eBooks de Teatro, página 2 de 10

Este volumen desgrana las formas en que la anomalía teatral, articulada en el eje de la ortodoxia y la heterodoxia, opera en cuatro ámbitos: las poéticas teatrales gestadas bajo el franquismo, los constreñimientos de la censura, las problematicas relaciones del teatro español con otras tradiciones nacionales, y la amputacion del exilio teatral republicano de 1939. Los distintos capitulos proponen abordajes metodologicos que dan cuenta de como el caracter anomalo de este teatro es fruto de su lugar de enunciacion: la dictadura de Franco. De este modo, el volumen postula que el teatro bajo el franquismo requiere de lecturas especificas que arrojen luz sobre los distintos modos en que la anomalia lo atraviesa, determina y violenta.

Fernando Fernán-Gómez. Las letras por delante (Ínsula nº 898, octubre de 2021)Fernando Fernán-Gómez. Las letras por delante, octubre de 2021Cristina ROS BERENGUER / Fernando Fernán-Gómez: el cómico y su obra literariaAnna CABALLE / Mundo y teatro: El tiempo amarilloJuan Antonio GARRIDO ARDILA / La picaresca de Fernando Fernan-GomezEpicteto DIAZ NAVARRO / El escenario y la novela: sobre El mal amor de Fernan-GomezRafael BONILLA CEREZO / Pero... ¿Quien mato a Tassis? Capa y espada (Fernan-Gomez, 2001)Julia SABINA GUTIERREZ / El viaje a ninguna parte y El mar y el tiempo: de la novela al cineManuel BARRERA BENITEZ / Fernando Fernan-Gomez: un proteico dramaturgoJuan Jose LANZ / Fernando Fernan-Gomez, poeta: El canto es vueloVictoria ARANDA ARRIBAS / Pan para hoy y Cielo para mañana: Juan Soldado (Fernan-Gomez, 1973)Helena DE LLANOS / Cajas

Este volumen estudia una dimensión poco conocida del teatro calderoniano, las academias, en nueve de sus comedias: El hombre pobre todo es trazas, El mayor encanto, amor, Los tres mayores prodigios, La sibila del Oriente, El Jose de las mujeres, El secreto a voces, Amado y aborrecido, Los tres afectos de amor: piedad, desmayo y valor, y Los dos amantes del cielo.El recorrido por estas obras se organiza en cinco secciones. La primera se centra en la identificacion de la tipologia de entretenimientos acogidos bajo estos terminos. El segundo aborda el planteamiento y la tradicion del asunto propuesto. Una aproximacion a la metrica y a la musica ocupa la tercera seccion. El cuarto capitulo atiende al espacio predilecto para estas reuniones, el jardin, y este se estudia en relacion a los roles de los personajes en sus celebraciones. Por ultimo, atendemos a la funcion de las academias en cada obra. Cierran el estudio unas "Consideraciones finales" que quisieran proponer una interpretacion de conjunto que desvele una faceta del quehacer literario de Calderon.

"La autoficción es una ficción de acontecimientos y de hechos estrictamente reales", así define Serge Doubrovsky, creador del término, un género literario inclasificable hasta los años 70 y que ha generado abundante bibliografia. Sin embargo, no es habitual encontrar a un creador que nos desvele su propia escritura del yo, que es precisamente lo que hace el autor de este ensayo.Sergio Blanco entiende la autoficcion como un cruce de relatos reales y ficticios en los que se establece un pacto de mentira, en contraposicion al pacto de verdad de la autobiografia. De esta forma, ambos generos se separan sin remedio: la autoficcion se transforma en el lado oscuro de la autobiografia.Despues de realizar un breve recorrido historico a traves de las diferentes escrituras del yo desde la Antiguedad hasta nuestros dias, el autor plantea un "Decalogo de un intento de autoficcion", donde desarrolla su propia teoria a partir de sus obras autoficcionales (Kassandra, Tebas Land, Ostia, La ira de Narciso, El bramido de Dusseldorf y Cartografia de una desaparicion), publicadas con el titulo de Autoficciones por Punto de Vista Editores."En sus ultimas obras [Sergio Blanco] ha llevado a cabo una autentica investigacion artistica en torno a la autoficcion teatral, una posibilidad problematica que ha acertado a resolver con profundidad, brillantez y originalidad incomparables.""Sergio Blanco esta considerado como uno de los cuatro o cinco dramaturgos mayores de la lengua española en la actualidad."Jose-Luis Garcia BarrientosEspecialista en teoria teatral, profesor investigador del CSIC

Filosfía antigua poetica es, en su conjunto, una glosa y comentario de los aspectos del arte poética tal como fueron vistos por los autores de la antigua edad grecolatina, muy especial por Aristóteles, Ciceron, Horacio y Quintiliano. Esta organizado en trece capitulos presentados en forma de epistolas. Nuestro autor imagina que le escribe sus cartas desde Madrid a un amigo suyo y en ellas le cuenta las reuniones que sostiene periodicamente con un vecino, en estas festivas y placenteras reuniones el Piciano aprende de su vecino y amigos los secretos de la poetica.

El mártir del Sacramento es uno de los tres autos sacramentales de sor Juana Inés de la Cruz, junto con El divino Narciso y El cetro de José. Sor Juana adapta en él la figura de san Hermenegildo, que construye con entera libertad dramatica respecto de las fuentes historicas a menudo opuestas en su valoracion del principe visigodo y al que convierte en un heroe religioso centro de un complejo conjunto de ideas y sentimientos que reune motivos del martirio, la vanitas, la reflexion sobre la fugacidad de las glorias mundanas, los conflictos politicos y familiares con el rey Leovigildo, el desengaño y la resignacion a los designios divinos.La presente edicion ofrece el texto mas fiable hasta la fecha, acompañado de un completo aparato de notas y un estudio preliminar que intenta situar al auto en su marco generico y facilitar la comprension de los lectores de nuestros dias, eludiendo las frecuentes fantasias criticas que han desviado a menudo la lectura de esta pieza.

El lector o espectador que se aproxime a las tragedias de honra de Calderón de la Barca se hallará, ciertamente, frente al mismo problema interpretativo con el que todavía lidia la crítica hispanista. Si bien el dramaturgo da sobradas muestras de modernidad en otras obras, su trilogia del honor conyugal parece respaldar la violencia uxoricida que pone en escena. De hecho, el cierre de las piezas supone un enigma profundamente inquietante, pues las tres esposas -inocentes del adulterio del que se las acusa- resuelven con su muerte el conflicto dramatico. Este libro parte de las teorias de Rene Girard en torno a la violencia y el sacrificio para tratar de explorar una clave hermeneutica alternativa valida que ilumine unas piezas que mantienen vigente su capacidad de asombrar y conmover.

A pesar de la enorme popularidad de las comedias de Lope de Vega en Rusia, el tema de su recepción en este país ha sido poco estudiado por la crítica occidental. Esta investigación pretende llenar dicha laguna en los estudios de la recepcion teatral con un repaso de la historia de representaciones de las obras lopescas en Rusia a lo largo de los ultimos cien años y un analisis de las diferentes formas en que los rusos han visto, traducido e interpretado estas obras. Si bien las raices del interes por el teatro del Fenix se remontan al ultimo cuarto del siglo XIX, es a partir de los años treinta del siglo XX cuando se desarrolla en Rusia lo que podriamos llamar una verdadera lopemania teatral, que acaba situando al dramaturgo madrileño en el grupo de los autores mas taquilleros del pais. El presente volumen explora las razones detras de la incesante fascinacion de los directores y espectadores rusos ante el dramaturgo español, asi como algunos de los factores que han influido en los procesos de consolidacion de un canon lopesco especificamente ruso.

Una de las características del teatro del Siglo de Oro es su abundancia. Este enorme número de textos dramáticos se debe a la inventiva casi inagotable de un gran número de autores geniales, cuyo primer impulso fue a menudo las lecturas de las mas variadas materias. El universo imaginario de aquellos autores se basa en un sin fin de condicionantes textuales y meta-textuales que van mas alla de las tradicionales categorias de la historiografia literaria, como son los conceptos de fuente, influencia o intertextualidad, condicionantes todos ellos que aqui se propone reunir y sistematizar bajo la denominacion de pre-texto.Este volumen colectivo incluye una docena de ejemplos que ilustran la utilidad del amplio y polivalente concepto de pre-texto. Todos ellos contribuyen a una mejor comprension del teatro aureo al recurrir sistematicamente a una serie de pre-textos concretos, como son, por ejemplo, los textos de la Biblia, las cronicas, el espejismo de Oriente, la narrativa literaria oral y popular, el fenomeno de las refundiciones o los importantisimos debates sobre la licitud del teatro.

De 1915 a 1922 los Provincetown Players fueron la fuerza más viva del teatro norteamericano. Desde su pequeño escenario en el embarcadero Lewis en Provincetown (Massachusetts), revolucionaron el teatro norteamericano. Ni Broadway, ni la censura, ni la Primera Guerra Mundial consiguieron poner fin a una aventura que pretendia dar a los Estados Unidos un teatro propio, que hablara de ellos y para ellos. Este volumen celebra, por primera vez en castellano, la historia de esta compañia, de la que surgieron los padres del teatro norteamericano, Susan Glaspell y Eugene O?Neill, asi como otros grandes dramaturgos, diseñadores, escenografos y directores. El broche a esta celebracion es la publicacion de ocho obras nunca antes traducidas al castellano y firmadas por autores tan diferentes como G. Cram Cook, L. Bryant, P. King, J. Oppenheim, B. Crocker, E. St. Vincent Millay y S.Glaspell.

En 1999. Víctor Hugo Rascón Banda se refirió a El teatro norteamericano, de Alfredo Michel, como "el primer estudio formal de un investigador mexicano", así como "el texto más completo, serio y rigur

Con un ritmo ágil y una extrema profundidad la autora trabaja sobre los actores, obras y el detrás de los telones de la Comedia nacional y el teatro uruguayo.La Comedia Nacional cumplió 70 años en 2017 y sin embargo nunca se habia escrito hasta ahora un libro con un abordaje periodistico sobre el elenco de la Intendencia de Montevideo, un libro en el que confluyeran las voces de los artistas, que narrara los entretelones del acontecer teatral desde sus protagonistas, que echara luz sobre la actualidad de uno de los pocos elencos estables publicos de teatro que existen en el mundo. Sin maquillaje. Historias de la Comedia Nacional en el siglo XXI es justamente eso, un retrato coral y a cara lavada de los actores y actrices que forman y formaron parte de la compañia, una investigacion minuciosa a traves de las vivencias, las anecdotas, las obras y los procesos del elenco en el siglo XXI pero tambien un reflejo de como esa vieja Comedia, aquella creada por Justino Zavala Muniz y con Margarita Xirgu como directora central, aquella de la que formaron parte grandes figuras como Estela Medina, Maruja Santullo, Enrique Guarnero o Alberto Candeau se ha transformado en un elenco joven, versatil y plural. El libro recoge entrevistas a unas 75 personas, entre actores, directores, dramaturgos, periodistas y espectadores asiduos, y traza una historia del elenco a partir de hitos del siglo XXI, como fueron las direcciones artisticas de Hector Manuel Vidal y Mario Ferreira, los años itinerantes con el Teatro Solis cerrado y la vuelta en 2004, o el fin del star system de la Comedia. Obras claves como la version de Bodas de sangre realizada por Mariana Percovich, que desato una gran polemica, la incursion de Roberto Suarez en el elenco departamental con El hombre inventado o el boom de El viento entre los alamos son reconstruidas con detalle. A traves de un gran trabajo de archivo se habla de todas las obras que puso en escena el elenco de 2000 a 2017. Esta investigacion, a la vez, cuenta con perfiles exhaustivos de los 25 integrantes del elenco (como Levon, Andrea Davidovics y Leandro Nuñez) y exintegrantes de la compañia, como Estela Medina o Jorge Bolani. No es aventurado arriesgar que este sea uno de los libros mas importantes que se han escrito sobre el teatro nacional en la historia de Uruguay y sin duda es unico en cuanto a acercar al publico a las luces y sombras de los actores y su oficio. El libro no solo cuenta la historia de la Comedia Nacional, sino tambien, de forma colateral, del teatro uruguayo, de una manera en la que nadie lo habia hecho hasta ahora.

Hay que tener presente que el proyecto intelectual de sor Juana Inés de la Cruz no fue precisamente el de escribir versos y comedias, sino el de alcanzar un estudio profundo de la teología. Ella misma asi lo expreso en la "Respuesta a sor Filotea de la Cruz" cuando se quejaba de su autodidactismo. El presente libro titulado "Teatro y teologia" tiene la honra de ser el primer opusculo mayor que se publica sobre sus tres autos sacramentales, con la presentacion de un nuevo encauce critico para su mayor entendimiento y una consecuente revaloracion. En el siglo XVII el estudio y la enseñanza de la teologia era aspiracion intelectual imposible para una mujer, aun si estaba como sor Juana dedicada a la vida monacal; en consecuencia, la disposicion que mostro por las letras respondia mas a las numerosas peticiones que recibia, que a sus deseos personales, ya que se comprueba que la monja poseia mayor avidez intelectual por la ciencia y, como coronacion de la piramide cognoscitiva, la indagacion teologica. Por una via mas personal, el lector descubrira que la Belleza era para nuestra paisanita un camino teologico.

Este libro parte de la siguiente hipótesis: la autoficción responde a una tendencia general en el arte contemporáneo, pues, asumida la imposibilidad de un referente estable –incluido el propio autor–

Sam Shepard (1943) llegó a la ciudad de Nueva York en 1963, en un período de intensa experimentación y renovación de las artes escénicas. Tras estrenar sus primeras piezas teatrales en el Theatre Genesis de la iglesia de St. Marks in-the-Bowery, el joven dramaturgo se entrego con fervor a la libertad creativa propia de la escena del Off-Off-Broadway neoyorquino durante toda la decada de los sesenta. Este volumen estudia como sus obras breves de este periodo se trasladaron a los escenarios, con una viveza sin precedentes en la tradicion dramatica estadounidense, una sensibilidad contracultural y juvenil que tomaba como referencia el lenguaje musical del rock y los iconos de la cultura popular. En estas obras se encuentra el origen de toda una poetica de la imaginacion escenica: una apertura hacia lo posible.

Gertrude Stein fue una de las protagonistas de la vida cultural del París de principios del siglo XX. Como coleccionista de arte, su famoso atelier de la Rué de Fleurus, alojó muchos de los lienzos que configurarian la historia del arte moderno europeo. Tras una dimension publica como madre de la Generacion Perdida, la produccion literaria de Stein fue prolifica y abarco campos muy diversos. La menos conocida de toda fue la teatral, a pesar de que llego a escribir casi un centenar de textos dramaticos. Este libro constituye un estudio pionero al analizar la revision del mito faustiano que Stein llevo a cabo en Doctor Faustus Lights the Lights (1938) y señalar las estrategias esteticas posmodernas que sirvieron de inspiracion para nombres clave en el teatro experimental estadounidense como The Living Theatre, Robert Wilson o Richard Foreman.

Un grupo de profesores especialistas del teatro español, francés e italiano reflexionan desde la teatralidad franciscana medieval hasta los orígenes de la tragedia, el teatro como espectáculo y el espacio escenico, sin dejar de lado a autores como Carlo Gozzi o Giovan Battista Gelli. Un elenco de investigadores que rinden un merecido homenaje a Federico Doglio, creador del Centro Studi sul Teatro Medioevale e Rinascimentale, quien supo fusionar desde el momento de su creacion los estudios teoricos teatrales con su representacion escenica.

El análisis del discurso crítico sobre el teatro deviene imprescindible en el intento de compresión de los invisibles cambios que se producen en la mirada del espectador de aquellos días. El estudio de la critica revela como el estallido del comentario de lo espectacular resulta paralelo a la revolucion escenica de los ultimos sesenta y primeros setenta. La explosion del comentario de lo espectacular es, por tanto, anterior a la transicion politica estricta alcanzando su punto algido en la primera mitad de la decada de los setenta. Estas paginas revelan como la critica refleja e impulsa el quiebre definitivo de las poeticas textocentristas y la conquista irreversible de regiones no verbales para la definicion de lo especificamente teatral. El giro resulta decisivo no solo para la historia de los escenarios sino tambien para la conformacion de la naturaleza misma de la disciplina teatral que saldra, por fin, de los estrechos margenes a los que le constreñia su exclusiva consideracion verbal y literaria. El presente estudio aborda este analisis de las modulaciones del discurso critico que se genera sobre el teatro en los años que llevan a España de una dictadura a una democracia. Comporta el centro de su interes el analisis de las ventanas desde las que nos hemos asomado a la ficcion teatral en el periodo que va desde 1966 a 1982.

"Una visión personalísima y absolutamente insólita de la historia del teatro español a través de seis creadores inclasificables de las más diversas tendencias, que marcaron nuevas sendas, tanto en el ambito nacional como internacional, y cuyas aportaciones, al decir de la autora, no han sido lo suficientemente valoradas o analizadas.Maria M. Delgado ha abordado aqui, como nadie lo habia hecho antes, con una notable capacidad de analisis y una enorme riqueza documental, las trayectorias de Margarita Xirgu, Enrique Rambal, Maria Casares, Nuria Espert, Lluis Pasqual y La Cubana. No se centra, pues, en los autores, sino en un puñado de actores e interpretes, en aquel "teatro de cada dia" que preconizo Jose Luis Alonso."Otro" teatro español juega en ese doble frente: da a conocer al lector las vidas y milagros de algunos de los iconos fundamentales del teatro español, pero tambien tiene la valentia de reivindicar, apasionadamente, las aportaciones de creadores poco valorados como Rambal o apeados de la historiografia por su condicion de "artistas de comedia", como es el caso de La Cubana. A traves de todos ellos recrea, a modo de telon de fondo, la historia del siglo XX teatral en España. Imprescindible." Marcos Ordoñez, escritor y critico teatral.

Con motivo del 400 aniversario de la muerte del Bardo de Avon, la Orden Literaria William Shakespeare rinde narrativo homenaje a uno de los escritores más importantes de las letras universales. Catorce relatos contemporaneos de diversos estilos que, inspirados por algun sujeto u objeto, tematica o tesis, palabra o gesto, emociones o intenciones extraidas del heterogeneo universo escenico del autor ingles, profundizan con precisa intension en esa atemporal voz creativa shakespeariana. Obras como Otello, La tempestad, Hamlet, Cuento de invierno, El mercader de Venecia, La tragedia de Macbeth o Sueño de una noche de verano sirven de excusa perfecta para acondicionar todo un moderno entramado de pasiones humanas eternas. Cinco autoras (Clara Astarloa, Alicia Ramos Gonzalez, Concepcion Romero, Rosario Paguillo, Maria Dolores Rubio de Medina) y nueve autores (Jose Carlos Carmona, Jose Iglesias Blandon, Juan Manuel Avila, Felix Valiente, Rafael Cruz-Contarini, Joaquin Abad, Guillermo Canelo, Enrique Garcia Lopez-Corchado, Jose Manuel Higes) que aunan comedia y drama sobre el escenario del teatro de la vida.