Pedro Alberto Cruz Sánchez

El nombre de Daniel Buren se encuentra vinculado, desde mediados de los años sesenta, a una vía de producción en el arte contemporáneo que ha procedido a la paulatina pero incesante deconstrucción de los diferentes fundamentos sobre los que se apoya la maquinaria institucional. Sus reiterados cuestionamientos del marco de exhibicion constituido por el museo/galeria (nada en el es neutral, ningun elemento se encuentra exento de contenido politico), asi como el enriquecimiento del concepto de "arte publico" que su obra ha supuesto, lo convierten, sin duda alguna, en uno de los nombres imprescindibles del arte de las ultimas decadas.

La producción crítica en torno a la obra de Marcel Duchamp resulta tan abundante como reiterativa. La poca generosidad del artista a la hora de explicar tanto la polisemia de sus trabajos como el trayecto y la dimensión de sus diferentes influencias han conducido a una situación de aparente «bloqueo hermenéutico». En principio, el conjunto de nombres que conforman la «constelación Duchamp» está perfectamente identificado, de suerte que pocas sorpresas caben en este sentido. Solo queda la opción de un «margen interpretativo» que ayude a redefinir las relaciones entre ellos y que permita ampliar la ya de por sí amplia carga semántica de cada uno de sus trabajos. Debido precisamente a esto, revisitar las múltiples «sedimentaciones» que la literatura ha dejado sobre su obra resulta una labor del todo pertinente, aunque no exenta de numerosos tramos resbaladizos.De acuerdo con esto, el presente volumen plantea un acercamiento a las influencias literarias de Duchamp que cristaliza en tres nombres esenciales para entender la configuración final de su obra: Jules Laforgue, Alfred Jarry y Raymond Roussel. El objetivo que se persigue es redefinir ciertos contextos de interpretación que, a fuerza de caer en fórmulas manidas y en lugares comunes repetidos hasta la saciedad durante décadas, habían quedado precipitadamente clausurados para el estudio. Es cierto que los referentes «no-forzados» sobre cuyo fondo de contraste cabe examinar el legado de Duchamp son escasos. Pero, aún de dentro de este abanico reducido que parece asfixiar cualquier intento de expansión de los esfuerzos interpretativos, la plurivocidad de la estrategia de asimilación operada por Duchamp es tal que todavía restan estratos y reflejos sin descubrir.Sobre el autorPedro A. Cruz Sánchez (Murcia 1972) es Profesor de Historia del Arte en la Universidad de Murcia, teórico, crítico de arte y poeta. Entre sus publicaciones destacan: La vigilia del cuerpo. Arte y experiencia corporal en la contemporaneidad (2004); Cartografías del cuerpo. La dimensión corporal en el arte contemporáneo(2004); Daniel Buren(2006); Ob-scenas. La redefinición política de la imagen (2008); Pasión y objeto político. Una teoría de la pasividad (2013), Cuerpo, ingravidez y enfermedad (2014) y Marcel Duchamp. La sombra y lo femenino (2016)."

Pedro A. Cruz Sánchez (Murcia, 1972) es profesor de Últimas tendencias del arte en la Universidad de Murcia. Entre sus investigaciones sobre arte moderno y contemporáneo, destacan Marcel Duchamp. La sombra y lo femenino (Bellaterra, 2016) y Arte y performance. Una historia desde las vanguardias hasta la actualidad (Akal, 2022). Ha publicado los siguientes poemarios: No comparto las razones de la luz (2011); Cuerpo de un solo dia (2013); Tu y el afuera (2014); De la nada a tu carne (2017); El oledor de Pretzels (Liliputienses, 2019) e Incluso los muertos (2020, XVI Premio de Poesia Dionisia Garcia).Este nuevo libro de Pedro Alberto Cruz Sanchez supone un eslabon mas dentro de una de las producciones mas personales de la ultima poesia española. Su literatura establece vasos comunicantes con disciplinas artisticas como las artes plasticas, lo que contribuye a enriquecerla y proporcionarle una enorme originalidad.

El nombre de Daniel Buren se encuentra vinculado, desde mediados de los años sesenta, a una vía de producción en el arte contemporáneo que ha procedido a la paulatina pero incesante deconstrucción de los diferentes fundamentos sobre los que se apoya la maquinaria institucional. Sus reiterados cuestionamientos del marco de exhibición constituido por el museo/galería (nada en él es neutral, ningún elemento se encuentra exento de contenido político), así como el enriquecimiento del concepto de "arte público" que su obra ha supuesto, lo convierten, sin duda alguna, en uno de los nombres imprescindibles del arte de las últimas décadas.

La salud es economía; y los cuerpos de los que trata el presente volumen conforman un riesgo palpable para el racionalismo económico más voraz. Un cuerpo enfermo es considerado por el «régimen de sal

Pedro Alberto Cruz Sánchez (Murcia, 1972) es profesor de Historia del Arte de la Universidad de Murcia. Ha publicado No comparto las razones de la luz (2012) y Cuerpo de un solo día (2013).

A lo largo de la historia , los artistas han dibujado, esculpido y pintado lo humano. Sin embargo, esa presencia del cuerpo y su percepción por parte de los artistas, en la reciente historia del arte, ha mostrado un cambio más que significativo: el cuerpo ahora es usado no sólo como "contenido" de la obra, sino también como lienzo, pincel, marco y plataforma. En el transcurso de los últimos cien años, los artistas se han interrogado acerca de la manera en la que el cuerpo ha sido pintado y cómo éste ha sido concebido. La idea de un "yo" dotado de una forma estable y finita ha sido, gradualmente, erosionada, haciéndose eco de los influyentes desarrollos que el siglo XX ha producido en los campos de la antropología, el psicoanálisis, la filosofía, la medicina y la ciencia. Los artistas han investigado la temporalidad, la contingencia y la inestabilidad de lo humano. Han explorado la noción de conciencia, intentando expresar el "yo" como invisible, sin forma y liminal. Se han dirigido hacia los terrenos del riesgo, el miedo, la muerte, el peligro y la sexualidad, en un tiempo en el que el cuerpo ha sufrido con mayor virulencia todas estas amenazas.

Familiar es lo que no se ve; lo que ni siquiera es mirado porque ya lo fue una vez; en suma, es lo lejano, lo que se pierde y se hace borroso en la periferia de la experiencia. La demasiada distancia que separa al espectador de las imágenes ha ocasionado que lo cotidiano sea el escenario en que no acontece la imagen, en el que no termina de arraigar la mirada. Es, precisamente, a partir de la realidad entregada por este diagnóstico, y conforme a los objetivos que el mismo se encarga de priorizar, que surge este estudio, con la principal premisa de precisar los factores necesarios para posibilitar una presencia de la imagen en el espacio social.