Libros de Teoría y crítica del cine, página 2 de 69

Este libro, prologado por Gilles Deleuze, reúne los dos volúmenes de textos, especialmente seleccionados por Daney para su Cine-Diario, en el periodo 1981-1986 en Liberation e incluidos en la edición francesa original. Daney ejerce la cronica cinematografica con una mezcla unica de precision y sensibilidad. Mezcla de altisimo riesgo, que es su don y su latigo

Calificado como “el decano de los críticosde arte japonés” por la revista “Time” yreconocido como la máxima autoridad encine japonés, Donald Richie nos ofreceuna historia detallada, inteligente y muy

(CASI TODO LO QUE USTED SIEMPRE QUISO SABER SOBRE EL DOBLAJE Y NUNCA SE ATREVIO

“Bond, James Bond.” Desde que James Bond pronunciara aquellas ya míticas palabras en 1962, el agente secreto más galante de la historia del cine no ha dejado de apasionar y conquistar a espectadores

Imágenes narradas. Cómo hacer visible lo invisible en un guion de cine” aborda la escritura de guiones desde una perspectiva nueva.La mayor parte de los guionistas centran toda su energía en lograr q

Una bella, emotiva y comprometida reivindicación de la oscuridad como un espacio de libertad, resistencia, conocimiento y transgresión. En nuestra cultura, tendemos a relacionar la oscuridad con el mal, el miedo, la ignorancia y la barbarie, pero en ocasiones puede ser un refugio acogedor. Sucede con las salas de cine, santuarios en los que se forjan mitos, deseos e ideales, templos del placer en cuya noche artificial podemos liberar nuestras emociones reprimidas y buscar respuestas que rara vez encontramos en la luz del dia. En nuestro presente de pantallas multiples, este libro reivindica sin nostalgia ni resignacion los cines en los que los espectadores comparten esperanzas y angustias, sueños y pesadillas. La oscuridad de estas salas es iluminadora.

El filme La fía Tula, considerado como tal, es decir, con la mayor independencia posible de su precedente literario con el que guarda muchas menos analogías de las que comunmente se la han venido atribuyendo, puede ser considerado como el titulo inisgnia del llamado Nuevo Cine Español apareciendo en los primeros años sesenta, ademas de un referente indiscutible en la cinematografia española.El guion que alumbra argumentalmente la historia de una mujer tan singular en la sociedad provinciana de la España franquista es producto de una conjuncion de talentos pocas veces coincidentes, cuyo corolario esta representado en el retablo humano que se nos expone, que, no por conocido y vivido por sucesivas generaciones de españoles, resulta menos sorprendente y sobrecogedor. Migue Picazo dirigio la pelicula.

No pocas de las actitudes creativas que el cinéfilo español, de arraigada baja autoestima, ha admirado en la tradición moderna francesa (la escritura apasionada como otra manera de ser cineasta; la programacion de peliculas como gesto revelador emparentado con las dialecticas del montaje) las encarno durante los años setenta y ochenta Jose Ignacio Fernandez Bourgon, un inquieto joven madrileño que dejo su sello, tan inconfundible como secreto, en un puñado de cabeceras de prensa especializada y en los ciclos de una pequeña sala de cine. Su muerte prematura y los estrechos vinculos con la generacion anterior (la de los Drove, Oliver, Marinero) desdibujaron un destino y un legado que, sin embargo, refulgen de manera especial a ojos de cinefilos actuales, a los que sorprendera la escritura pionera de Bourgon sobre algunos cineastas hoy incontestables, pero casi invisibles hasta hace bien poco entre nosotros: Oliveira, Straub/Huillet, Duras, Kramer, Van der Keuken, Van de Staak, Schroeter, Akerman; autores y peliculas capturados en un estilo inedito, inimitable, que arriesga en lo formal, atiende a lo politico y planifica el encuentro con el espectador futuro.

¿Quieres hacer cine? Enhorabuena: estás en la mejor época de la historia para realizar películas. En la era digital, rodar filmes está al alcance de cualquier bolsillo. Pero no es lo mismo tener una bicicleta que saber montar en ella: hay que saber cómo rodar. Este libro nos enseña las varias profesiones del cine interpretación, dirección, iluminación/cámara, montaje y guión - tal como podemos verlas en las grandes películas. Técnicas del cine como la profundidad de foco, la inmersión del actor en el personaje o el uso del contraluz se estudian en más de veinte obras míticas, desde Intolerancia o La ley del silencio a a través del trabajo de actores y actrices como Marlon Brando, Bibi Anderson, Johnny Depp, Scarlett Johansson o Juliette Binoche, con directores y guionistas como Orson Welles, Jean Renoir, Tarantino, Sofía Coppola o las hermanas Wachowski. Un libro fundamental para cinéfilos que quieran conocer el cine por dentro y, sobre todo, imprescindible para estudiantes y nuevos cineastas que quieran despegar en su carrera.

Este libro argumenta en favor de un trabajo crítico que haga hincapié, por un lado, en la Semiótica como Teoría general de la comunicación y de la producción / reproducción socio-ideológica y, por el otro, en la Teoria de genero en cuanto Teoria del discurso, dimension critica indispensable para una comprension efectiva tanto de la subjetividad como del imaginario social. Desde este punto de vista y en el contexto de la interculturalidad como base de toda formacion cultural que resulta de la interaccion de poderes distintos e historicamente especificos, el estudio del cine es especialmente relevante para el analisis critico de los lenguajes no verbales (o no solo verbales) y de la comunicacion audiovisual. Por eso es importante llevar a cabo una reflexion critica sobre el cine que sea capaz de desentrañar su dimension politica en cuanto elemento productivo (y no reproductivo, o mimetico) del imaginario socio-sexual de nuestra epoca.

'Rodando' es el compañero perfecto para los cineastas dudosos tras las cámaras. A lo largo de sus páginas, Steven D. Katz aborda la planificación de secuencias desde todos los puntos de vista y las circunstancias de la produccion, siempre de una forma amena y eminentemente practica. Anticipa todos y cada uno de los problemas con los que se encontrara el director al llegar al rodaje: la coreografia de actores y camara, la eleccion del material, la forma de economizar tiempo y recursos, los aspectos relativos al diseño de decorados y eleccion de localizaciones. Ademas, las entrevistas a algunos de los profesionales que ayudaron a la creacion de peliculas como 'Terminator', 'Los pajaros', 'El graduado', 'E.T. el extraterrestre' o 'Taxi Driver' completan este volumen.

La virtualización del mundo se impone en la sociedad de control neoliberal. En contraste con la iconofobia posmoderna, este libro iconófilo confía en la fuerza de la imagen cinematográfica para combatir la perdida de realidad en un mundo dominado por el simulacro y por pseudoimagenes como las publicitarias. Antonio Rivera postula una nueva estetica cinematografica de la crueldad, que se funda en el reconocimiento de la precariedad de la imagen. Esto implica admitir la distancia insuperable entre la imagen y la vida, pero al mismo tiempo supone proclamar la potencia del montaje cinematografico y de la mirada del espectador para relacionar la imagen con la realidad invisible y con la verdad. La estetica de Rivera se basa tambien en la sustitucion de la estructura teologica-estetica que adopta el modelo hollywoodiense del cine por una estetica democratica que suprime toda jerarquia entre narrar y mostrar, entre documental y ficcion, entre generos o entre los diversos elementos del filme.El pensamiento estetico de este libro favorece la aparicion de un nuevo espectador, capaz de realizar la tarea critica y politica de discriminar entre las imagenes con referencia en el mundo y las imagenes idolatras o abyectas sin sustrato real.

La experiencia y la vivencia de los autores en los cinefórum realizados en colaboración con el Grupo de Comunicación y Salud de la SoMaMFyC, en los que se debate, a través de películas, sobre los aspectos vinculados con la relacion medico-paciente, han dado lugar a este libro; una recopilacion de 30 peliculas -aunque son muchas mas las que se nombran y analizan- a traves de las cuales, adentrandose en sus escenas, dialogos y personajes, se nos muestran diversos aspectos y cualidades del ser humano, los valores fundamentales a poner en practica en la atencion al paciente, realidades y conceptos medicos, entre otras muchas cuestiones. Y es que, como exponen los propios autores al inicio de su obra: el cine es uno de nuestros grandes aliados, un verdadero entrenador de nuestra empatia, capacidad de observacion y de atencion, para asi detectar la presencia emocional de los otros. Con el, podemos analizar las fases del maltrato o la magnitud del sufrimiento que entraña el duelo, la soledad o la culpa. Podemos crecer en el conocimiento de nuestra identidad y reconocer el derecho de otras identidades en eso que llamamos alteridad. Podemos analizar los determinantes de salud y las circunstancias que originan infancias destrozadas. Analizar el apego o la falta de el, descubrir la ternura, esa que nos desarma, o la risa, esa que nos reconcilia.

Stalker es considerada como la obra maestra de Tarkovski, y este libro indaga en la metáfora, en la sugerencia y en el uso de la temporalidad.«Me he estado preparando para esta película toda mi vida»

¿Te sientes culpable cuando te gusta una película de masas? ¿Te autoflagelas viendo cine de autor? No te preocupes, Pedro Vallín quiere curarte. Críticos culturales de plumas avinagradas han sentenciado durante décadas que el cine de Hollywood oculta un maligno instrumento de adoctrinamiento colectivo. Una perversión subliminal que aliena a las masas y les inocula la ideología dominante. Semejante visión del cine comercial supone que la gente es imbécil. Que se la traga siempre. Entre cuencos de palomitas. Y encima, riéndose. Pedro Vallín ha escrito un ensayo herético que defiende que no, que ni los superhéroes yanquis defienden la propiedad privada ni el cine de autor europeo transmite valores progresistas. Y que puestos a generalizar ocurre lo contrario: que el cine made in Hollywood es emancipador y que las producciones europeas acusan un sesgo burgués, ensimismado y autoindulgente. ¡Me cago en Godard! es un libro irreverente y con clara vocación de incordio. Su autor no se caga solo en Jean-Luc, sino que también lo hace en la elitismo condescendiente del establishment cinematográfico europeo, en los dogmas que identifican las películas estadounidenses con la derecha y en el mal llamado «placer culpable». Porque es absurdo sentirse un aliado del imperialismo por disfrutar de una película palomitera (o sentirse mejor persona por dormirse frente a una mala película indie). En definitiva, Pedro Vallín ha querido firmar una defensa del goce en el cine, del humor y del pensamiento autónomo, es decir, su sentencia de muerte como crítico cultural de prestigio. Y los de Arpa encantados de ayudarle.

Dime qué serie ves y te diré quién eres. Parece un tanto exagerada la reformulación del viejo refrán, pero que levante la mano el que en la actualidad no esté viendo ninguna serie. El consumo entre nuestros alumnos universitarios es masivo. Y no es una cuestion solo de jovenes, la fiebre por las series se ha disparado, al tiempo que los consumos de los medios de comunicacion tradicionales, en el mejor de los casos, se han modificado notablemente.Dice Juan Manuel de Prada que las series se han convertido en el libro de los que no leen.

La cima del realismo underground es la materia cinematográfica propiamente dicha. Ninguna toma puede ser más precisa que la que se hace por puro instinto, ya sea en la cámara o en la mesa de edición

Me encontré con un niño de seis años, con un rostro pálido, sin expresión, sin emoción. Y unos ojos negrisimos. Los ojos del diablo, manifestaba el Doctor loomis acerca de la naturaleza de Michael Myers, con el el psicópata en el máscarado lo que agonista del clásico de John carpenter titulado la noche de halloween. Una película que hay en 1978 configuro de manera definitiva a las bases del "slasher" dando fruto que alguna gente cantidad de producciones que abordarán la figura del asesino implacable desde todas las ópticas posibles. Sin embargo, Michael Myers era un icono tan poderoso, enigmático y sugerente en su propia esencia que daría lugar a una longeva sharan que sigue atrayendo la atención del público y el entusiasmo de los seguidores tras 40 años de actos violentos y andares sigilosos.

El cineasta y el arquitecto comparten una misma mirada. Uno construye películas. El otro edificios. El presente libro estudia la específica mirada que un arquitecto puede arrojar sobre la construcción cinematografica. Se propone para ello trasladar las pautas especificas del analisis arquitectonico, y sus modelos de representacion, a la observacion detallada, y el estudio documental, de doce peliculas francesas realizadas en los años 50’-60’.

En un intento de coaccionar la libre distribución de películas de toda vertiente dentro de la entonces imperante industria videográfica, las autoridades censoras del Reino Unido establecieron una lista que popularmente se conocio como Video Nasties. El objetivo, llevar al ostracismo y olvido una serie de peliculas que pudieran atentar contra la moralidad del publico britanico, reduciendo considerablemente su metraje o directamente llevandolas a la prohibicion. Como fenomeno contracultural, se produjo un creciente interes por los amantes del cine mas subversivo hacia este conjunto de peliculas prohibidas, llevandolas al Olimpo del culto. Cintas como el Holocausto canibal de Ruggero Deodato, Bahia de sangre de Mario Bava o El asesino del taladro de Abel Ferrera son algunos de los ejemplos de esas obras que el Gobierno britanico boicoteo para evitar su distribucion, pero que ahora son incuestionables clasicos del cine mas underground.