MANUEL DE PRADA

El artífice que produce su obra poniendo en primer plano el vacío, llámese artesano o artista, sólo se pondría al servicio de aquello que el vacío quiere representar. La realidad poética del vacío pondria a los hombres a su servicio. El estudio de la importancia y significacion del vacio en las obras de arte resulta problematico por su extension y por la diversidad de enfoques posibles. Se trata de un tema muy amplio, inabordable de manera sistematica, aunque accesible, quizas, si se orienta hacia una idea. No hacia una brillante ocurrencia, sino hacia una idea de orden que presente unidos los aspectos polares del mundo que la razon y la sensibilidad suelen presentar separados. La idea que aqui se persigue, por tanto, es una forma ideal, un principio formal de unidad en la diversidad, que sea la expresion de un orden original. Dicha idea deberia aparecer en las formas de doble configuracion lleno-vacio, pictoricas, escultoricas o arquitectonicas, cuando logran convertir el vacio en un acontecimiento significativo. Este estudio, pues, no se plantea como una investigacion sobre un problema espacial determinado; tampoco quiere ser un analisis sistematico del problema del vacio en el arte, sino solo prestar atencion a la unidad que se desvela en algunas obras de arte, quizas en los ejemplos seleccionados, para darse primero a la sensibilidad y despues a la reflexion.

El encuentro con sobrecogedoras impresiones arquetípicas puede conducir a la transformación de lo real, pero también puede impedirla. Son las dos caras del mito. De un lado, el mágico poder de producir lo real; del otro, la confianza en la simple ilusion. Cuando el hombre se siente inseguro, pensaba Jung, las fuerzas celestiales se le aproximan. Cuando el hombre se siente seguro, cabria suponer, las fuerzas celestiales se alejan. Pero es dificil saber hasta que punto el hombre puede sentirse seguro sin recurrir a los idolos o los dioses. Despues de profanar los viejos altares, los arquitectos de la Revolucion Francesa levantaron nuevos altares a la diosa Razon. Pero no tuvieron que inventarlos, pues los viejos edificios sagrados, las piramides y el Panteon, les sirvieron para este proposito. Del mismo modo, despues de que los objetos redondos y luminosos desaparecieran del cielo, algunos arquitectos sintieron la necesidad de proyectar objetos semejantes sobre la tierra. Tienen aspecto de objetos extraterrestres. El dinamismo, la continuidad y el brillo de la superficie exterior son condiciones de la mayoria. Por la noche irradiaran luz hacia el exterior. Por el dia se protegeran de las inclemencias. Un rapido repaso a las ideas de los arquitectos futuristas es suficiente para apreciar hasta que punto sus ideas se aproximan a las de muchos arquitectos del siglo XXI.

El actual gusto por la irregularidad, en arquitectura, procede del viejo gusto por lo pintoresco. Enfrentado en ocasiones al gusto por la regularidad, es completamente ajeno, sin embargo, al gusto por el desorden. Ocurrió que las pinturas de paisajes realizadas en el siglo XVII demostraron, en el XVIII, que la belleza no dependía sólo de la regularidad. Entonces se descubrió que los distintos elementos del cuadro se podían conciliar, procurando el equilibrio del conjunto, sin renunciar al contraste y la variedad. En poco tiempo la pintoresca irregularidad de los paisajes pintados se trasladó al diseño de jardines y edificios, representando la libertad natural y la honestidad, privacidad y funcionalidad. La regularidad, finalmente, perdió buena parte del poder que tuvo en otros momentos de la historia para representar el orden de las cosas. Es verdad que el orden tiende a ocultarse en el arte. Cuando se defendía el orden frente a la libertad, se confundía la libertad con el capricho; cuando se defendía la libertad frente al orden, se confundía el orden con la receta. La libertad del artista creador, que configuraba sus edificios sujetándose supuestamente a los usos, se enfrentaba a los límites de la forma. La función debía siempre imponerse. A pesar de todo, y puesto que la pura informalidad es inconcebible, se generaron nuevas formas, nuevos órdenes formales, también fundados en configuraciones naturales. Dichas formas se han denominado topológicas. En este libro veremos que, a pesar de la confusión que introdujo el término topología, las formas se siguieron recreando en el arte. Y lo hicieron, de nuevo, imitando la naturaleza.

La palabra composición, que en lenguaje corriente se aplica a ciertas artes, se convierte en un término impreciso cuando se refiere a la arquitectura. Cualquier persona tiene una idea de lo que es una composición musical, pictórica o literaria, pero la misma persona dudará si es preguntada acerca de la composición arquitectónica. Para decir com-posición, los griegos decían syn-tesis. Ese espíritu de síntesis condujo a los artistas modernos a presentar, a través de sus obras, la esencia universal de las cosas. Hoy sabemos que los maestros modernos, sin excepción, conocían los principios de la composición académica. Sabemos, además, que esos principios les sirvieron de referencia para sus creaciones libres. Un breve repaso a sus dibujos y proyectos de juventud es suficiente para comprobar que la libertad y originalidad de sus obras se fundamentaba en una sólida formación. Ocuparse de la forma, que es tanto como ocuparse de la composición, es además condición necesaria, aunque no suficiente, para aprehender y utilizar adecuadamente el capital heredado de los maestros. Veremos que la forma y la formación son condiciones de originalidad. Primero, definiendo el fundamento de la composición y repasando las distintas teorías sobre la forma en el arte. Después, mostrando que la imitación es el fundamento de toda consciencia y, por tanto, de la forma y la originalidad.

Este libro quiere profundizar en la idea de mímesis como clave para entender, no sólo el arte y su dialéctica, sino también cualquier proceso formativo. Es el resultado de los trabajos realizados en la asignatura Relaciones entre Arte y Arquitectura: Perspectivas Historica y Estructural, perteneciente al Master Universitario en Analisis, Teoria e Historia de la Arquitectura del Departamento de Composicion Arquitectonica de la Escuela Tecnica Superior de Arquitectura de Madrid.La asignatura fue impartida durante el curso academico 2010-2011 por los profesores Manuel de Prada y Jose Manuel Barbeito. Se dedico al estudio de las relaciones estructurales detectadas entre distintas obras de arte a la luz de la mimesis. No atendiendo a los procesos de copia o reproduccion que vulgarmente se asocian con la mimesis, sino a la necesidad de hacer nuestro lo que otros antes hicieron, de hacer como si fueramos otros, para producir cualquier obra significativa.

El artífice que produce su obra poniendo en primer plano el vacío, llámese artesano o artista, sólo se pondría al servicio de aquello que el vacío quiere representar. La realidad poética del vacío pondría a los hombres a su servicio. El estudio de la importancia y significación del vacío en las obras de arte resulta problemático por su extensión y por la diversidad de enfoques posibles. Se trata de un tema muy amplio, inabordable de manera sistemática, aunque accesible, quizás, si se orienta hacia una idea. No hacia una brillante ocurrencia, sino hacia una idea de orden que presente unidos los aspectos polares del mundo que la razón y la sensibilidad suelen presentar separados. La idea que aquí se persigue, por tanto, es una forma ideal, un principio formal de unidad en la diversidad, que sea la expresión de un orden original. Dicha idea debería aparecer en las formas de doble configuración lleno-vacío, pictóricas, escultóricas o arquitectónicas, cuando logran convertir el vacío en un acontecimiento significativo. Este estudio, pues, no se plantea como una investigación sobre un problema espacial determinado; tampoco quiere ser un análisis sistemático del problema del vacío en el arte, sino sólo prestar atención a la unidad que se desvela en algunas obras de arte, quizás en los ejemplos seleccionados, para darse primero a la sensibilidad y después a la reflexión.

La técnica de montaje se emplea en el cine debido a su eficacia para producir reales ilusiones. Nadie protesta en la sala porque la película salte bruscamente de una escena a otra. Dejamos que la imaginacion ponga lo que falta y comprobamos, aunque sea de manera inconsciente, que la yuxtaposicion de fragmentos filmados favorece la unidad y el significado de la pelicula. Pero el montaje se emplea igualmente, con los mismos efectos, en el resto de las artes, incluida la arquitectura.Se suele pensar que los montajes del arte surgieron a principios del siglo XX de la mano de Picasso y los surrealistas. Se acepta que la tecnica de montaje es un invento moderno. Es facil descubrir, sin embargo, la existencia de montajes significativos en otras epocas y culturas, lo cual permite sospechar que el montaje no es un modo reciente del arte, sino un modo original y universal de la representacion que se mantiene vivo en nuestros dias.