Pablo Pérez Rubio

Todavía reciente como periodo histórico, y permanentemente evocada por diversas instancias académicas, periodísticas y políticas, la Transición (1973-1982) es, también, uno de los más fértiles y apasionantes segmentos temporales de la historia del cine español. No solo porque el peculiar contexto socio-politico va a hacer posible una multiplicidad de propuestas esteticas, ideologicas y narrativo-dramaticas, permitiendo la convivencia (a veces traumatica) de diferentes modelos filmicos y conformando un ingente corpus de enorme complejidad, sino porque algunos de esos modelos se convertiran en autenticos paradigmas de la convulsion social que agito el pais en aquellos determinantes años y que se manifesto en las artes tanto en el plano de la teoria como en el de la praxis.

Pablo Pérez Rubio (Zaragoza, 1964) es licenciado en Filología Hispánica. Actualmente es profesor de Lengua y Literatura. Ha ejercido la crítica cinematográfica y colabora en diversas publicaciones especializadas y culturales como Turia o Dirigido por. Es autor de los libros: Bailando con lobos; Escrito sobre el viento, La ventana indiscreta; Thelma y Louise, El cine melodramático y Voces en la niebla: el cine durante la transición española (1973-1982), éste último junto a Javier Hernández. Es también autor de varias monografías sobre asuntos relacionados con el cine aragonés, en colaboración con Javier Hernández: Antonio Maenza, Antonio Artero, Adolfo Aznar, Antón García Abril, José Luis Pomarón o la productora Moncayo Films. Ha participado también en obras colectivas, entre ellas: Historia del cortometraje español, Antología crítica del cine español, Diccionario del cine, La nueva memoria, Historia(s) del cine Español (1939-2000) o Los últimos días del paraíso. Cine, naturaleza y medio ambiente.La colección de textos Guías para ver y analizar cine es un proyecto pedagógico de las editoriales Nau Llibres y Octaedro, cuya finalidad es ofrecer unos análisis monográficos, rigurosos y exhaustivos, de películas fundamentales de la historia del cine. El lenguaje claro y didáctico de estas guías permite su adaptación a los diferentes niveles educativos, desde la Enseñanza Secundaria y los Bachilleratos hasta los Ciclos Formativos de Comunicación, Imagen y Sonido y los estudios de Licenciatura de Comunicación Audiovisual, Publicidad, Periodismo, Bellas Artes, Historia del Arte y Filología, así como una fácil comprensión de los textos fílmicos analizados para los amantes del cine en general.

Todavía reciente como periodo histórico, y permanentemente evocada por diversas instancias académicas, periodísticas y políticas, la Transición (1973-1982) es, también, uno de los más fértiles y apasionantes segmentos temporales de la historia del cine español. No sólo porque el peculiar contexto sociopolítico va a hacer posible –y aun necesaria– la multiplicidad de propuestas estéticas, ideológicas y narrativo-dramáticas, permitiendo la convivencia --a veces traumática-- de diferentes modelos fílmicos y conformando un ingente corpus de enorme complejidad, sino porque algunos de esos modelos van a convertirse en auténticos paradigmas de la convulsión social que agitó el país en aquellos determinantes años y que se manifestó en las artes tanto en el plano de la teoría como de la praxis. Piénsese, por ejemplo, en el cine documental o testimonial, en el metafórico-alegórico, o en la ideologización de los géneros populares, principalmente la comedia. Este libro apuesta por la búsqueda de las vías de entrada que permiten la organización teórica del extenso mapa –caótico, pero de un caos coherente y pertinente– que constituye el cine del periodo, centrándose en el análisis sistemático de unos textos fílmicos que, en su mayoría, presentan una gran riqueza semántica.

El melodrama es uno de los géneros más interesantes y menos estudiados de la expresión fílmica.Pese a ser, cuantitativamente -y junto a la comedia-, el más amplio y variado de los géneros cinematográficos, el melodrama sigue siendo el que disfruta de un menor prestigio entre el público, e incluso entre muchos estudiosos. La dificultad de definirlo, de acotar sus límites y variantes, así como su vinculación con las formas más degradadas de la literatura y los espectáculos populares, han contribuido a que melodrama sea el término con que se designa de manera perezosa a muchos filmes pertenecientes a un modelo fílmico difuso y lleno de zonas opacas, por lo que su sentido ha terminado por diluirse y vaciarse. Sin embargo, lo melodramático se presenta como uno de los sistemas más interesantes y poco estudiados -sobre todo en el ámbito de expresión castellana- de la expresión fílmica; rara es la película que no esté impregnada de su emocionante iconografía, de su hiperbólica dramaturgia, de sus estructuras narrativas o de su densa puesta en forma. El cine, desde sus orígenes, ha elegido el melodrama como el vehículo más apropiado para hablar del deseo, la infelicidad, el dolor, el sacrificio y la melancolía. Representación de los sentimientos, género de géneros, el melodrama aparece así como un apasionante campo de estudio no sólo sobre la propia naturaleza del cine, sino sobre la complejidad del alma humana.

Pese a proporcionar a la historia del cine no pocas obras sobresalientes, el melodrama sigue siendo un género considerado menor por especialistas y público cinéfilo. A ello han contribuido varios factores: sus origenes literarios degradados; su antigua condicion de cine para mujeres; su multiplicidad de variantes, enfoques y perspectivas; la habitual contaminacion con otros generos Todo ello ha hecho del melodrama un modelo narrativo difuso, escurridizo y lleno de sombras. Sin embargo, lo melodramatico es crucial para entender la evolucion de la cultura del siglo XX y la vida cotidiana del ser humano contemporaneo: emocionante iconografia, hiperbolica dramaturgia, densas estructuras narrativas y sugerente puesta en forma.El melodrama se ha convertido en el vehiculo mas apropiado para que el cine hable de dolor, infelicidad, sacrificio y melancolia. De ahi que estudiar los mejores melodramas de la historia sirva como apasionante ejercicio de analisis de la propia naturaleza del cine y de la complejidad del alma humana.

Un análisis monográfico, riguroso y exhaustivo de la película "El profesor chiflado" de Jerry Lewis (1963).

Memento mori. En los momentos victoriosos, años se recordaba al militar romano su finitud. Sentimos a diario los avisos de la muerte y del (paso del) tiempo sobre ellos se edifica buena parte de la actividad artistica, filosofica y narrativa del ser humano a la largo de la Historia. El propio transcurso del tiempo es capaz de provocar tristeza, pero la memoria es el proceso mental que activa el dolor, ese sufrimiento provoncado por la dificultad para olvidar y borrar, y que convierte a muchos personajes cinematograficos en seres anclados en el pasado, con el que se torturan morbosamente, incapaces de vivir en el presente o entrever un futuro esperanzador.

Figura imprescindible del «entertainment» estadounidense del siglo xx, Jerry Lewis (1926) ha trabajado en Hollywood como actor, guionista, director y productor. Además, de forma paralela ha sido cant