Libros de Directores, página 11 de 77

LA MONTADORA HABITUAL DE LAS PELÍCULAS DE FERNANDO COLOMO NOS HABLA EN ESTE LIBRO SOBRE SU FILMOGRAFÍA Y PINCELADAS DE SU VIDA

Cine

'Lejos del cielo' ('Far from Heaven', Todd Haynes, 2002) és una de les pel·lícules més experimentals realitzades dins de la cultura de masses o popular. Ambientada als Estats Units a la fi dels anys cinquanta del segle XX, el film es una exploracio 'queer' de la raça, classe, genere i sexualitat, un melodrama que posa en escena dos mons -sexual i racial- que no es connecten, que es desconeixen i que s'agredeixen mutuament. El seu manierisme estudia una tradicio cinematografica, prenent la retorica de les pel·licules d'aquests anys i executant una transferencia d'un camp discursiu a un altre. Una labor de recerca en els limits del model del cinema classic en la qual reflexiona sobre els mecanismes que possibiliten una expressio cinematografica, es a dir, sobre el caracter il·lusori de les imatges, la no immediatesa del seu desxiframent, la complexitat i ambiguitat de la mirada.

George Lucas nos explica cómo Star Wars cambió la forma de comunicar un mensaje, y con ello somos testigos de la creación de un mito en la mitología moderna. También profundiza y nos habla sobre el desarrollo de su carrera, su vision sobre los estudios de cine, las corporaciones, la libertad y las restricciones sobre el arte. Y sus diferencias con respecto al resultado de Star Wars VII: El despertar de la Fuerza.

"Alguna vez tuve que vender mis botas o mi reloj pulsera para conseguir un desayuno. Aguirre fue una película descalza, por así decirlo, una hija de la pobreza. Algunos actores y extras sentían que esa era una de las virtudes de la pelicula y andaban todo el tiempo vestidos como sus personajes, aunque el vestuario estaba lleno de moho debido a la terrible humedad. Pero, como usted bien sabe, me habria gastado el presupuesto integro en tres dias de haber rodado la pelicula en estudio."

El cine de Stanley Kubrick es un fascinante enigma tanto por los extraordinarios recursos estilísticos que despliega el director desde su primera película como por los temas que aparecen de forma recurrente en su filmografia. En Teoria del cine. La redencion de la realidad fisica, Siegfried Kracauer aplica los principios de la dialectica de Hegel a la evolucion del cine: los hermanos Lumiere y la representacion de la realidad establecieron la tesis y Georges Melies establecio su antitesis, el ilusionismo total. El cine de Kubrick bien puede representar la sintesis de ese proceso: entre las tomas de Greenwich Village de su cortometraje Day of the Fight y el viaje hacia Jupiter y mas alla del infinito de 2001: una odisea del espacio; entre sus reportajes fotograficos y los motivos goticos de El resplandor; o entre la luz natural y la luz vacilante de las velas de Barry Lyndon y la luz azulada que ilumina las calles de la Nueva York fantasmagorica y onirica de Eyes Wide Shut, el espectador encuentra un laberinto, tal vez de una sola linea, en el que resulta fascinante perderse.

EDICIÓN ESPECIAL CONMEMORATIVA DEL 50 ANIVERSARIO DE ALIANZA EDITORIALAlfred Hitchcock, el “maestro del suspense”, dirigió películas destinadas a quedar en la historia del cine, como Psicosis, Los pá

Nunes, més enllà del temps vol rescatar un creador radical, José Maria Nunes, un cineasta i pensador anarquista. Conegut membre de l’Escola de Barcelona, amb pel·lícules mítiques com Noche de vino ti

La noción de empatía, tomada de un texto de Harun Farocki, informa la selección de obras que se presentará en Barcelona. Mientras que, desde la década de 1960, el efecto de distanciamiento de Brecht impuso la necesidad de desromantizacion y objetividad en las practicas documentales, hacia el final de su vida Farocki advoco que el precioso termino empatia habia sido entregado al enemigo, es decir, al cine de consumo y la industria del entretenimiento. Harun Farocki hizo un llamamiento a su reconsideracion y re-apropiacion: por Otro tipo de empatia. Consideramos que el uso que hace Farocki, particularmente paciente y alejado de prejuicios, de la camara, como una herramienta para grabar gente trabajando y en espacios laborales sin interferencias ni manipulacion, es una clara prueba de sus cualidades empaticas. Como complemento a esta seleccion de obras impulsadas por el interes de Farocki en el mundo del trabajo, la Fundacio Antoni Tapies presenta, por primera vez en el Estado español, un proyecto a largo plazo de Farocki, realizado junto con Antje Ehmann: Labour in a Single Shot / Eine Einstellung zur Arbeit (El trabajo en una sola toma). Entre 2011 y 2014, Farocki y Ehmann llevaron a cabo talleres con directores de cine y artistas en 15 ciudades por todo el mundo. Tomados en conjunto, estos talleres produjeron mas de cuatrocientas peliculas de uno a dos minutos de duracion sobre el tema del trabajo. La exposicion en la Fundacio Antoni Tapies incluye una seleccion de cincuenta y cuatro peliculas procedentes de nueve ciudades. Estas peliculas cortas de un unico plano secuencia ejemplifican las multiples formas de trabajo que coexisten en el mundo de hoy: el trabajo material o inmaterial, el trabajo remunerado o no remunerado, las ocupaciones tradicionales o las nuevas. Las obras de Harun Farocki, asi como las peliculas seleccionadas a partir de Einstellung zur Arbeit / Labour in a Single Shot revelan que los escenarios cinematograficos se pueden encontrar dondequiera que exista una pedagogia de la imagen. Se basan en la suposicion de que una imagen nunca es inocente, sino mas bien parte de una cultura visual historicamente cambiante y sus regimenes de la imagen.

Setenta y cuatro párrafos radiantes sobre Werner Schroeter, el cineasta inclasificable del Nuevo Cine Alemán. Exploración de una filmografía íntegra, es decir, de una sensibilidad. Narración de una relacion personal con Schroeter y una relacion amorosa, rigurosa y aguda, con su obra. Philippe Azoury va mas alla de lo visible y firma en este libro una viviseccion a cielo abierto y un retrato en penumbras, intimo y pudoroso, del hacedor de uno de los mundos de imagenes mas enigmaticas del cine.Philippe Azoury (1971). Periodista y critico cinematografico, ha colaborado con las revistas Trafic, Cahiers du Cinema y Le Nouvel Observateur, entre otras publicaciones. Es autor, junto con Jean-Marc Lalanne, de Fantomas, style moderne (2002, Yellow Now) y Jean Cocteau et le cinema: Desordres (2003, Cahiers du Cinema-Centre Georges Pompidou, Prix Philippe Arnaud 2003) en colaboracion con el fotografo Antoine DAgata, de Stigma (2006, Images en manuvre) y de Un morceau de ton reve (2012, Capricci), libro de entrevistas con Adolpho Arrietta, y Philippe Garrel en substance (2013, Capricci).

La oscura conciencia de sí mismo bucea en los entresijos que impulsan al cineasta judío estadounidense Allan Konigsberg- Woody Allen en el ejercicio profesional de la escritura de guiones para el cine. A traves del estudio comparativo de Annie Hall y Mat

Fellini lo decía: "Hago una película del mismo modo en que vivo un sueño, que es fascinante mientras sigue siendo misterioso y alusivo y corre el riesgo de hacerse insípido en cuanto es explicado". En efecto, Fellini no privilegiaba tanto el tratamiento de la realidad que llevamos a cabo de noche, en el sueño "autentico", sino el tratamiento diurno del sueño, la manera en que la creacion fantastica hace entrar el sueño en lo real.

Cine

La obra se centra en la obra cinematográfica de Cocteau, pero para conocerla en profundidad, pone en relación con el resto de facetas del creador, pues la suya es una obra comleta, una ceración enc o

Neil Jordan es quizás el cineasta irlandés más relevante de su generación. Con más de treinta años de carrera, Jordan posee una extensa filmografía que abarca los más diversos géneros, del" fantastique" al" thriller" , pasando por la tragicomedia y el melodrama, sin que por ello se pierdan unas señas de identidad en las que se mezclan aspectos como la identidad y la historia irlandesa, la ambiguedad sexual o la violencia soterrada. A medio camino entre el cine independiente y el fasto hollywoodiense, Neil Jordan es un realizador con una cosmogonia propia no solo por la vision personal que subyace en cada una de sus historias, sino tambien porque nos permite vislumbrar el complejo equilibrio entre el cine de su Irlanda natal y las obligaciones adquiridas al filmar en los Estados Unidos. En el presente volumen recorremos toda su obra filmica, tanto cinematografica como televisiva, e incluimos un anexo dedicado a su faceta de novelista; con ello pretendemos dar una vision global de un artista que reclamaba merecer por fin un estudio completo en lengua castellana.

El lector encontrará impresiones de su vida, recuerdos de su infancia, anécdotas personales que nos muestran los mas variados tipos, pero que no se llame a engaño si pretende identificarlos con los personajes y situaciones de sus peliculas porque el propio Fellini sale al paso diciendo: "En mi trabajo todo y nada es autobiografico".

Ford está considerado como el director que dejó la más extensa producción cinematográfica: son más de 135 las películas por él realizadas. Pero no es por una cuestión de cantidad por lo que ha sido el maestro admirado y añorado por una sucesion de generaciones sino por su originalidad e independencia.Ford fue el creador de un estilo personal unico en el que junto a un realismo a veces cruel dejaba correr como el solo sabia hacer dosis de fantasia y ternura, que le permitieron conquistar publicos muy diversos y crear una galeria de personajes en la que se ha inspirado toda la cinematografia mundial.

L a obra de este personal cineasta, profundamente enamorado del cine fantástico, bascula entre el compromiso con su propia concepción del género –véanse Cronos (1993) o las coproducciones con España

Durante la primavera del 2015 Marin Karmitz viajó a Barcelona para inaugurar el Máster en Producción Cinematográfica que dirige Paco Poch y mantuvo diversos encuentros públicos en los que fue desgranando su vision sobre el cine, tanto desde una perspectiva artistica como industrial. Hablo sobre los años convulsos de finales de los sesenta desde los que surgio MK2, un referente para el cine de autor e independiente, tanto desde la produccion como desde la distribucion y la exhibicion; hablo sobre su relacion con los miembros de la Nouvelle Vague; los convulsos pero siempre productivos encuentros con Jean-Luc Godard; la larga colaboracion con Claude Chabrol; hablo de su admiracion por Abbas Kiarostami, con el que trabajo desde hace mas de quince años; y se centro en dos de las peliculas que produjo, por las que dice sentir una mayor satisfaccion: Melo de Alain Resnais y la trilogia de los colores, de Krzysztof Kieslowski. Repasando estas experiencias, nos dejo esbozada su particular manera de entender la figura del productor.