Libros de Arte actual, página 5 de 25

Catálogo de la exposición. La exposición El ángel exterminador. A Room for Spanish Contemporary Art, presentada en el Palais de Beaux-Arts BOZAR de Bruselas, parte de la referencia a la película de Buñuel para dejando a un lado logicas estilisticas o de tendencia- proponer un encuentro entre artistas desde diferentes posiciones y perspectivas. En palabras de su comisario, Fernando Castro, funciona como un tableaux vivant, un cuadro vivo donde la dimension teatral es crucial asi como la capacidad para reconfigurar, a la manera del bricoleur, el mundo a partir de elementos fragmentarios. Es por tanto la voluntad de mostrar, en el marco de la presidencia española del Consejo de la Union Europea, una vision de las diversas formas de hacer, creando un espacio en el que, como en la habitacion claustrofobica de Buñuel, puede pasar de todo.

La Transversal de la BIACS (BIACS3-Youniverse) fue un concurso creado para dar a los artistas locales la oportunidad de utilizar la Bienal como plataforma para mostrar y promocionar su trabajo, y crear un puente entre el BIACS (Centro Andaluz de Arte Contemporaneo) y el centro de la ciudad. Juan Antonio Sanchez Muñoz y Vincent Morales Garoffolo, de Kauh Arquitectos, han coordinado este volumen bilingue que reune todas las propuestas para los cinco espacios a lo largo del centro de Sevilla: la sede del ICAS en calle Alfonso XII, la fachada de la Facultada de Bellas Artes en calle Laraña, el patio del Colegio Oficial de Arquitectos de Sevilla en la Plaza de San Pedro y el patio de la Facultad de Bellas Artes en la calle Gonzalo Bilbao. Un volumen de interes para cualquiera interesado en las propuestas de creacion artistica que se den en Sevilla.

En la 29 edición de la feria que tiene como invitado a Los Ángeles, una ciudad que cada vez tiene más peso en la escena del arte contemporáneo estadounidense e internacional. En Arco 2010 se dan cita alrededor de 200 galerias procedentes de mas de 30 paises expondran pintura, escultura, instalaciones, fotografia, video, new media, dibujo y grabado.

Este libro es el resultado de la investigación, la puesta al día y la selección que el crítico de arte Ricard Mas ha construido sobre el cruce histórico entre las fuentes y la innovación narrativa en los videojuegos. Una mutacion cultural que deriva del paso de la pantalla para uso de un unico lector hacia una creacion compartida en los juegos de rol masivos en red. Este salto tecnocientifico, propiciado por la fisica, ha afectado de lleno los cruces visuales artisticos con las nuevas ficciones en una doble direccion: en juegos de gran complejidad, conectados a un cerebro individual, y en juegos que construyen un cerebro social en red.

Los movimientos y géneros más importantes de la historia del arte Los artistas siempre han sido de los primeros usuarios de las nuevas tecnologías, desde Alberto Durero y su utilización de la imprenta en el siglo XVI hasta los experimentos de Nam June Paik con el vídeo en la década de 1960. En 1994, la llegada de internet como medio popular fue el catalizador de un movimiento artístico global que comenzó a explorar las posibilidades culturales, sociales y estéticas de nuevas tecnologías de comunicación tales como la web, las cámaras de vigilancia, los teléfonos inalámbricos, los ordenadores portátiles y los mecanismos GPS. Este libro contempla el arte y las nuevas tecnologías como un movimiento artístico específico e histórico, enfocado no sólo a tecnologías y formas, sino también a contenidos temáticos y estrategias conceptuales. El arte y las nuevas tecnologías implican a menudo apropiación, colaboración y compartir libremente ideas y expresiones, considerando frecuentemente las ramificaciones políticas de la tecnología en torno a cuestiones de identidad, comercialización, privacidad y dominio público. Muchos de estos artistas son profundamente conscientes de sus antecedentes histórico-artísticos, haciendo referencia al Dadá, al Pop Art, al Arte Conceptual, a la Performance y al Fluxus. Artistas incluidos: Cory Arcangel, Jonah Brucker-Cohen y Katherine Moriwaki, Young-Hae Chang Heavy Industries, Vuk Cosic, Mary Flanagan, Ken Goldberg, Paul Kaiser y Shelly Eshkar, Jennifer and Kevin McCoy, Mouchette, MTAA, Keith y Mendi Obadike, Radical Software Group, Raqs Media Collective, RTMark, y John F. Simon Jr. Sobre la serie: Cada libro de la serie menor géneros de TASCHEN presenta: una introducción detallada con aproximadamente 35 fotografías, más una cronología de los hechos más importantes (políticos, culturales, científicos, etc.) que tuvieron lugar durante el período una selección de las obras más importantes de la época; cada una es presentada a doble página co

En los setenta nace el arte callejero en Nueva York; el escritor Norman Mailer se asocia con el fotógrafo Jon Naar y el resultado es este poderoso documento, La fe del grafiti. Mailer proyecta su mirada provocativa sobre el significado de esta expresión de la cultura contemporánea; Naar selecciona, captura, da sentido a la obra de los «escritores de grafiti». Juntos levantan esta acta de registro para la historia de un arte que no ha de durar. Una reflexión, en palabras e imágenes, sobre el significado de la identidad, la propiedad y el arte urbano.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, febrero-mayo 2010. Recorre los diferentes momentos artísticos de Schütte, desde sus primeros trabajos realizados a

El campeón de motocross de estilo libre, Carey Hart es famoso por su cuerpo casi totalmente tatuado. Su estudio de tatuaje Hart & Huntington Tatoo Company, en Las Vegas, apareció en la exitosa serie de television Inked. Estrellas del rock, personajes celebres o anonimos, y numerosos turistas acuden a estos estudios atraidos por el estilo de sus tatuajes, irreverentes y originales.

Reconocidos especialistas en este campo artístico han participado con sus importantes textos críticos (Roy Ascott, Juan Martín Prada, Juan Antonio Álvarez Reyes y José Ramón Alcalá -director del Premio-, con el prologo del Rector de la Universidad de Extremadura) proporcionando a dicha publicacion calidad e interes completada con las imagenes y fichas de medio centenar de obras seleccionadas y las reproducciones de las animaciones digitales en un CD.

Industrias Mikuerpo no era un grupo, sino un entramado de participación. Un oído en lugar de una voz, con más vocación de medio que de emisor, aunque de una forma tal, que el medio no sólo fuese el mensaje, sino todas las instancias de la comunicacion reunidas en una especie de reactivo quimico, o de microorganismo capaz de fermentar el magma cultural para intentar darle otro sentido. Su materia prima era el ruido, la confusion de imagenes, la mezcla conceptual de la calle. No habia detras una estructura, sino un dispositivo de generacion fractal de consecuencias inesperadas, un ensayo de produccion de errores en el sistema. Su programa era una busqueda a ciegas en el plano pragmatico de la expresion, revolucionando por completo los mecanismos de produccion, distribucion y consumo cultural, el papel del artista y del critico, las formas de consumo y todas las relaciones productivas del arte, conmovidas cada vez mas por nuevos medios de produccion. Este era el sentido que se queria dar a una efectiva realizacion y superacion del arte, capaz de obviar el circuito institucional: la exploracion de nuevas formas de gestion del capital simbolico basadas en la intervencion perturbadora sobre cualquiera de las instancias de la comunicacion (disolucion del emisor, produccion colectiva en red, desplazamiento de la carga de sentido sobre el receptor, desmaterializacion o reproduccion infinita de la obra, desnaturalizacion de los codigos, generacion de ruido significante, etc.).

El Arte Digital abarca obras creadas mediante tratamiento informático, un medio que abre nuevas posibilidades en la producción artística. Incluye desde dibujos realizados con plotter y programas creados para tal fin, hasta instalaciones interactivas, arte red y juegos de ordenador, ademas de fachadas mediaticas. Este libro ofrece una vision general sobre este genero artistico desde los inicios de la decada de 1960 hasta la actualidad. El DVD que acompaña el libro, muestra a traves de 12 ejemplos, diversos trabajos software en movimiento y peliculas digitales de importantes artistas.

"El presente trabajo se origina en un interés por conocer la manera en que el arte influencia y responde a las relaciones de poder cultural entre Europa y Latinoamérica. Centro mi atención de manera especial, en la forma mediante la cual ciertos encuentros entre movimientos culturales en Latinoamérica y Europa, ocurridos en el siglo XX, dieron forma a las concepciones que existen hoy por hoy acerca de la cultura latinoamericana. La construcción de esta identidad cultural latinoamericana implicó un mayor intercambio del que latinoamericanos y europeos estarían dispuestos a admitir, pero del cual son testimonios las manifestaciones artísticas." (Introducción)

Robert Morris (Kansas City, 1931) es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado prácticamente por la mayoría de los movimientos y tendencias del arte desde finales de los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista, ha realizado obras neodadaístas y conceptuales, estructuras primarias y formas escultóricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el arte de la tierra, acciones de reivindicación social, crítica institucional al museo y la galería, danza, performance, vídeo o dibujo. Aunque ha sido su vinculación con el minimal art y la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporáneo, la riqueza de su producción artística abarca otro gran número de preocupaciones y temáticas entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicación de la condición social del artista como trabajador, la relación entre visión y ceguera, entre texto e imagen, la memoria, la muerte, la catástrofe o la melancolía. Cuestiones en todos los casos atravesadas por una crítica audaz e inteligente tanto al modernismo y su concepción del arte como un aparte de la vida, como a la modernidad entera en tanto que sistema opresor, disciplinario y deshumanizador.

podemos escribir una historia del graffiti que se extiende a lo largo de cuatro décadas. En los últimos años, el graffiti ha seguido evolucionando a través de un flujo constante de proyectos y técnicas experimentales consustanciales a esta forma de arte que, en su expresión original, se ha preservado en los espacios públicos y que puede ser disfrutada y propagada de modo creativo por cada uno de nosotros. Con más de 2.000 fotografías que ilustran el trabajo de más de 180 artistas internacionales, esta nueva edición de Graffiti reúne una compilación exhaustiva de la obra de los artistas del graffiti más interesantes e influyentes de todo el mundo. Nicholas Ganz combina en este libro su experiencia de primera mano con la visión y los comentarios de los propios artistas para ofrecernos una perspectiva verdaderamente informada y privilegiada acerca de las tendencias clave y los últimos desarrollos de estilo que han hecho del graffiti un fenómeno global.