Libros de Historia del arte, página 19 de 1241

Premio Formentor 2021 Dos lúcidos y locuaces ensayos que abordan el proceso de creación artística en el campo de la literatura y de las artes visuales, así como el lenguaje que se esconde detrás de las piezas de museo. Premio Iberoamericano de Narrativa Manuel Rojas 2016. Los dos ensayos que integran este volumen fueron escritos con una decada de diferencia. Sobre el arte contemporaneo es la alocucion con la que Cesar Aira inauguro el congreso Artescritura, que tuvo lugar en Madrid en 2010 y que se proponia como objetivo superar la brecha que separa a escritores y a artistas visuales. En La Habana, en cambio, parte de un recorrido por la casa museo del escritor Lezama Lima, realizado durante una visita a Cuba en el año 2000, y desemboca en una cronica del viaje por los museos de la ciudad y los objetos que alli se exponen. Estos dos imponentes textos de uno de los autores clave de las letras hispanas vuelven a incidir en algunos de los temas predilectos de Aira: la relacion entre arte y literatura, el proceso de creacion, el arte de lo incompleto y, en definitiva, la veracidad de la escritura.

Se trata de un completo manual de referencia inexcusable para adentrarse en el complicado mundo del conocimiento necesario para gestionar e intervenir en el Patrimonio Cultural. Una disciplina (que se aborda desde variados perfiles profesionales) en alza y que involucra cuestiones tan variadas como las legislaciones desarrolladas para la proteccion de Patrimonio arquitectonico, Patrimonio arqueologico, Patrimonio Etnologico, Patrimonio Cultural inmaterial, Patrimonio industrial, cientifico y tecnico, y Patrimonio documental y bibliografico, asi como a diversas instituciones (administraciones publicas, museos, archivos, bibliotecas, consorcios, fundaciones y asociaciones, institutos, universidades y centros de investigacion, la UNESCO y el Patrimonio Mundial, y el Consejo de Europa).

* La comprensión de los símbolos, ya sean animales, objetos, plantas, formas o gestos, es crucial en la apreciación del arte. * Una acreditada guía que aborda más de cincuenta de los símbolos visuales mas comunes e interesantes de todo el mundo desde el a

¿De dónde viene el color? ¿Cómo encuentran los pintores nuevas tonalidades y de qué manera influyen éstas en su obra? Desde la austera paleta de los griegos y la costosa pasión por el púrpura de los romanos hasta la gloriosa profusion del arte renacentista y la sobriedad cromatica de Velazquez y Rembrandt; desde las tempranas incursiones de los pintores romanticos en el laboratorio del quimico al matrimonio, en ocasiones fallido y en otras espectacularmente exitoso, entre arte y ciencia en el siglo XX, la quimica y el uso artistico del color han existido siempre en una simbiotica relacion que ha determinado sus respectivas evoluciones. La historia de la pintura ha estado influida por la disponibilidad o no de determinados pigmentos, y los descubrimientos cientificos se han reflejado directamente en la paleta del artista. Lleno de anecdotas y apuntes etimologicos, La invencion del color es una historia luminosa de la magia escondida en el lienzo del pintor."Un libro que generaciones venideras saludaran como el estudio definitivo del color y sus aplicaciones en el arte" -Washington Times "Intrigante...Lo que Ball hace en La invencion del color es lo que los artistas siempre tenian que haber hecho: abrir los ojos". -Kate Noble, Time Europe

La capacitat artística defineix la nostra humanitat. Mentre que no hi ha dubte que la producció i l'ús d'imatges visuals constitueixen un caràcter humà universal, l'explicació dels seus orígens susci

A finales del siglo XIX, cuando Japón se abría al mundo tras siglos de aislamiento abrazando con entusiasmo la modernización y la industrialización, un joven artista llamado Ogata Gekko de formación autodidacta revoluciono el panorama artistico japones creando un nuevo estilo de grabado ukiyo-e que sintonizaba con los gustos de quienes miraban con nostalgia como el Japon tradicional desaparecia en la voragine de cambios provocada por la apertura del pais a Occidente. La serie Gekko Zuihitsu (Ensayos de Gekko), que comenzo a publicarse en 1887, esta formada por cuarenta y siete estampas de gran calidad, una por cada letra del alfabeto japones, que retratan dioses, dragones, emperadores, princesas, poetas, samurais, monjes y un amplio repertorio de personajes y tradiciones niponas. Esta obra supuso toda una declaracion de principios sobre la necesidad de recuperar los valores clasicos de la cultura japonesa, sus mitos y sus leyendas.

Si María Gainza ya es conocida para el lector español, lo es por el reciente exito de su fascinante 'El nervio óptico' (Anagrama, 2017), pero en Argentina llevaba ya toda una vida de escritura de textos sobre arte, con ese estilo suyo tan singular, intrigante y poco academico. En este libro se reunen mas de treinta de sus preciosas piezas sobre artistas, ineditas hasta ahora en España. "Sus puntos de partida son exhibiciones, pero estas se transforman de inmediato en algo mas amplio: en un termometro cultural. Es una de las lecciones ¿acaso involuntarias? de este libro: todas las obras conviven en un mismo momento, en un mismo horizonte, formando un gran mosaico de esteticas que se potencian incluso molestandose o ignorandose. Sin notas al pie, sin un pesado cumulo de bibliografias que vengan a sostener un aparato critico, agradecemos que aun existan quienes posean tal maestria en la elipsis." (Del prologo de Rafael Cippolini)

Los Madelmanes fueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles de niños que jugábamos con ellos. Este segundo volumen continúa mostrando los muñecos mas maravillosos de nuestra niñez. Podreis contem

A mediados del siglo XIX los últimos historiadores románticos y los primeros investigadores modernos iniciaron una fascinante cruzada: descubrir al mundo los tesoros medievales que aún permanecían oc

Esta historia del arte empieza en una cueva, en Alemania, hace 40.000 años, y termina junto a una farola en Beijing, en 2012. Entremedio nos encontraremos con artistas en todo tipo de lugares: en la ladera de una montaña, en una cantera de piedra o en medio del desierto, en calles, palacios y tumbas, ademas de en talleres y estudios. Los hallaremos pintando y dibujando sobre rocas, paredes, madera, lienzo y papel. Estos artistas crean esculturas de piedra, metal, barro, alambre e incluso de avena.Con paciencia, ensamblan miles de minusculas piezas de mosaico sobre escayola, reunen fragmentos de cristal de colores o tapones de botellas, rasgan los diarios y toman fotografias. ¿Por que pasan su vida haciendo cosas como estas? Cada uno de los artistas de este libro nos podra dar una respuesta diferente.

El arte ha encontrado siempre una fuente inagotable de inspiración en la Biblia. En este libro se presentan y se estudian veintiséis obras del Museo del Prado que tienen como tema personajes y episodios del Antiguo Testamento. Ellas serviran de guia para un recorrido por esa primera parte de la unica historia de la salvacion consignada en la Escritura. La intencion, como subrayo el papa Benedicto XVI, es poner 'de manifiesto la relacion intima entre los dos Testamentos, recordando con san Gregorio Magno que todo lo que 'el Antiguo Testamento ha prometido, el Nuevo Testamento lo ha cumplido; lo que aquel anunciaba de manera oculta, este lo proclama abiertamente como presente. Por eso, el Antiguo Testamento es profecia del Nuevo Testamento; y el mejor comentario al Antiguo Testamento es el Nuevo Testamento'' (Verbum Domini 41).

Este libro se ha convertido ya en una obra clásica para innumerables estudiosos, sobre todo por su reflexión filosófica sobre las diferentes teorías de la educación. El texto plantea una visión progresista de las relaciones entre las didacticas generales, diferenciales y especificas y, a traves de una impresionante acumulacion de datos, establece una minuciosa sintesis tanto de teorias autorales como de modelos educativos. Una abundante documentacion asi como un alto grado de reflexion lo convierten, junto a los demas aspectos citados, en lectura basica para todos los estudiantes de educacion, arte y filosofia. El libro incluye ilustraciones en blanco y negro y color, asi como un prologo del autora esta primera edicion en lengua española. Elliot W. Eisner participo en el Proyecto Kattering de la Universidad de Stanford, que se propuso definir los ambitos de la enseñanza y el aprendizaje del arte: una definicion de caracter epistemologico que situo la educacion artistica como disciplina estructurada dentro de unos campos del saber, con unos objetivos, contenidos y metodologias coherentes, basados en las diferentes ciencias del arte, la estetica y la comunicacion.

Estética y teoría del arte son disciplinas –y actividades– que desarrollan su marco teórico en el Siglo de las Luces, en estrecho contacto con la historia y la crítica de arte, con la progresiva difu

El desarrollo de la estética y las teorías del arte en el siglo XX adquiere una fisonomía directamente condicionada por la evolucion de los movimeintos artísticos y literarios. Siendo habitual que las ideas esteticas respondan a los problemas planteados por las obras, su recepcion e interpretacion, es rasgo propio de nuestro siglo el creciente interes de los creadores, artistas, poetas, etc., por la reflexion sobre su propia actividad. El panorama que ofrece la estetica del siglo XX se ha enriquecido con experiencias inseperadas y ha puesto en juego contribuciones desde muy diferentes perspectivas teoricas y metodologicas. El papel jugado por las vanguardias debe articuarlse con el auge de los estudios disciclinares y la evolucion de la critica. Todo ello, sin olvidar la respuesta social, su incidencia en el mundo cotidiano y en las interpretaciones, individuales o colectivas, de esa cotidianidad.

No conocemos los nombres de los artistas del antiguo Egipto, pero el valor de las obras de estos maestros anónimos es comparable al de las piezas más destacadas de épocas posteriores, como las esculturas de Miguel Angel o las pinturas de Leonardo. Este libro presenta algunas de las piezas mas importantes desde el Imperio Antiguo, en el tercer milenio antes de Cristo, hasta el Periodo Tardio. El volumen recopila esculturas, relieves, sarcofagos, murales, mascaras y ornamentos. La mayoria de las piezas se conservan en el Museo Egipcio de El Cairo, aunque otras ocupan lugares preeminentes, como piezas del patrimonio mundial, en museos como el Louvre de Paris, el British Museum de Londres, el Museo Egipcio de Berlin o el Metropolitan de Nueva York.Algunas de las obras incluidas son: La estatua sedente del rey Zoser El relieve en madera de Hesire sentado a la mesa La estatua de un escriba hecha con diversos materiales El ajuar funerario de Aschait La esfinge de Sesostris III La estatua robada de Cherihotep Los relieves del templo de Karnak El sarcofago de la reina Hatshepsut Los murales de Tebas La figura sedente de la reina Sejmet La estatua de la reina Tiy La cabeza de Akenaton (Amenofis IV) El busto de la reina Nefertiti La mascara dorada de Tutankhamon El Ramses II de Abu Simbel Horus representado como un halcon de granito El relieve con artilugios quirurgicos grabados sobre la piedra del templo de Edfu

Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho creativo.Vivimos en el ruido del mundo, pero necesitamos antidotos frente a la saturacion visual: nuestra mirada ha de ser capaz de alcanzar espacios de silencio. Tras su ensayo Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada, Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho creativo.Vivimos en el ruido del mundo, pero necesitamos antidotos frente a la saturacion visual: nuestra mirada ha de ser capaz de alcanzar espacios de silencio. Tras su ensayo Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada, Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho crea...

El contenido del libro se presenta en dos grandes periodos, una primera etapa desde los comienzos de la historia hasta mediados del siglo xx, un largo tiempo que se traduce en el lento despertar de la conciencia valorativa de los Bienes heredados. La segunda etapa, que se ocupa de la vision del Patrimonio desde la segunda mitad del siglo pasado hasta nuestros dias, se caracteriza por el amplio abanico de Bienes y con ellos los problemas derivados de su preservacion.

Desde el colapso en los tempranos años ochenta del régimen de acumulación fordista, es imposible no advertir una amplia transformación en la estructura social, física y demográfica de muchas metrópolis occidentales. La especulacion inmobiliaria, la tercerizacion de la produccion industrial y los monopolios de los sectores financiero y tecnologico dejaron como huella ruina y abandono y la conversion de barrios de clase trabajadora y centros industriales en talleres de artistas y areas de consumo. Mientras todos estos procesos convergen en atractivas formas para producir una apariencia de prosperidad economica, la precarizacion del trabajo y el desempleo cronico son datos subyacentes pero inequivocos del paisaje urbano contemporaneo.En este conjunto de ensayos, la artista y critica Martha Rosler analiza el rol de las artes visuales como activo estrategico instrumentalizado por los gobiernos municipales para la creacion de valor inmobiliario y la invencion de nuevos patrones de consumo basados en la comodificacion de la cultura. Ciclovias, cervecerias artesanales, la promocion de barrios "emergentes", la proliferacion de festivales patrocinados por bancos y fundaciones, el auge de las bienales como estrategia para insertar a una ciudad en el circuito internacional del arte y la construccion de centros culturales resplandecientes son algunas de las figuras recurrentes con las que los planificadores urbanos construyen un "marketing del estilo de vida" y diseñan una ideologia de la creatividad al servicio de la gentrificacion capitalista. Con un repertorio de referencias variadas, que incluye desde el trabajo teorico de los gurues del management urbano hasta la diseccion situacionista del rol de la cultura visual en el capitalismo y la teoria del trabajo inmaterial del postoperaismo italiano, estos textos proveen la materia prima fundamental para comprender las nuevas formas que adopta la lucha de clases en la ciudad postindustrial, y para poner en cuestion las complicidades de la comunidad artistica con los nuevos regimenes de consumo.

El término Renacimiento tiene una larga trayectoria en la historia de la cultura. El punto de partida es la caracterización que el propio pensamiento del Renacimiento produjo de una parte de la cult