eBooks de Pintores y escultores, página 2 de 9

En este libro, Miquel Barceló nos habla por primera vez "de la vida mía" a través de sus carnés, su pintura, sus dibujos y una larga serie de textos sobre su infancia, sus padres, su Mallorca natal, su relacion con el mar, con los animales, con la creacion: "Pintar, nadar, leer. Hago eso desde que tengo memoria". Aqui estan sus amigos y sus referentes humanos, literarios y artisticos. La fascinacion por Africa y por el arte prehistorico. Sus distintos talleres y formas de trabajar en Mallorca, en Paris, en Mali. Su relacion con la pintura, la escultura, la ceramica. Su reflexion sobre los trabajos monumentales en la Catedral de Mallorca, en la sede de la ONU en Ginebra, en la Biblioteca Nacional de Francia en Paris.

250 años de historia alemana y europea a través de la pintura de Caspar David Friedrich«Sencillamente fantástico.» Ferdinand von SchirachUn hombre, de espaldas, ahoga su mirada en un mar de niebla de

La belleza del arte es necesaria para la felicidad.En la vida cotidiana las artes dan esa dimensión extra a la vida que la convierte en una gran aventura.El arte y el diseño en edificios, urbanismo, jardines y parques, carreteras, puentes: todo lo que utilizamos a diario contribuye a una vida feliz y plena.Los edificios antiesteticos, el diseño descuidado, la mano de obra de mala calidad, la basura y las destrucciones contribuyen a una vida miserable.¿Por que querrias una vida miserable? ¿Por que querrias imponer una vida miserable a los demas?Hokusai no solo fue un gran artista, sino que tambien hizo posible que la gente comun pudiera permitirse el lujo de comprar sus impresiones gracias a su precio asequible.Transmitio la belleza de la majestuosidad del Monte Fujijama.Traslado la belleza del paisaje comunicando a la gente que mirara a su alrededor, observara y disfrutara de la belleza del paisaje.Quiso reflejar la belleza de una buena vida humana: la artesania en la fabricacion de la madera, la construccion del barco, la pesca, el cultivo del te, el disfrute del te admirando el paisaje.Las treinta y seis vistas del Monte Fuji son grabados religiosos. Pero a diferencia del tipico motivo religioso cristiano, los humanos no se muestran enfocados en la deidad todo el tiempo, ni siquiera cuando se muestra el Monte Fuji teniendo una influencia penetrante en sus vidas.La admiracion y la adoracion por el Monte Fuji aparecen, a menudo, como incidentales. Un solo viajero del grupo echa un vistazo a la majestuosa montaña mientras los demas estan ocupados con muchas otras tareas. En otras palabras, una interpretacion muy realista de como lo divino participa en la vida cotidiana

Las dos treinta y seis vistas de la serie del Monte Fuji de Utagawa Hiroshige, 1852 y 1858, son a la vez un acto de copia y, en sí mismas, esfuerzos artísticos innovadores.Katsushika Hokusai publicó su famosa serie Treinta y seis vistas del monte Fuji en 1830-1832 e influyo enormemente en Hiroshige para hacer su propia serie Treinta y seis vistas del monte Fuji serie 1852 y 1858, que tratamos aqui.Hiroshige cambio al formato de retrato vertical con resultados novedosos e interesantes. Tiene el mismo formato vertical para paisajes que Hiroshige uso en su innovadora serie Cien famosas vistas de Edo, creada con Eisen en 1835-1842.Es posible viajar para ver los mismos sitios hoy y disfrutar de las vistas del Monte Fuji, que todavia son muy importantes para los japoneses.

Un volumen colectivo que profundiza en la figura de Ocaña, uno de los artistas más admirados, libres y transgresores de los años de la Transición.¿Qué tiene la figura de José Pérez Ocaña que, cuarenta años despues de su muerte, sigue despertando admiracion? Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es un volumen colectivo coordinado por Carlos Barea que trata de responder a esta pregunta a traves de una mirada multidisciplinar a la vida y la obra de uno de los artistas mas destacados de la contracultura catalana de finales de los años setenta y principios de los ochenta.Con la intencion de arrojar algo de luz sobre un personaje del que mucho se ha dicho pero poco se ha escrito, el libro reune a un gran plantel de autoras y autores que se han encargado de investigar su trabajo y todo aquello que rodeo su figura: desde su sexilio casi forzado a su obsesion por el imaginario religioso en sus pinturas o performances, pasando por un analisis del contexto artistico-cultural en el que se desenvolvio.Ademas de textos de personas tan cercanas a Ocaña como el director de cine Ventura Pons, su amigo intimo Nazario o una entrevista a su hermano mellizo, se incluyen dos documentos ineditos: un relato biografico firmado por el propio artista y una carta de su puño y letra que escribio a Felipe de Paco. Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es, en definitiva, un libro que pretende desentrañar el misterio de un artista absolutamente libre que se marcho vestido de sol y cuyo resplandor ha llegado hasta nuestros dias.

Una aproximación a Dalí y a su pintura más icónica y enigmática, El Cristo, con motivo de la primera exposición dedicada a la obra.Con motivo de la exposición monográfica de la obra El Cristo de Dalí que acogera el Museu Dali de Figueres de noviembre de 2023 a abril de 2024, Planeta publica un apasionante ensayo que nos descubre una de las obras mas enigmaticas del pintor.Mediante una ficcion en forma de correspondencia epistolar con el pintor, Javier Sierra nos sumerge en la esencia de esta obra y su proceso de creacion a traves de un perturbador interrogante: ¿Por que, Dali?A continuacion, Antonio Lopez, en dialogo con Montse Aguer, profundiza sobre la figura de Salvador Dali y nos invita adentrarnos en la mente, el cerebro y el proceso de creacion de uno de los artistas mas complejos de los ultimos tiempos. La parte mas tecnica corre a cargo de varios miembros del centro de documentacion de la Fundacion Gala-Salvador Dali.

El retrato del «matrimonio Arnolfini», que Jan van Eyck pintó en 1434, es uno de los cuadros más fascinantes de la historia del arte: admirado a lo largo de los siglos, objeto de innumerables estudio

*Premio a la Edición 2022, categoría Libro de Ficción para jóvenes y adultos, Cámara Chilena del Libro.Difícil escribir, más aún cuando no creo en la palabra como traducción de cualquier obra: lo que me anima a realizar estas aproximaciones es la fascinacion que me produce la obra Cuervo, de Ricardo Fuentealba Rivera. Atrapado en una serie de imagenes visuales y textos, me deslice en esa suerte de eterno presente en que se desarrolla su discurso. Definitivamente, no lo veo como una historia con sus desarrollos lineales, sino, a lo que mas me aproxima, es a la poesia visual, algo que, sin dejarse encasillar en ningun territorio, se desplaza a partir de su propio impetu. En cada imagen, sea texto o dibujo, se contiene todo este transcurrir. Y van cayendo las imagenes en esa eterna noche, en el negro que rompe toda nocion de tiempo. Para este cuervo la idea de presente no sirve, no pasamos de un estado de animo a otro; mas bien, vemos desfilar, simultaneamente, todos nuestros fantasmas, todos nuestros angeles, todo el horror y el esplendor de eso que llamamos vida. Nuestros pies de algodon tambien permiten desplazarse con delicadeza por estos dibujos y textos que no se ilustran mutuamente: se tensionan. El gran fantasma de Leonora es la idea que sostiene todo sentido, ese fantastico simulacro que a veces tejemos con habilidad y le decimos amor. Nunca lo que transcurre entre estas imagenes es el tiempo, todo queda resonando, circularmente, alrededor de nosotros, mientras que con un gesto heredado de la performance cosemos nuestros labios, la procesion va por dentro. Los sentidos se despliegan en diferentes direcciones, cada vez que la reviso aparecen nuevos transitos que yo no habia atendido. Es ese el trasfondo infinito de las obras que me entusiasman y que, en este caso, lo confirmo nuevamente. Son las obras que releo, sin duda, con frecuencia, porque estan lejos del acierto o fracaso; de lo bueno o malo; estan mas alla de las relaciones binarias. Solo se puede dialogar con esta obra para que vayan apareciendo toda suerte de imagenes. Espacio traslucido en permanente cambio, donde cada uno se desplaza a su antojo: es obra y espectador a la vez. Esto no es solo una economia de medios; es, definitivamente, manso derroche. Esta coleccion de fragmentos estalla frente a nuestras propias narices solo para devolvernos aire fresco. Yo solo he tratado de reconstruir de otra manera el impacto que me causo esta obra, no me puedo meter en la cancha de los especialistas, no lo soy y me encanta no serlo.

Las mujeres detrás de Picasso pone el foco en las protagonistas tanto de la vida como de la obra del célebre pintor. Olga Khokhlova, Dora Maar, Françoise Gilot o Jacqueline Roque son solo algunos de los nombres que inspiraron al malagueño, le ayudaron a promocionar su obra y le cuidaron en todas las etapas de su vida. ¿Cuanto sabemos de el y cuanto de ellas? Mujeres de talento desbordante, todas tuvieron que superar innumerables obstaculos y enfrentarse a las violencias que sobre ellas vertieron tanto el artista y el entorno en el que les toco vivir como, mas tarde, la historiografia y sus sesgos de genero. Este libro nos acerca a las biografias de quienes hicieron que Pablo se convirtiera en Picasso y de quienes existieron no gracias al pintor, sino a pesar de el. Eugenia Tenenbaum, historiadora del arte y experta en perspectiva de genero, traza los perfiles de cada una de las protagonistas. A traves de diversos generos y recursos literarios, reconstruye fragmentos de las vidas de estas mujeres fascinantes para devolverlas al lugar en el que siempre deberian haber estado.Tanto la portada como las ilustraciones interiores corren a cargo de nueve artistas de gran relevancia: Naranjalidad,Maria Hesse, Laura Agusti, Esther Gili, Lady Desidia, Maria Herreros, Ana Santos, Isa Muguruza y Sara Herranz. Las mujeres detras de Picasso es una obra para cuestionar la historia, descubrir y comprender mejor algunos capitulos esenciales de nuestro pasado mas reciente y acercarnos al arte de una manera inclusiva y justa, que entienda la creacion artistica como un esfuerzo colectivo en lugar de como un trabajo individual.

«Una biografía épica. Un libro para disfrutar, ameno y plagado de detalles. Fascinante».Kirkus ReviewsBasada en años de investigación y entrevistas con decenas de amigos, amantes y detractores de War

2023: AÑO SOROLLAUna biografía única. Una mirada audaz sobre uno de los más grandes pintores españoles y su tiempo«Quien busque una biografía de Sorolla y de su época encontrará en este libro una nov

Una retrospectiva inédita de los grabados más bellos y los cuadros más destacados de Gustave Doré, elegidos entre su obra, constituida por más de 10 000 ilustraciones. Gustave Doré es un artista completo: dibujante, grabador, pintor y escultor. Su genio en la ilustracion literaria le valio haber pasado al inconsciente colectivo, haber influido en el cine, la animacion, el comic y la publicidad. Uno de los dibujantes con mayor talento, y de los mas prolificos del siglo xix, Dore abarco todos los temas: desde la caricatura de los hombres de su epoca hasta el reportaje de guerra, pasando por la fabula, la poesia, la novela y tambien la alegoria y el paisaje. La seleccion de las obras que se reproducen y comentan se basa en un conjunto de criterios cronologicos, tematicos y esteticos. Dore realizo caricaturas comicas e imagenes serias, visiones epicas y vistas contemplativas, observando la realidad y comportandose de manera virtuosa en la fantasia. Los encuentros tematicos, estilisticos y formales hacen surgir con fuerza la personalidad artistica de Gustave Dore. Ademas de su virtuosismo, su gusto trasluce otro tanto. Sus temas predilectos son variados: le gustan las noches estrelladas, los bosques de altos pinos negros, los paisajes escarpados, los combates de espada, los castillos magicos, las criaturas voladoras, los monstruos marinos... En otras palabras, a Dore le gusta soñar y hacer soñar. Cultiva lo maravilloso.

Es la pintora mexicana y latinoamericana más importante de todos los tiempos, por el tratamiento original de su obra. Ella construye de manera tal su visión del arte, involucrada en su propia vida, simbolizados en diversas miradas como en un espejo, en medio centenar de autorretratos y dibujos. En estos expresa a profundidad la problematica femenina, sin precedentes en la historia del arte universal. Plasma en su obra, a partir de su decision de hacerse artista y de su fortaleza de caracter, la condicion humana y su propia condicion de mujer.

Caminando entre varias tribus nativas americanas y estudiándolas en el siglo XIX, el autor observó que muchos de los ancianos poseían un aspecto sereno y bien conservado. Los miembros jóvenes parecían especialmente sanos, con una resistencia innata a ciertas enfermedades y afecciones congenitas. Al ver a los miembros de la tribu durmiendo, observo que todos lo hacian con la boca cerrada.Catlin reflexiono sobre si este habito contribuia al vigor fisico del pueblo, e investigo mas a fondo. Tras aventurarse en los pueblos del Medio Oeste, atestigua que muchas personas que habian practicado la respiracion bucal durante toda su vida parecian terribles, y se opusieron profundamente a su practica. Este libro detalla como se puede animar a los niños y a los jovenes a no respirar por la boca, y señala lo diferente que parece el semblante facial entre las personas que respiran por la boca y las que lo hacen por la nariz.Hoy en dia, la nocion de que la respiracion bucal favorece la fealdad o la decrepitud fisica se rechaza por completo como una idea excentrica sin fundamento. Sin embargo, los investigadores del sueño han demostrado que respirar con la boca abierta mientras se duerme puede provocar mas ronquidos y, por tanto, una menor calidad del sueño y, por ende, de la salud. En general, se puede aventurar que las ideas de Catlin tienen cierto merito, aunque su libro sea una exageracion.Aunque hoy se le conoce principalmente como pintor y viajero que se convirtio en una especie de emisario de las tribus de las llanuras, George Catlin tambien fue un escritor entusiasta aunque ocasional. Admiraba a los pueblos nativos americanos por sus tradiciones y su aspecto distintivo, y se dedico a pintarlos; su marcado talento hizo que respetaran sus dones, y lo acogieron debidamente con amistad.

"Entre 1807 y 1867, un sastre boloñés realizó más viajes, recorrió más continentes y países, y llevó el arte lírico italiano a más rincones de América que cualquier otro empresario de ópera en la historia de la humanidad. Aun asi, cuando fallecio a mediados del siglo XIX, nadie registro el suceso y el nombre de Luigi Bazzani cayo en un largo olvido.La investigacion sobre la vida y obra de Bazzani implico recorrer los archivos y bibliotecas de diez paises, y su fruto es la primera historia comparativa de la opera en America, asi como la primera historia del continente que rescata la perspectiva de los artistas italianos que trajeron sus oficios y contribuyeron a la construccion de la identidad y la nacion en nuestros paises.Con un enfoque interdisciplinario, y reuniendo fuentes primarias ineditas, esta extraña joya biografica se constituye como un importante aporte a campos tan diversos como los estudios culturales, los estudios latinoamericanos, los estudios de migracion y, desde luego, la musicologia."

"Entre 1807 y 1867, un sastre boloñés realizó más viajes, recorrió más continentes y países, y llevó el arte lírico italiano a más rincones de América que cualquier otro empresario de ópera en la historia de la humanidad. Aun asi, cuando fallecio a mediados del siglo XIX, nadie registro el suceso y el nombre de Luigi Bazzani cayo en un largo olvido.La investigacion sobre la vida y obra de Bazzani implico recorrer los archivos y bibliotecas de diez paises, y su fruto es la primera historia comparativa de la opera en America, asi como la primera historia del continente que rescata la perspectiva de los artistas italianos que trajeron sus oficios y contribuyeron a la construccion de la identidad y la nacion en nuestros paises.Con un enfoque interdisciplinario, y reuniendo fuentes primarias ineditas, esta extraña joya biografica se constituye como un importante aporte a campos tan diversos como los estudios culturales, los estudios latinoamericanos, los estudios de migracion y, desde luego, la musicologia."

La autobiorafía de Yayoi KusamaLa red infinita retrata, en primera persona, a una mente artística única, atormentada por miedos y obsesiones, pero decidida a alcanzar y mantener su posición al frente de la vanguardia artistica mundial. Pintora inconformista, Kusama canaliza sus neurosis obsesivas en un arte que trasciende las barreras culturales.Una vez llegada desde Japon a Nueva York, vive los primeros tiempos en la pobreza, pero pronto se convierte en la reina de la escena artistica contracultural, y llega a codearse con artistas como Georgia OKeeffe o Andy Warhol.Kusama brinda un relato conmovedor de su infancia y la primera aparicion de las visiones obsesivas que la han perseguido durante toda su vida. Al regresar a Japon a principios de la decada de 1970, la artista ingresa voluntariamente en un hospital psiquiatrico de Tokio, donde sigue residiendo, y desde donde surge, con un vigor aparentemente inagotable, el flujo interminable de obras de arte que la han convertido en una autentica leyenda. El resultado es un relato fascinante que se extiende durante setenta años de vida.Al mirar atras, veo que he recorrido un largo camino para llegar hasta aqui. Mi batalla constante con el arte comenzo cuando aun era una niña, pero mi suerte quedo echada en el momento en que tome la decision de marcharme de Japon y partir rumbo a Estados Unidos.Yayoi Kusama

Esta antología reúne algunas de las páginas más deslumbrantes y hermosas que ha escrito el pintor Ramón Gaya a lo largo de su dilatada vida con el propósito de dilucidar el misterio de la creación artistica. Son la obra de uno de los escritores mas originales que ha dado el siglo xx español. Colaboro desde muy joven en revistas como Prosa y Verso y Hora de España, en periodicos como el diario La Verdad o en prestigiosas revistas extranjeras en su epoca del exilio. Entre sus escritos destacan especialmente los trabajos y estudios sobre pintura.El escritor e investigador Andres Trapiello prologo este volumen de la Coleccion Obra Fundamental y selecciono las obras que lo integran. Se trata de ensayos, poemas, cuadernos de viaje, cartas, criticas o fragmentos de su diario que demuestran la solidez narrativa y la profundidad de pensamiento de este polifacetico artista.

Cuadros de viaje presenta una selección de escritos que recrean los viajes de los artistas plásticos argentinos a Europa y Estados Unidos entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, cuando todavía era preciso viajar para ver con los propios ojos los cuadros mas importantes de la historia o las ultimas novedades. De esa experiencia dan cuenta cronicas, cartas personales y memorias de los propios artistas, asi como articulos periodisticos, criticas de arte y entrevistas firmadas por figuras a veces tan prestigiosas como Ruben Dario o Leopoldo Lugones. Un artista moderno como Sivori en Paris o una transgresora como Lola Mora en Roma hacen del viaje un verdadero camino de iniciacion en el arte. Lo mismo se advierte en las observaciones de Fernando Fader sobre Alemania o en las agudas cronicas periodisticas de Eduardo Schiaffino sobre Estados Unidos. Debido a eso, muchos de estos escritos combinan la descripcion de museos y talleres, el retrato de costumbres y las escenas de la vida en la bohemia, incluso cuando tratan de viajes tan diferentes como el de Malharro o el de Mendilaharzu. Por eso tambien, expresan la tension entre los deseos y las desilusiones de los jovenes artistas, segun se observa en los testimonios de Yrurtia o de Pagano. Ademas, las reseñas de algunos trabajos presentados en el exterior, como los de Pio Collivadino o De la Carcova, plantean interrogantes sobre el arte nacional y su relacion con las metropolis que no han perdido actualidad. En Cuadros de viaje, Laura Malosetti Costa ha reunido textos dispersos en publicaciones periodicas, en archivos personales o en libros de escasa circulacion, que acompaña con imagenes alusivas. A traves de ellos, es posible reconstruir, como lo hicieron los lectores contemporaneos, la mirada que los artistas argentinos posaron sobre el mundo, cuando ellos y sus obras, como destaca Malosetti en el prologo, se transformaron en una ocasion para opinar y educar el gusto artistico de un publico nuevo en esas cuestiones, orientandolo hacia una concepcion a la vez moderna y nacional del arte.

Adéntrate en la vida del divino Miguel Ángel a través de las claves arcanas y los insondables misterios que surcan los pliegues de La Pietà, en la turbadora mirada de Moisés, en la perfecta mano del