eBooks de Teoría y crítica de arte, página 28 de 244

La pregunta clave que plantea Cómo hacer cosas con arte es qué relevancia tiene el arte en la sociedad. ¿Cómo deviene importante el arte a nivel político o social? Este libro intenta responder a esta pregunta de forma teorica, e indicar, mediante el analisis de obras de James Coleman, Daniel Buren, Jeff Koons y Tino Sehgal, como los artistas pueden desarrollar e influir en la vertiente social; dicho en otras palabras, este libro proporciona lo que se denomina una interpretacion pragmatica del impacto social del arte. El titulo de la obra ya es un juego de palabras con la influyente serie de conferencias de John Langshaw Austin "Como hacer cosas con palabras", en la que reflexionaba sobre lo performativo, esto es, sobre la capacidad productora de realidad del lenguaje.Si la linea argumental de Dorothea von Hantelmann se basa en dos premisas teoricas de Austin y en la nocion de performatividad de Judith Butler, este libro ofrece una autentica semantica de como "actua" la obra de arte, no a pesar sino en virtud de integrarse en ciertas convenciones: como, por ejemplo, sostiene o coproduce una cierta idea de historia, progreso y desarrollo a traves del museo. El modelo de performatividad que defiende la autora señala estos niveles fundamentales de produccion de sentido: centrandose en las convenciones de produccion, presentacion y persistencia historica del arte, von Hantelmann muestra como estas convenciones se coproducen en cualquier obra de arte, y sugiere que es precisamente esta dependencia de las convenciones lo que plantea la posibilidad de cambiarlas.La cuestion de como hacer cosas con arte parece particularmente pertinente hoy en dia: nunca antes en la historia de las sociedades occidentales habia sido tan importante lo que llamamos arte; se estan construyendo mas museos de arte que nunca; las exposiciones atraen a publicos masivos; el mundo del arte se ha expandido no solo global sino tambien socialmente, y es probable que ninguna otra profesion haya aumentado tanto de estatus como la del artista, quien encarna a la perfeccion la idea predominante actual de subjetividad creativa y autonoma.

Reunimos en este volumen los textos en los que Charles Baudelaire se ocupa de la esencia de la risa y la caricatura junto con "El pintor de la vida moderna". Diferentes y publicados en fechas distintas en los años cincuenta del siglo XIX los primeros, en 1863 "El pintor de la vida moderna", guardan una estrecha relacion en la caracterizacion del mundo moderno que realiza el poeta. Daumier, Grandville, Gavarni son "pintores" de la vida moderna en tanta o mayor medida que Constantin Guys, y la articulacion de horror y belleza, la presencia de la belleza en la fealdad, la temporalidad de lo transitorio son rasgos tan adecuados para un pintor de "croquis de costumbres" como de los caricaturistas, que hacen uso de estos motivos de forma muchas veces mas radical que los pintores de genero.Textos diversos, ponen de relieve en su lectura conjunta la indole del pensamiento de Baudelaire en toda su complejidad y evitan la comprension reductora a la que en muchos casos han sido sometidos. Si "El pintor de la vida moderna" descubre la belleza fugitiva en el pintoresquismo de la vida cotidiana, son las incidencias de esta vida cotidiana las que protagonizan las caricaturas, la satira y lo grotesco, motivos que Baudelaire analiza en profundidad al escribir sobre la esencia de la risa.

A la labor de divulgación de la obra de artistas contemporáneos con poca o escasa bibliografía en castellano, la escritura de Berta Sichel añade el suplemento de una larga trayectoria —con once años

La gestión y el consumo de los contenidos digitales constituye uno de los epicentros del cambio televisual contemporáneo, tanto en términos tecnológicos y culturales, como en los modos de participacion de todos los involucrados: productores, audiencias, instituciones mediaticas, industrias de lo audiovisual, creadores independientes y sistemas televisivos, internacionales, nacionales, locales, publicos y privados. Los autores de este libro abordan los contenidos, su gestion y su consumo desde distintas perspectivas, con diferentes enfoques y objetivos: algunos desde la produccion misma de contenidos, sus tendencias y sus demandas; otros desde su gestion; otros desde los mismos consumos y sus trayectorias explosivas y divergentes; y otros mas desde las mismas audiencias, sus expectativas y su evolucion. En esta edicion tambien se tratan casos regionales como el español, el colombiano y el mexicano; y especificos, como los contenidos de corta y mediana duracion, producciones de youtubers, booktubers y de la audiencia social.

Las largas horas dedicadas a la investigación, la redacción de formularios y aplicaciones, las búsquedas de contactos profesionales en ámbitos cargados de gente, las sesiones de revisión de proyectos en instancias educativas, las presentaciones de imagenes, las entrevistas, el tiempo libre malgastado, los sentimientos de culpa y la incertidumbre asociados con los mercados del trabajo creativo son, de alguna manera, los procesos que las imagenes satisfechas dejan en suspenso. Pocas decadas atras hubiera sido dificil imaginar que la vida de los artistas podia homologarse con una sucesion de escenas de este tipo. Los cambios que se produjeron en el ambiente artistico como esfera de trabajo, y que terminaron por torcer el significado general del concepto de arte, no se dieron de un dia para otro. El problema al que hace frente este libro, no respeta niveles de exclusividad, ni siquiera le pertenece completamente al reducto del arte. Su despliegue excede de multiples modos el campo de las artes visuales. Con lucidez y contundencia Claudio Iglesias nos propone aqui una ruta de acceso a este particular fenomeno.

"El socialismo es la síntesis de las ideas y conquistas más avanzadas de la humanidad. No es un esquema ideado y menos aún signifi ca igualitarismo, sino que crece de la variada vida y lucha de las masas. Es el necesario proximo paso social hacia adelante, en el cual el progreso revolucionario de las fuerzas productivas se utilizara en unidad con la naturaleza para benefi cio de toda la sociedad."

La naturaleza con sus maravillosos paisajes, pájaros, flores, árboles, florestas y todas sus lindas cosas siempre debe ser alabada por los hombres. Pero cuando todo eso se une con la más grande creacion divina la mujer entonces ¡alcanzamos el cielo en la tierra! Esa combinacion incomparable la naturaleza con las mujeres maravillosas de la forma en la que vinieron al mundo, es lo que esta a punto de ver en este e-book. Respire hondo, relajese y aproveche ahora el quinto tomo de la Coleccion NYMPHE: "En La Naturaleza". ¡Se lo merece!

Protzel estudia las líneas distintivas de los cines hollywoodense, europeo, latinoamericano y peruano. Sobre este dice que pese a su consistente historia, posee escasa convocatoria, indicadora del espacio menor que ocupa en el mapa de la cultura moderna del pais, dada la preferencia por el material filmico importado, que ha generado la disociacion entre imaginarios sociales y cinematograficos.

En la década de 1960 aparecieron en Latinoamérica diversas iniciativas en pos de una expresión distinta de la que había caracterizado al cine de la región. Esta obra se aproxima a esa etapa, discute las teorias que sustentaron los proyectos renovadores y registra sus filiaciones cinematograficas en la modernidad. En suma, un acercamiento polemico a un tema que sigue siendo objeto de mitificacion.

El autor examina el desarrollo, durante las tres primeras décadas del siglo XX, de las actividades fílmicas, la distribución y la exhibición pública de películas. Centrado en Lima, el trabajo describe tambien lo ocurrido en otras regiones del Peru. El analisis se enriquece con un sinnumero de extractos de articulos que reseñan proyecciones, situaciones y eventos vinculados con el cine.

La explicación del título de este libro se encuentra en las acepciones de la palabra bravo que recoge el DRAE: valiente, esforzado; fiero, feroz, embravecido; violento o áspero; porque así son el Peru y Latinoamerica y asi son los rasgos que caracterizan su cine y que se reflejan en esta compilacion de textos escritos a lo largo de varias decadas, publicados en revistas ahora de dificil acceso.

En los últimos diez años una de las líneas más fuertes del arte contemporáneo ha sido la práctica del arte público. Una proliferación de colectivos, artistas, eventos y publicaciones han vuelto el escenario mas complejo, diverso y expandido. Este incremento tiene relacion con que el arte publico ha hecho reaparecer la cuestion politica del arte, entendida como fue por el activismo de los años sesenta y setenta del siglo XX, revitalizando la relacion entre arte y vida, el rol social del artista y la posibilidad de una estetica politica.Este libro detalla las distintas concepciones de arte publico, analizando a su vez las obras mas significativas desde los años sesenta hasta hoy dia, para finalmente indagar en la relacion entre arte y ciudad en el Chile actual.

En un programático diálogo entre la epistemología budista y la mecánica cuántica, Una cuestión de conciencia desglosa una inédita propuesta conceptual en torno a la conciencia como concepto vinculante hacia una concepcion de mundo no dual, a contrapelo del reduccionismo ontologico del materialismo y de las fracturas historicas de la tradicion filosofica en torno a la subjetividad.En consonancia con el paradigma interdisciplinar que caracteriza a Neuroartes, Luc Delannoy explicita convergencias conceptuales hacia la articulacion de un inconsciente cosmico cuyos entrelazamientos y superposiciones cuanticas que, en esa implosion del yo y la posibilidad de mundo, decanta en un preludio elemental para la toma de posicion en nuestra compleja (cuantica, diria Delannoy) vinculacion intersubjetiva con la realidad. Ahi, en ese tantear esa toma de posicion, donde el arte es entendido como una forma de enseñanza no solo de nuestra percepcion, sino tambien de nuestra vida.

"Sus pinturas registran, entre otras cosas, las grandes y pequeñas convulsiones que toda cultura y toda ciudad deben necesariamente soportar, y hacia las cuales están siempre deslizándose, incapaces de detener el paso del tiempo y de la historia." John Yau Textos de: John Yau; Francesca Pietropaolo; Raul Zamudio Taylor; Richard Vine; Dan Cameron; Donald Kuspit; Christian Viveros-Faune; Florencia San Martin

"Composiciones bajo tierra" aborda aspectos clave de la abstracción prehispánica tal como resuenan en diferentes momentos del arte moderno y contemporáneo. De esta manera, los textiles andinos, los atuendos propios de las ceremonias selknam, y las lineas de Nasca son abordados a la luz de la enseñanza y obra del artista aleman Josef Albers, la abstraccion geometrica de comienzos del siglo XX, y el Land Art norteamericano, respectivamente. La mirada detras de estos textos no es la del teorico o historiador del arte, sino la del artista visual, por lo que las interpretacionesque encontramos son mas arriesgadas, pero tambien abiertamente tentativas, tal como debieraser todo ensayo en tanto tal."Compositions Under the Soil" addresses key aspects in pre-Hispanic abstraction and how they resonate through different periods of Modern and Contemporary Art. Therefore the Andean textiles, the ceremonial Selknam attires, and the Nasca Lines are approached in the light of the work and teachings of German artist Josef Albers, the early 20th century Geometric Abstraction, and the North American Land Art correspondingly. The gaze behind these texts is not one of an art theorist or historian, but the one of a visual artist, therefore the interpretations are riskier and openly tentative, as every essay as such be.

¿Arte? Una palabra que envuelve tantos oficios como posibilidades. Memoria y asombro, producción y corrientes, historia y mercado, sensibilidad y creación. ¿Cuáles son los hitos del arte en Colombia y quienes son los responsables? ¿Como se hizo a si misma la escena artistica nacional? ¿Cuales son sus contradicciones? Se funden el pasado y presente: ¿quienes crean las obras fundamentales, quienes las exhiben y las documentan, quienes las critican, las distribuyen, las venden y las coleccionan? ¿Que nombres debemos tener en cuenta y por que? Conversaciones con el fantasma, un compendio maravilloso de treinta y dos conversaciones con los protagonistas del arte en Colombia (artistas, curadores, historiadores, criticos, galeristas, coleccionistas), nos ofrece un paseo por los recuerdos y reflexiones de su autor, Martin Nova, quien va de casa en estudio, de galeria en museo, de una ciudad a otra, trazando un mapa invisible como una telaraña y sin fronteras, que nace en las bienales de arte de Medellin hace cincuenta años, sigue por salones, muestras y ferias nacionales e internacionales, y no ha llegado todavia a un final concreto, quizas porque no existe. Este libro es una especie de pintura, escultura, instalacion gigante, una obra de arte inacabada: la del acervo de las artes plasticas en nuestro pais.

Este libro describe la primera parte de mi viaje desde ser maestra de escuela primaria, pasando por anunciante en radio, luego escritora de libretos para radio hasta llegar a producir para televisión. Todas las historias son veridicas, aunque algunos nombres han sido cambiados para proteger a los personajes mas interesantes. Si alguna vez se han preguntado que ocurre detras de las camaras, este libro les brindara algunos secretos y les explicara como se hacen los programas de TV. ¿Como se siente trabajar con gente famosa, o entrevistarles cuando no les interesa hablarte? No se dejen engañar con eso de que trabajar en television es glamoroso. No lo es. Yo pase mas tiempo en baños y husmeando entre montañas de basura que en salas de banquete. Hacer cualquier tipo de programa de TV es un trabajo de equipo, y yo he trabajado con los mejores equipos de grabacion y el mejor personal de estudio en Sudafrica. Sin ellos y sin su pasion, no podria orgullosamente recordar nada de lo que produjimos. Este libro es para ellos y los clientes que nos dieron la confianza de relatar sus historias. Es tambien para mi esposo que sufre desde hace tiempo y cuya paciencia mientras escribo este libro ha resistido nuevos limites. No hay dos dias que sean iguales en el mundo de los medios de comunicacion y yo me siento privilegiada de haber sido parte de ello. Pero no crean todo lo que ven en la television. Probablemente, ¡es mas sabio no creer en absolutamente nada! España 2014

Este libro conjuga un recorrido ejemplar por la producción artística latinoamericana. Nos vemos aquí envueltos en la contingencia vital de un pensamiento que se siente atraído por las interrupciones y no por las continuidades, por los estallidos y no por las restauraciones, por las mezcolanzas de cuerpos y genero(s) desensamblados y no por las identidades plenas, por las roturas de parentescos y no por los linajes directos, por los saberes entrecortados y no por la sintesis unitaria de un conocimiento integro."Robar la historia. Contrarrelatos y practicas artisticas de oposicion" tiene como horizonte las mutaciones sociales y culturales que llevaron las tecnologias de la creacion a experimentar con nuevos modos de hacer y de pensar el arte que mezclan la potencia expresiva de las formas y los conceptos con las demandas ciudadanas y los reclamos comunitarios, los movimientos civiles, las luchas de deseos que se contagian a multitudes en accion.Al transgredir los ritos de institucionalizacion del saber academico, este libro sobre arte (un libro de traspasos disciplinarios que tambien habla de colonialidad,de sexualidad y patriarcado, de capitalismo, de violencia y memorias postdictatoriales, de globalizacion transnacional, de movimientos sociales y de esfera publica) contribuye no solo a minar los discursos opresores sino a reconfigurar subjetividades criticas que logran zafarse del acoso neoliberal recurriendo a los artificios y desbordes de la imaginacion radical.

"Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte." Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoria de critico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plastica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporanea.Este es el primero de dos volumenes donde por primera vez se recogen de forma exhaustiva todos los textos que John Berger dedico a los artistas que le enseñaron y le inspiraron a traves de sus vidas y sus obras. Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger dono aun en vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcan desde las pinturas prehistoricas de la cueva de Chauvet hasta el advenimiento de la modernidad con Paul Cezanne, mientras que los del segundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hasta Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante decadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado de Berger.

El formato estrella de presentación de arte contemporáneo sigue siendo la exposición. Una exposición que sufre modificaciones constantes, que necesita adaptarse a las propuestas de los artistas, repensarse desde su uso, analizarse segun sus posibles funciones y que, en definitiva, nos pide a gritos una reformulacion.Salir de la exposicion (si es que alguna vez habiamos entrado) es un acercamiento a las posibilidades de la exposicion, un deseo, una mirada para compartir con la voluntad de repensar el modo como el arte se conecta con la sociedad.