Libros de Directores, página 23 de 77

Actor, director, escritor, pintor, cómico, diseñador de videojuegos..., Takeshi Kitano es uno de los cineastas más polifacéticos y controvertidos del panorama cinematográfico, de reconocido prestigio tanto en Japon como en el ambito internacional. Desde que se estrenase como director con Violent Cop (1989), son muchas las obras de Kitano que han obtenido el apoyo de la critica, como Hana-Bi (Flores de fuego, 1997; Leon de Oro en el festival de Venecia y nominada a la mejor pelicula no europea por la European Film Academy), o Dolls (2002), considerada su obra maestra. La mayoria de las peliculas de Kitano se acercan al mundo de la mafia, de los yakuzas, y de la policia. Aunque la evolucion de su produccion cinematografica es incuestionable, esta goza de unas caracteristicas particulares que la hacen inimitable: una mezcla del humor y la violencia incomparables, las tomas largas, el dialogo minimo, el estatismo combinado con las explosiones de furia... Un director, pues, que no deja indiferente y a quien gusta hacer al espectador dueño de sus interpretaciones.

En la filmografía de Luis García Berlanga, que proporcionó al cine español su primer éxito internacional con «Bienvenido, Mr. Marshall», se evidencia un cambio progresivo desde su primera película, «

"Un film de Almodóvar": tanto si se lee en sus originales créditos iniciales como en el sugerente póster que invariablemente acompaña cada una de sus películas, este anuncio abre un abanico de expectativas. Sexy y subversivo, colorido y controvertido, apasionado y provocador, el mundo de Pedro Almodóvar es diferente. Gracias a su obra extraordinariamente cohesionada y coherente, el inconformista manchego se ha convertido en una marca de confianza y su nombre en sinónimo de opulencia visual, experimentación y erotismo del cine español posfranquista. Almodóvar se hizo famoso con tramas escritas por él mismo que mestizan géneros para describir las desventuras a menudo cómicas de yonquis, monjas, amas de casa, prostitutas, travestis y transexuales. Elogiado por los críticos, apoyado por sus colegas cineastas, adorado por los actores y adornado con premios internacionales, es el cineasta español más exitoso desde Luis Buñuel, con películas como Mujeres al borde de un ataque de nervios, Todo sobre mi madre, Hable con ella y Volver.

Luis Buñuel declaraba en 1958: El cine es una arma maravillosa y peligrosa si la maneja un espíritu libre. Es el mejor instrumento para expresar el mundo de los sueños, de las emociones, del instinto... El presente libro propone un acercamiento al sistema estetico sobre el que se edifica su obra. A traves del analisis de fragmentos de sus filmes mas representativos son identificados algunos de los componentes de dicho sistema y su funcionamiento en cada obra particular, operacion que se continua con la ordenacion e interrelacion en los filmes de tales componentes con el fin de descubrir las claves esteticas que caracterizan una de las propuestas cinematograficas mas notables de la historia del cine.

Son muchos los que habían oído hablar de estos Cuadernos inéditos de Berlanga, aunque muy pocos podían hasta ahora atestiguar su existencia. De hecho, no será hasta el año 2006 que Luis García Berlanga se decida a publicarlos y entregue los cuadernos originales al editor Basilio Rodriguez Cañada. La publicacion se fue demorando por el estado de salud de Berlanga, hasta que, tras el fallecimiento del autor, la familia autorizo la publicacion de esta obra para que se viese cumplido el viejo sueño de uno de nuestros mas importantes creadores cinematograficos.Nos encontramos ante unos cuadernos de trabajo, unos borradores de escritor en los que el genial director deja muestra de sus lecturas, de sus gustos artisticos, de sus preocupaciones morales y de las reflexiones sobre el propio hecho de la creacion artistica. Sin duda son el testimonio de una personalidad compleja y contradictoria. Pero, sobre todo, nos permiten acercarnos mejor no solo al conocimiento de la persona sino tambien comprender el futuro desarrollo de su trayectoria en el mundo del cine.Ademas de los diferentes poemas, dibujos y textos en prosa transcritos, se publica en facsimil una parte considerable de los cuadernos, mas de la mitad, para que puedan admirarse en su version original, seleccionando los diferentes temas y estilos que aparecen en los mismos.Estamos seguro que estos Cuadernos pueden aportar datos valiosos a los investigadores que en el futuro quieran profundizar en la obra berlanguiana, pero tambien a esa innumerable legion de seguidores que disfrutamos con una obra que es imprescindible para entender nuestra propia manera de ser individual y colectiva.Miguel Losada

Clint Eastwood estaba situado frente a tres especialistas. Tras él, cerca de la cámara, Sergio Leone. En el encuadre de la cámara, se veía en primer término la mano y cartuchera de Clint, y al fondo los tres pistoleros. Clint debia disparar y ellos caer muertos al suelo. Se rodaba en una de las localizaciones madrileñas muy frecuentadas por el western.Leone grita"Accion!"y Clint, dispara. Los tres especialistas caen al suelo. Sin embargo Leone no queda convencido. El no ha escuchado tres disparos, tan solo dos. Le dice a Clint que solo ha disparado dos veces, y Clint, con parsimonia, contesta que ha disparado tres. El director ordena repetir el plano y se vuelve a montar la escena."Clint, dispara!"grita nuevamente Leone. Y jura nuevamente escuchar unicamente dos disparos para tres muertos. En esta ocasion Clint, ya aburrido de la situacion, abre el tambor del revolver y muestra la municion de fogueo. Efectivamente, habia tres casquillos agujereados. Clint Eastwood hacia el tercer disparo tan rapido que se superponia con el sonido del anterior. Sin duda, el mas rapido del oeste. Esta anecdota transcurre durante el rodaje de Por un puñado de dolares, la primera de las tres peliculas que conforman la llamada Trilogia del dolar de Leone."Clint, dispara!. La Trilogia del dolar de Sergio Leone", este ameno y documentado libro que tienes en tus manos, repasa la gestacion, rodaje y repercusion de Por un puñado de dolares, La muerte tenia un precio y El bueno, el feo y el malo, tres de los exponentes del genero western mas exitosos de la historia del cine.

El caso de Alber Ponte es excepcional. Con más de 50 títulos desde 1990, no sólo es el director español más fecundo en el campo del cortometraje, sino también uno de los raros autores que han encontrado en él su propia forma de expresión. Pese a haber rodado tres largometrajes y varios documentales hasta la fecha, es conocido sobre todo por sus "cortos". Más de sesenta premios y el hecho de haber impulsado decisivamente las excepcionales carreras de actores como Luis Tosar o Luis Zahera confirman la calidad de su filmografía y la importancia de Ponte para el cine español. Sus obras maestras pertenecen a lo mejor que se ha producido en este formato en España. Después de veinte años de cinemanía pontiana, parece llegado el momento de volver la vista atrás y analizar el conjunto de su obra en una primera aproximación sintetizadora.

El británico James Whale (1889-1957) comenzó su carrera cosechando grandes éxitos en el teatro londinense, para posteriormente dar el salto a la dirección cinematográfica en Hollywood. Si bien su obra

Sorprendentes historias sobre famosos travestidos, drogadictos, fetichistas..., y todos ellos son directores de cine de gran prestigio.¿Sabía que Chaplin estuvo semanas sin querer bañarse, que Hitchcock no tenia ombligo, que el cuerpo de Walt Disney esta escondido en una atraccion del parque tematico del mismo nombre, o que Coppola dirigio una pelicula porno en 3D?Con reseñas escandalosas y sin ningun tipo de censura, Vidas secretas de grandes directores de cine revela los secretos mejor guardados de nuestros directores favoritos: Pedro Almodovar, Luis Buñuel, Quentin Tarantino, etc.

If there is any solace in growing older, it is that you will find yourself guffawing in hysterical recognition at the situations Nora Ephron describes, from the impossibility of trying to remember people's names at parties,to struggling with the new technology...

A leading book in the field, "Cinematography" is a staple at the world's top film schools. Lavishly produced and illustrated, it covers the entire range of the profession. It goes beyond current professional practice to explain the theory behind the practice, so readers will understand how the rules came about and when it's appropriate to break them.

Recuperamos este clásico entre los clásicos de la literatura cinematográfica. Una obra que nunca debe faltar en cualquier estantería donde haya libros de cine. Y en un lugar destacado.

Samson Raphaelson había escrito con Ernst Lubitsch ocho películas, sin embargo nunca había tenido la sensación de conocerlo realmente. ¿Eran amigos o tan sólo colegas de trabajo? No habría podido decirlo. Hasta un dia de 1943. Lubitsch sufrio un ataque al corazon y todo Hollywood creyo que habia muerto. Conmocionado, Raphaelson dicto a su secretaria un elogio funebre. Y entonces surgieron todas las palabras que nunca le habia dicho en vida. Si, lo apreciaba. Si, eran amigos. Pero Lubitsch no habia muerto. El manuscrito quedo oculto en un cajon. Pasaron los años, las peliculas y las ocasiones de decir lo que nunca se habian dicho. Todo volvio a la normalidad. Pero cierta tarde de 1947 (habian terminado un guion, nunca volverian a verse), Lubitsch se dirigio a Rapahelson de modo mas intimo de lo habitual. Por cierto, Sam, he oido que escribiste algo hace unos años cuando estuve enfermo Samson Raphaelson se quedo de una pieza. Empezaba la hora mas extraña y embarazosa de su vida.

A lo largo de los años, la industria cinematográfica (no solo de Hollywood sino del mundo entero) ha reconocido a John Lasseter como uno de los nombres más importantes de la historia del cine de animación. De hecho, está llamado a convertirse en el heredero artístico de Walt Disney. Se trata, pues, del nuevo mago del cine de animación del siglo XXI, que ha sabido beber de las fuentes de su maestro y ha tomado lo mejor y lo más interesante del estudio Disney para volcarlo en Pixar Animation Studios. Actualmente hay pocos directores de cine que estén tan vinculados a un estudio de producción en concreto como es el caso de John Lasseter y Pixar Animation Studios. Y lo es hasta tal punto que de una forma casi simbólica podríamos decir que la historia del estudio Pixar es la propia de Lasseter (y viceversa), de ahí que sea prácticamente imposible adentrarse en la biografía de este director sin contar también la historia de ese estudio de animación digital que ayudó a construir.

La presentación en salas del western Django desencadenado devuelve a la primera línea cinematográfica a Quentin Tarantino, sin lugar a dudas, uno de los cineastas más sobresalientes, y personales, del panorama estadounidense contemporáneo. Firmante de una de las películas clave del cine norteamericano de las últimas décadas, Pulp Fiction, y autor de una obra, en conjunto, apasionante y rabiosamente cohesionada, continúa, filme tras filme, sin dejar indiferente a ningún espectador. Adorado y detestado con vehemencia a partes iguales e imitado con insistencia desde el sonado triunfo de su segundo largometraje, este precoz cinéfago, convencido autodidacta, educado en innumerables salas de cine y graduado en los pasillos del mítico Video Archives, construye, armado de una feroz y desprejuiciada cinefilia, ajeno a cualquier tipo de moda o transformación artística, y flanqueado por una pandilla de fieles colaboradores, una filmografía, en esencia, fabricada a partir de innumerables retales sustraídos, con descaro, de las más diversas obras. Virulento maestro del collage fílmico light, fascinado por el spaghetti western, el wusia, el exploit a la mediterránea, la obra de Godard, Fuller o John Woo, niño mimado del todopoderoso productor Harvey Weinstein y del Festival de Cannes, y realizador de la poliédrica Malditos bastardos, una de las reescrituras de la historia más alucinantes exhibidas en el cinematógrafo, o la, todavía hoy, injustamente poco valorada, Jackie Brown, una de sus piezas mayores, después de sobrevivir a la caída del cine indie USA de los noventa, autoimpuesto movimiento inmejorablemente encarnado en la Generación Sundance del noventa y dos, se transforma, definitivamente, en una de las individualidades artísticas más marcadas, reconocibles y deslumbrantes de los últimos años.