Libros de Historia del cine, página 49 de 221

Anuario cinematográfico que recoge todos los estrenos cinematográficos del primer semestre de 2008 con un comentario crítico serio e independiente, además de las secciones habituales de fechas, premios y libros. Ilustrado profusamente con fotografías en color de todos los films.

Mujeres valientes y aguerridas, capaces de valerse por sí mismas y de luchar para ocupar el lugar que históricamente siempre ha pertenecido a la figura masculina. Guerreras clásicas, indómitas e ilustres; llenas de furia o con ideas revolucionarias capaces de cambiar la sociedad. Siempre contra corriente, combatiendo en las guerras, en los parlamentos o en sus propios hogares, y con un unico fin: cambiar un mundo que las oprime, las vulgariza y las utiliza como meros juguetes sexuales. Documentado, a veces sarcastico e incluso reivindicativo, Amazonas. Guerreras en la pantalla describe la trasformacion de la figura de la mujer guerrera en los medios audiovisuales, desde Juana de Arco a las hermosas amazonas del siglo xxi. Un completo y ameno analisis que parte de la figura mitologica de las amazonas clasicas y describe, tomando como base el cine y la television, la transformacion no solo visual, sino sociologica, que ha hecho evolucionar a las guerreras de los filmes clasicos hasta convertirse en las sofisticadas amazonas futuristas de Resident evil o Underworld. "De una forma u otra, como sociedad nos excitan los retratos cinematograficos de mujeres poderosas, y sera fascinante observar el desarrollo de esta nueva estirpe de heroinas. Le invitamos a unirse a nosotros en esta exploracion y homenaje a las diversas y cautivadoras facetas de las amazonas cinematograficas modernas."

El propósito del libro es dar a conocer el trabajo y la trayectoria de auténticos profesionales del celuloide.

El estudio de la presencia germánica en Hollywood es patrimonio de la historia del cine. El cine americano no sería lo mismo sin el rostro de Peter Lorre o las piernas de Marlene Dietrich. Esta obra propone una mirada sobre este campo, que ha evolucionado desde hace una veintena de años, analizando diversos aspectos de la creación cinematográfica, desde la producción de prestigio hasta la serie B, desde la composición musical a la fotografía y desde la interpretación a la direccón, bajo el prisma del encuentro y la transmisión culturales.

Las interrelaciones entre el cine y el teatro no sólo no son perjudiciales, sino que resultan necesarias e inevitables. Con esta premisa, el presente libro analiza cómo el cine ha asimilado determinados usos teatrales por medio de la analogia. Asi, estudia la adquisicion de resultados y principios esteticos, expresivos y narrativos pertenecientes al medio escenico, a traves de nuevas soluciones originales y coherentes con las idiosincrasias del cinematografo. En primer lugar, se considera como en el Cine Primitivo (1895-1911) se aprecia una apuesta por la espectacularidad que fuerza a generar nuevos recursos cinematograficos para emular las soluciones escenicas existentes. Igualmente, se estudia en esta etapa la adopcion paulatina, a traves de tecnicas propias y ajenas, de algunos de los principios que gobernaban la direccion de la atencion del espectador sobre las tablas a finales del siglo XIX, tal y como demuestran las practicas desarrolladas por la compañia germana de los Meininger o el ingles Henry Irving, entre otros. En segundo lugar, se analiza la manera en la que el Cine Clasico de Hollywood (1917-1960), guiado por su intencion de conquistar al publico de masas, establecio sus principios a imagen y semejanza de aquellos que antes y durante su periodo de formulacion (1911-1917) triunfaban en los escenarios norteamericanos, gobernados por el modelo promovido por profesionales como David Belasco. De este modo, se constata la filiacion teatral tanto de su configuracion dramaturgica como del resto de sus procedimientos constructivos encaminados a orientar el interes del espectador, propiciar la claridad y continuidad de la exposicion, borrar las huellas de su propia ingerencia arbitraria y conseguir la identificacion emocional del publico.

La historia no oficial de los premios de la academia de HollyoodEn la última ceremonia del Oscar, emitir un anuncio de treinta segundos por la cadena ABC costaba un millón de dólares; más de mil millones de personas vieron en directo la entrega de premios; la gala reporto a la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood treinta millones de dolares, y la cadena televisiva obtuvo unos beneficios de veintitres millones de dolares. Ademas, todas las peliculas galardonadas con un Oscar elevan considerablemente su recaudacion de cara a taquilla. Asi, en los ultimos años, Bailando con Lobos (1990) antes de conseguir sus estatuillas habia ganado 186 millones de dolares, para despues elevarse hasta los 394. La lista de Schindler (1993) paso de los 110 millones de dolares pre-Oscar a los 305. Y Titanic (1997) recaudo 700 millones de dolares mas de lo que ya llevaba cuando fue galardonada con once premios de la Academia. Muchos han sido los detractores del premio, comenzando incluso con algunos galardonados como Marlon Brando que lo rechazo en 1972, pero esto se debe a ideales fuera de lugar, a simples enfados infantiles o a elevadas dosis de envidia. Tampoco faltan las criticas a sus alargadas ceremonias, a la hipocresia de sus premios o al descarado predominio de producciones de habla inglesa. Todo ello rebatible, puesto que las ceremonias suelen ser un imaginativo espectaculo colorista como solo saben hacer los americanos, los premios se otorgan en funcion de votaciones de los propios profesionales de la industria del cine y las peliculas extranjeras siempre han estado muy valoradas en Hollywood.

Esta selección de artículos no tiene por objeto analizar la confrontación directa entre el cine y la pintura tal como se manifiesta en los fims de ficción biográfica, en los documentales pedagógicos, o en los aún excepcionales "documentales-acontecimientos". Intentaremos poner al día aquí una relación menos evidente, más lábil y más secreta, entre el cine y la pintura. El cine compartiría ciertos problemas artísticos con la pintura, o incluso utilizaría para sus propios fines ciertos efectos que esta última ha tratado de otro modo. La naturaleza estática del cuadro, el carácteranimado de la imagen cinematográfica, no oponen necesariamente el cine a la pintura, a su vez, se relaciona con la imagen fija; y la pintura, a su vez, se relaciona con el movimiento. Tanto en pintura como en cine, el movimiento es múltiple. Así, el movimiento prescrito porlas pinturas de anamorfis, no tiene, al parecer, ninguna relación con los movimientos involuntarios, violentos, de los trazados del action-painting; y sin embargo la pintura-movimiento de un Bacon parece combinarlos. Asímismo, en el cine, ciertos movimientos del aparato transforman el pasiaje del film, el punto de vista del espectador sobre ese paisaje y las figuras que lo habitan; por ejemplo, en los films de Cassavetes, la cámara en mano acompaña un clima de crisis y comparte la histeria de los personajes, anulando así toda distancia y todo punto de vista global, en una distorsión generalizada.

The technique of stop-motion model animation - bringing models to life by filming them one frame at a time - was the most important way of creating cinematic monsters and fantasy creatures before the advent of computer-generated imagery. It is a technique that will forever be associated with names of Willis O'Brien, the creator of "King Kong", and Ray Harryhausen, whose films thrilled a generation of post-World War II movie-goers. But the first crude model animations were made in the 1890s and in the first two decades of the twentieth century pioneers producing short animated films before O'Brien created the first two animated features, "The Lost World" and "King Kong" in the dying days of silent film. Moreover, stop-motion model animation is still alive and flourishing, most notably in the work of directors Tim Burton and Aardman Animation's Nick Park, whose plasticine creations have starred in major hits such as Chicken Run and The Curse of the Were-rabbit.In this book, Ray Harryhausen and his co-author Tony Dalton trace the history of the genre to which Ray devoted the whole of his working life, from the almost accidental discovery that inanimate objects could be brought to life on the screen to movies such as Jurassic Park, which combined model animation with computer-based techniques to bring a new generation of prehistoric creatures to life.In doing so he gives his readers a fascinating insight into the patience and ingenuity of the animators, explains the development and refinement of the technology, especially that which enabled actors and animated models to interact on the same screen, and gives us tantalising glimpses of the many abandoned projects which litter the history of model animation.The book is lavishly illustrated with stills, many of them from forgotten movies and never before published in book form, sketches and storyboards for projects, explanatory diagrams, rare photographs of animators and artists at work and a host of memorabilia.This book completes the trilogy that began with "Ray Harryhausen: An Animated Life" and continued with "The Art of Ray Harryhausen". Tells the whole story of stop-motion model animation from the late nineteenth-century pioneers to the work of Tim Burton and Aardman Animation. It includes rare stills and many previously unpublished photographs showing Harryhausen and other animators at work and

Hasta hace poco, el hemisferio occidental veía el cine japonés con una perspectiva muy estrecha. Durante años, los occidentales interesados en los films nipones tuvieron que contentarse con obras compiladas de Akira Kurosawa, escualidas muestras de Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu, algunos bocados de anime y peliculas casposas con monstruos invasores. Muchos grandes cineastas como Mikio Naruse y Keisuke Kinoshita han permanecido en el anonimato en Occidente, y las comedias y los musicales japoneses se han conocido raramente fuera de Asia. Este volumen endereza las cosas ilustrando una historia en profundidad del cine nipon con posters impactantes y fotografias espectaculares.

Un número que reune ocho relatos escritos por músicos como Dee Dee Ramone, Nacho Canut, Víctor Coyote, Germán Coppini, Antonio Luque, Francisco Nixon, Fernando Alfaro y Julio de la Rosa. El volumen incluye el Diario de Rafael Chirbes, la Biblioteca Particular de Zoe Valdes y el relato Las Mellizas, que podra leerse en la proxima edicion de los cuentos completos de Juan Carlos Onetti. Las ilustraciones de este numero corren por cuenta de Ceesepe, pntor y dibujate de comic. ¿Que escriben los musicos? El ex bajista de Los Ramones, Dee Dee Ramone, recrea una historia narrada en primera persina al hablar del Hotel Chelsea de Nueva York y de su vecino loco, Jor, entre mendigos y Drags queens. Nacho Canut escribe un relato para demostrar que la ficcion supera en muchos casos la realidad. Bowie, Zowie, Angie,yo y las tres reglas de oro demuestra los desencadenantes que puede tener las inquietudes melomanas de un adolescente...

Foto, cine, video enumera el subtítulo de este libro, como quien convoca todas las técnicas y soportes que contribuyen a una poética expandida de las imágenes. Raymond Bellour fue el primero que fijó su atención en el flujo de los lenguajes que proliferan y se contaminan hasta encontrar una nueva existencia, donde ya no importan las huellas del origen, sino el pasaje entre ellos. Pasaje que da lugar a mezclas tan diversas, a tal punto que, al intentar nombrarlas, a veces nos faltan las palabras. En los ensayos de este volumen el autor busca las palabras y los nombres para detallar diversas experiencias visuales y diseñar, a la vez, un campo de problemas relacionado con la historia y la teoría de las imágenes.

És un recorregut molt personal per algunes pel·lícules ambientades a diferents ciutats: Venècia, Roma, París, Londres... Jordi Martí ens passeja, amb la mirada d’un espectador apassionat i subtil, pe

Cuando haces un cortometraje, el mundo es tuyo. A diferencia del largometraje, donde todo está mucho más reglamentado y necesitas disponer de una buena financiación, el corto sólo exige una buena historia y un equipo de amigos que te ayude en la realizacion. En la actualidad, existen muy pocos libros que hablen de como realizar un cortometraje, de como hacerlo invirtiendo poco dinero, como presentarlo a los festivales, como convertirse en un director con un gran futuro profesional y como utilizar el corto para abrirse las puertas al largometraje.

Fijo, Alberto Todas las obras seleccionadas son seductoras y tienen una excelente factura. Cada crítica ofrece claves para situarlas, degustarlas y justificar el trabajo del equipo.

Entre los trabajos publicados hasta hoy que han investigado la bibliografía cinematográfica vasca ninguno ha sido publicado por separado y tan sólo recopilan referencias bibliográficas sin ninguna intencion analitica. La propuesta que tienen en sus manos trata de resolver esta laguna bibliografica al analizar todo lo publicado entre 1968 y 2007 sobre el cine vasco realizando por directores nacidos en Euskadi con el proposito de conocer su estado actual, su historia y su trayectoria.