Libros de Historia del cine, página 3 de 225

Concebido a la sombra de la aspiración a "prácticas" de ruptura que desde 1970 animaba a cineastas-teóricos como Godard y Straub, "El tragaluz del infinito" pretende ser, ante todo, la crítica de los discursos teoricos e historicos que tendian a naturalizar el sistema de representacion "hollywoodiense".Eligiendo el periodo del cine primitivo, Noel Burch se enfrenta explicitamente a los lugares comunes que en torno a la genealogia del lenguaje cinematografico se han venido repitiendo incansablemente.La aportacion de Burch a una historia de las escrituras filmicas, capaz de integrar junto a los vitales analisis textuales la imprescindible inscripcion de estos textos en el contradictorio flujo de la historia, es una de las mas relevantes de las realizadas en los ultimos años.

Las esperadísimas memorias del gran cineasta alemán Werner Herzog, uno de los últimos grandes aventureros de nuestro tiempo. Las historias de Herzog llegan a los límites de la experiencia humana: tr

La diferencia entre Tarantino y yo –dijo Jean-Luc Godard– es que el cine vive en mí, mientras que él vive en el cine”. Gerardo Sánchez (Madrid, 1960), que los menciona a ambos en el primer párrafo de

Estas En varias charlas, tan distendidas como profesionales, con algunos de los directores más importantes del cine norteamericano, Peter Bogdanovich hace un repaso de la historia del cine desde sus mas precarios comienzos hasta la era de los cineastas qu

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Los sesenta, situados en una extraña posición entre los rígidos años cincuenta y los liberales setenta, supusieron una década de transición en la industria del cine. Mientras el arte, el consumo de masas y la cultura popular se unian y creaban un verdadero estilo de arte pop, el cine rebosaba energia psicodelica. Este libro es una guia que recopila las mejores peliculas de la epoca y explora el proceso de creacion y la maestria de grandes exitos como El gatopardo, Los pajaros, Bella de dia, Por un puñado de dolares y Doctor Zhivago. Con la audiencia cada vez mas pendiente del televisor y la relajacion de las normas sobre lo que era admisible en el cine, los cineastas aprovecharon esa libertad para explorar sus posibilidades como forma de arte. Como solia suceder, los europeos abrieron el camino: los franceses con directores de la Nouvelle Vague como Godard y Truffaut, y los italianos con peliculas innovadoras como 8 1/2 de Fellini y El eclipse, de Antonioni. A mediados de los sesenta, Estados Unidos tambien empezo a tomarse mas libertades creativas, sobre todo en peliculas de jovenes directores underground como Russ Meyer, John Frankenheimer y Sam Peckinpah. Entretanto, Mary Poppins y Sonrisas y lagrimas pusieron el broche de oro a la grandiosa era de los musicales de Hollywood mientras los spaghetti western se convertian en un fenomeno al instante y Kubrick establecio un nuevo nivel de calidad para el cine de ciencia ficcion con 2001: una odisea del espacio. Aunque probablemente el termino feminismo aun no estuviese listo para asumir un papel estelar, esta decada tambien trajo consigo uno de los principales avances en la representacion femenina. Desde la Barbarella de Jane Fonda hasta Holly Golightly en Desayuno con diamantes o Bonnie Parker de Bonnie y Clyde, en la decada de 1960 las mujeres pasaron de ser accesorios decorativos a personajes complejos y poderosos.

Este libro recoge experiencias cinematográficas inauditas: actrices que con su desnudez revolvieron al Madrid de los años anteriores de la Guerra Civil; otras que con su defensa del voto femenino y del divorcio auguraban y eran imagen de tiempos de cambio; directores anarquistas al servicio de importantes productoras, y tantos otros que quedan retratados en este libro de audaz estilo, dilatado esfuerzo de documentacion y fina caracterizacion del pasado español. El tiempo de la desmesura cuenta tres grandes historias que, a su vez, son reflejo de tantas otras acaecidas en los años de preguerra. "Carne de fieras", "El genio alegre" y "Rojo y negro". Protagonizadas por bellas mujeres que encarnaban nuevos estilos y fueron portada e inspiracion de las revistas de la epoca, estos clasicos recuperados merecen incorporarse a la Historia. Juan Antonio Rios Carratala los ha descubierto para el gran publico y creado nuevamente para las mentes de la actualidad.

Entre 1951 y 1959, cierto cine es­pañol -habitado desde el periodo mudo por personajes populares, sainetescos y zarzueleros- afron­tará un proceso de crispación y distanciamiento de la mirada, un cam

Walt Disney, una de las mentes más creativas del siglo XX, creó un universo imaginario único e incomparable. Como muy pocos otros clásicos del cine, su asombrosa colección de dibujos animados revoluciono el modo de narrar historias en la gran pantalla y ha conseguido seducir a generaciones enteras de todos los lugares del mundo hasta el dia de hoy. Este volumen, una de las publicaciones ilustradas mas completas que se le han dedicado a Walt Disney, presenta cientos de imagenes asi como ensayos de reconocidos expertos sobre Disney y nos lleva al corazon del estudio durante la edad de oro de la animacion. Repasamos toda la trayectoria de Disney desde los tiempos del cine mudo, pasando por su primer largometraje, Blancanieves y los siete enanitos (1937) y Fantasia (1940), hasta sus ultimas obras maestras: Winnie the Pooh y el arbol de la miel (1966) y El libro de la selva (1967). Tras un exhaustivo trabajo de documentacion en el que se ha tenido acceso a las colecciones historicas de The Walt Disney Company, asi como a colecciones privadas, el editor Daniel Kothenschulte ha seleccionado algunas de las pinturas de concepto y guiones graficos mas destacados para mostrar como lograron cobrar vida estas obras maestras de la animacion. Con magistrales y minuciosas ilustraciones sobre celuloide sacadas de escenas de las peliculas mas famosas y imagenes poco conocidas tomadas por los fotografos de Disney, el libro ofrece informacion privilegiada sobre el proceso creativo que se vivia en el estudio.Se dedica un capitulo a cada una de las principales peliculas de dibujos animados que se hicieron durante la vida de Walt Disney, entre las que se incluyen Pinocho, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cenicienta, Peter Pan, La dama y el vagabundo y 101 Dalmatas, sin olvidar joyas menos populares como los cortos experimentales de la serie Silly Symphonies y peliculas musicales por segmentos subestimadas como Musica maestro y Tiempo de melodia. Conscientes de que el estilo Disney fue un proyecto colectivo que debio tanto al maestro como al trabajo en equipo, Los archivos de Walt Disney quiere mostrar su reconocimiento a los extraordinarios animadores y diseñadores que influyeron en el trabajo del estudio, como Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle y Walt Peregoy. Copyright 2020 Disney Enterprises, Inc.

Encabezado por directores como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol o Alain Resnais, entre otros, "La Nouvelle Vague" es uno de los movimientos cinematográficos más celebres de la historia del cine. Eslogan periodistico en el momento de su nacimiento, pero muy poco despues concepto critico basado tanto sobre un modo de produccion que hace virtud de la escasez de medios, como sobre unas determinadas elecciones tecnicas y estilisticas, este movimiento corto pero intenso alumbro una estetica que ilustran peliculas tan conocidas como Los cuatrocientos golpes, "Al final de la escapada", "Hiroshima mon amour" o "El bello Sergio". Michel Marie realiza en este volumen un completo recorrido por todos los aspectos relevantes de esta corriente, a la que no duda en otorgar la categoria de escuela cinematografica.

Edición revisada y ampliada, con referencia a títulos actualesComo indagación de la condición humana, luminoso espejo de las identidades, empeño de la soberbia estética, el cine comparte con la literatura lo que el hombre tiene de gran enigma pendiente. Murmullos que prolongan el ciclo narrativo de la cultura, el cine y la literatura han sabido encontrarse y expresar los poderosos simbolos del siglo XX. El esfuerzo de encuentro y adaptacion de unas formas de expresion completas y autonomas como son el cine y la literatura prosigue y da lugar a esmerados ejercicios de habilidad artistica. Las dificultades son de primer orden, pues son irreductibles los elementos de su lenguaje: la palabra en la novela, la imagen en el cine.La relacion entre cine y teatro es paradojica, por cuanto el cine actual es cada vez mas un cine de palabras y el teatro es cada vez menos un teatro de palabras. Se estudia tambien la tension creativa entre la obra literaria que intenta adaptarse y el guion y la pelicula que finalmente surge. El estudio, finalmente, se cierra con un apendice que da cuenta de la historia que cine y surrealismo han sabido construir.

El neorrealismo italiano constituye uno de los movimientos artísticos más influyentes y brillantes de la historia del cine. Este libro propone un recorrido alrededor de sus figuras más destacadas, sobre sus peliculas mas significativas, el cual se inicia en los años treinta, con los primeros signos de una nueva sensibilidad estetica en filmes como Tierra madre (Alessandro Blasetti, 1931) u Ossessione (Luchino Visconti, 1943), pasando por sus años de esplendor en la inmediata posguerra, cuando directores como Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Giuseppe De Santis o Alberto Lattuada, articularon una nueva mirada cinematografica sobre la realidad. El texto tambien explora en su languido ocaso, entre finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta, cuando el llamado miracolo economico transformo profundamente el paisaje social y cultural de Italia, y el cine evoluciono hacia otras formas expresivas, si bien el neorrealismo aun tuvo fuerzas para inspirar las primeras obras maestras de Michelangelo Antonioni, Pier Paolo Pasolini y Francesco Rosi. Nacido de las ruinas materiales y morales de la Segunda Guerra Mundial, el neorrealismo convirtio el cine en un espejo de la nacion, privilegiando escenarios reales, actores no profesionales y una etica de la verdad que trascendia lo puramente estilistico. Este estudio cultural, politico y filmico busca asi ofrecer una vision panoramica de esta sensibilidad aun presente hoy en nuestras pantallas, a traves de un minucioso estudio introductorio y la reseña de cincuenta titulos esenciales.

¿En qué momento dejamos de maravillarnos con los pequeños descubrimientos de cada día? Los niños y niñas poseen ese don: convertir lo común en extraordinario, lo simple en un juego y las diferencias en un motivo para unirse. Con esta nueva serie de comics infantiles llega la oportunidad de reencontrarnos con esa mirada y compartirla. Con el comic para primeros lectores Cabeza Cabaña y Cabeza Arbol, inauguramos una serie protagonizada por unos singulares personajes creados por Scott Campbell autor de La maquina de los abrazos.mato comic, pensadas para niños y niñas de 6 a 9 años, repletas de saludos imposibles, tesoros sin mapa y escondites disparatados. Relatos unicos que nos recuerdan que la amistad es uno de los tesoros mas valiosos de la infancia.energia de un comic que se rie de lo cotidiano y lo convierte en aventura, este primer volumen abre las puertas a un universo tan absurdo como entrañable, habitado por personajes inolvidables: como Cabeza Volcan, Cabeza Automovil o Cabeza Papelera. reir, imaginar y comprender que ninguna cabeza se parece a otra y en eso esta la magia.

Los setenta, esa época mágica entre los marchosos sesenta y los decadentes ochenta. La época del chándal y el peinado afro, la era de la música disco y los zapatos de plataforma. Mientras el conflicto belico se recrudecia en Vietnam y la Guerra Fria continuaba intensificandose, Hollywood empezo a calentar motores de nuevo y a recuperarse de su crisis comercial con exitos de taquilla como La guerra de las galaxias, Tiburon, El exorcista y El padrino. Gracias a directores como Spielberg y Lucas, el cine estadounidense dio vida a un nuevo fenomeno: el taquillazo. Entretanto, al otro lado del Atlantico, la nouvelle vague desaparecia en Francia al tiempo que su influencia se extendia hasta Alemania, donde el nuevo cine aleman de Fassbinder, Wenders y Herzog vivia su apogeo. La revolucion sexual llego a la gran pantalla (con cautela en los Estados Unidos, mas libremente en Europa) con la erotica y escandalosa pelicula de Bertolucci El ultimo tango en Paris como ejemplo mas notable. Al mismo tiempo surgio una oleada de peliculas nostalgicas (El golpe, La ultima pelicula), se estrenaron largometrajes que retrataban la situacion en Vietnam (Apocalypse Now, El cazador), nacio la figura del antiheroe (Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman) y aparecio el prestigioso y efimero genero de blaxploitation (peliculas de accion dirigidas a la poblacion negra).

Si alguna vez le ha fascinado una película, un director o una buena fotografía, este libro es el indicado. Descubra los géneros y los movimientos cinematográficos más destacados. Las películas constituyen una guia accesible e inspiradora sobre la historia del cine, que se completa con unos fascinantes analisis sobre las grandes obras maestras, ilustradas con las fotografias mas representativas. Una obra de referencia para todos los amantes del cine que les permitira conocer el significado de las mas conocidas producciones. Este volumen consta de una concisa presentacion historica que permite ubicar el cine en el contexto de los cambios sociales y culturales de cada etapa de su desarrollo. Organizado cronologicamente, el libro traza la evolucion del cine, desde los mas tempranos espectaculos de los farolillos magicos, pasando por la era dorada de las salas cinematograficas, los autocines, los espectaculos al aire libre y los complejos multisalas. Profusamente ilustrado y con un texto claro y documentado, abarca cada uno de los generos cinematograficos,desde los primeros filmes mudos, el cine de propaganda, los noticiarios, los lujosos musicales, las grandes producciones de Hollywood y Bollywood, las peliculas de culto, los exitos de peliculas de bajo presupuesto o las comedias clasicas. Asimismo, el libro muestra una valoracion de las ideas y trabajos de guionistas, directores y autores clave.

El héroe del western América vista por sí misma presenta los modelos culturales, la historia y el concepto de identidad nacional de EEUU ocultos tras la apariencia ingenua del género del western. El multifacetico heroe del western es observado como el elemento central de una mitologia patriotica que reinterpreta la genesis y la historia del pais. Un heroe que encarna la imagen que el estadounidense quisiera tener de si mismo y de su papel en el mundo, imagen que a su vez ha ido evolucionando dentro del genero y en la vida misma. Acentuando estos cambios, el western ha llegado a aprovechar el deterioro fisico de sus principales estrellas (Cary Cooper, John Wayne, Burt Lancaster, Randolph Scott...) como simbolo de la decadencia de sus estereotipos heroicos.

Javier Marías plasma sus opiniones más personales, sus filias y fobias, en torno al séptimo arte. En las páginas de Donde todo ha sucedido. Al salir del cine, Javier Marías plasma sus opiniones más personales, sus filias y fobias, en torno al septimo arte. Se recuperan aqui los articulos que el autor escribio sobre cine entre 1992 y 2004 para revistas como Nosferatu o Nickel Odeon, ademas de las columnas que publico en El Pais o El Semanal. Siempre arrojando luz y juzgando con hondura, huyendo de la critica cinematografica mas dogmatica e inflexible, y sin renunciar jamas a la ironia de un estilo que lo ha encumbrado entre nuestros escritores mas afamados, Javier Marias ofrece nuevas visiones de clasicos del cine como Campanadas a medianoche, de Orson Welles, o El fantasma y la señora Muir, de Joseph L. Mankiewicz, una de sus peliculas favoritas. Un libro indispensable para quienes no renuncian a observar algunos aspectos de la vida desde un patio de butacas.Criticas:Javier no es propiamente lo que hoy se considera un "critico cinematografico", pero en cambio sabe muy bien que en el cine, como por lo demas en literatura, no es tan importante lo que se cuenta sino la manera de contarlo, de abordarlo y desarrollarlo.Miguel Marias

¿Constituye la música un lenguaje?. Si es así, ¿existe un lenguaje propio y único de la música cinematográfica? Durante más de un siglo, el cine y otros medios audiovisuales (la televisión, el vídeo o la multimedia) han ido desarrollando un lenguaje de comunicacion que paralelamente ha incluido el de la musica especifica aplicada a estos medios expresivos. Durante todo este tiempo la musica audiovisual ha elaborado un sistema de codigos propios en relacion con la imagen que dan un producto nuevo, fruto de esta interaccion multidisciplinar. En este trabajo, Alejandro Roman propone dotar de contenido y justificacion la presencia de este ya no tan nuevo lenguaje musical, al que ha denominado acertadamente "Lenguaje Musivisual", en una integracion total de los elementos sonoros con los especificamente visuales. El libro explora la semiotica y los aspectos de significacion de este lenguaje en relacion siempre a los elementos presentes en la imagen, para desarrollar mas tarde, a partir de este planteamiento semiotico, la existencia tambien de una estetica propia y original de la musica cinematografica que, con sus virtudes y defectos, ha de plantear siempre nuevos retos en la creacion de nuevas formas de expresion estetica abandonando los estereotipos en favor de una mayor originalidad musical, pero sin perder nunca la justificacion en la propia imagen. Para ello, el autor incluye multitud de graficos, cuadros sinopticos, imagenes, partituras y ejemplos que hacen mas atractivo y directo el acercamiento a este complejo y dificil tema. A traves del analisis de cuatro partituras de musica cinematografica ("Los Otros", de Alejandro Amenabar, "Vertigo", de Alfred Hitchcock, "Los Puentes de Madison", de Clint Eastwood, y "El Contrato del dibujante", de Peter Greenaway) se ejemplifican los aspectos tratados, acercando al compositor, estudioso y aficionado a la musica de ci

Estupenda muestra de la obra de los cartelistas de los primcipios del cine que mediante sus pinceles crearon una obra digna de verse independientemente de la película que anunciaba. Contiene reproducciones de gran calidad y a toda página.

Tercera edición. Studio Ghibli desde las entrañas. Su historia a través de sus dos míticos protagonistas: Miyazaki y Takahata. Toshio Suzuki se ha dedicado a Studio Ghibli durante unos treinta años, produciendo clasicos animados de renombre mundial. Al principio de su carrera conocio a los dos directores Hayao Miyazaki e Isao Takahata y se gano su confianza. Trabajando con estos dos directores inimitables, experimento las alegrias y las tristezas del cine, y hoy continua guiando al estudio. Basado en una naturaleza inquisitiva innata y los recursos acumulados de treinta años, Suzuki ha contado en este libro la historia no solo de Miyazaki y Takahata, sino tambien de las otras figuras que trabajan en Studio Ghibli o en conexion con el. Es una historia fascinante, contada con una perspicacia penetrante y un humor conmovedor. En esta segunda edicion. Manu Robles, rotulista de comics, diseñador grafico y ensayista; nos explica en su prologo la influencia que ha tenido Ghibli en el mundo del cine.