que te ayudarán a conocer, cuestionar y comprender lo que ves en los escenarios nacionales.Una Historia Visual de la Danza Contemporanea en España, dibuja la historia de la Danza Contemporanea en España desde sus inicios en los ultimos años de la dictadura hasta el cambio de siglo. El texto comienza ofreciendo una reflexion sobre la definicion del concepto danza contemporanea para encuadrar lo que podemos clasificar dentro de este termino, al menos en este libro. Continua repasando superficialmente el desarrollo de esta forma de danza en Estados Unidos y Europa para conocer las influencias que pudieron llegar a España en los años previos a la germinacion de la nueva danza. Asi mismo, el texto revisa cuales fueron los antecedentes o precedentes en este pais. Y continua exponiendo de una forma grafica y visual la trayectoria de la danza contemporanea en España y de sus principales representantes y eventos culturales y politicos.

Este libro busca establecerse como un marco teórico-práctico para el estudio y montaje de experiencias teatrales; para ello recorre el proceso creativo de tres puestas en escena a partir de las cuales, jovenes profesionales del teatro pueden encontrar al mismo tiempo inspiracion y generacion de ideas: ¿Adonde vas, pequeño hombrecito? inspirada en una obra de Wilhelm Reich y en diversos escritos poeticos y populares; Pueblo rechazado o El porvenir de una ilusion, basada en la obra del autor mexicano Vicente Leñero, Pueblo rechazado y "Electra o La sombra de una obsesion" desarrolla el mito clasico, abordando diversas versiones desde los griegos hasta autores modernos. Los analisis atienden a aspectos fundamentales de la configuracion de cualquier espectaculo pero que forman parte de un proceso previo, raramente conocido por el publico y la critica: la adaptacion del texto, el trabajo de escenografia y vestuario, la iluminacion y otros. Los autores aportan generosamente su experiencia como actores, directores y dramaturgos.

A partir de tres obras colombianas contemporáneas Sólo como de un sueño nos levantamos de Beatriz Camargo, Cuando el zapatero remendón remienda sus zapatos de Carolina Vivas y Mujeres en la plaza: Memoria de la ausencia ¿Donde estan? de Patricia Ariza, el libro nos introduce en el hecho escenico femenino en Colombia en el siglo XX y en sus diversos hilos dramaticos, desde los historicos hasta los ancestrales. La imagen omitida de la mujercontrasta con la del conocimiento de la mujer guardiana de la ley de origen, sacerdotisa, medica sanadora, creadora, maestra, la de la sabiduria ancestral. La mirada desde dentro de la frontera de la escena femenina permite visibilizar prejuicios replicados por siglos, las ideas sobre la inferioridad social, sexual, laboral y politica de la mujer que no obstante dominan el imaginario simbolico y cultural latinoamericano. Los conceptos de Performance cultural y Dramaturgias vivas, permiten comprender la imbricacion de texto representacion-publico donde se agudiza la presencia y lugar del cuerpo-voz de los personajes femeninos, como el sentido de la construccion de las masculinidades en las obras de las creadoras escogidas. Esta segunda edicion amplia el ejercicio critico inicial y lo complementa con abundante y rica documentacion grafica sobre la dramaturgia femenina en Colombia, haciendo de el, material indispensable sobre los procesos artisticos contemporaneos en el contexto cultural colombiano.

IGNIFUGO Juan habla consigo mismo, es un debate interno en donde se cuestiona sus decisiones, los errores cometidos, la falta de optimismo, el amor y el desamor. El unipersonal de Fernando Zabala, es muy sensitivo y directo, en donde se mezcla el dolor, la bronca y la impotencia con frases cortas y punzantes, con emociones que nos penetran y con pensamientos agudos que nos exigen prestar mucha atencion. Esta es una gran obra de exploracion del ser humano en momentos de crisis. Estela Gomez "Cultura del Ser Producciones" jueves 7 de diciembre de 2023. Buenos Aires. LA VOZ DEL COMANDANTE La voz del comandante es una excelente muestra de que el teatro en Cordoba puede resultar un gran disparador a la hora de pensar la politica. Fernando Zabala crea, imagina y dispara unas cuantas ideas que atraviesan la realidad rozandola, interviniendola. Tanto el personaje principal como los secundarios redundan en mensajes con profundo significado. Noemi Falco "Revista Matices" domingo 21 de octubre de 2018. Cordoba. SILOGRINGO El humor y su mirada esquinada en torno al eterno disconformismo del hombre de campo, una señal de identidad con la que por estas tierras quien mas quien menos se ha cruzado, definen la perspectiva desde la que parte el texto de Silogringo, para abismarse despues hacia la tragedia. Ese hombre es la reconstruccion perfecta de la mentalidad materialista al sumun, que fragmenta primero y borra despues cualquier conciencia de lo comun, de lo publico, de lo que es de todos, para confinar al individuo en el estadio de la alocada y desbocada defensa de sus posesiones. Ricardo Sanchez "Diario Puntal" viernes 27 de octubre de 2017. Rio Cuarto, Cordoba.