Libros de Arte actual, página 8 de 25

Este libro es un riguroso y documentado estudio del desarrollo de las tendencias abstracto-geométricas en España entre 1957-1969. La década de los sesenta marcó la recuperación de la geometría a escala mundial, con la generalizacion del arte optico y cinetico, del ''minimal'', etc. Este despegue se produjo igualmente en España, donde, a partir de 1957, a la par del auge del informalismo, comenzo a surgir una nueva generacion de artistas decidida a experimentar con la geometria y a apostar por la razon y el analisis. Menos conocidas y reconocidas que el informalismo, las tendencias abstracto-geometricas son una parte fundamental del legado artistico de los años sesenta. En este libro dichas tendencias son analizadas a partir de diferentes ejes tematicos.

CGAC - Centro Gallego de Arte Contemporaneo (4 Septiembre de 2009 - 13 Diciembre de 2009). Muestra de más de 150 piezas y numerosa documentación de época vinculada a la irrupción del movimiento punk en los Estados Unidos. Desde mediados de los años 70, una serie de artistas de la Costa Este norteamericana comenzaron a desafiar las convenciones del medio fotografico desde sus aspectos tecnicos y morales con una influencia enorme en los usos de la representacion de finales del siglo XX. A lo largo de los años 90, este grupo fue rebautizado como Boston School a partir de una broma de la artista Nan Goldin que luego seria popularizada por la exposicion del mismo titulo en el ICA de Boston en 1996. Familiar Feelings no trata tanto de reivindicar las afinidades de la llamada Boston School sino un planteamiento expositivo que suma diversas muestras individuales: Diana Arbus, Larry Clarck, Nan Goldin, David Armstrong, jane Hudson, Mark Morrisroe, Starn Twins, Gail Thacker, Taboo, entre otros.

Los movimientos y géneros más importantes de la historia del arte Los artistas siempre han sido de los primeros usuarios de las nuevas tecnologías, desde Alberto Durero y su utilización de la imprenta en el siglo XVI hasta los experimentos de Nam June Paik con el vídeo en la década de 1960. En 1994, la llegada de internet como medio popular fue el catalizador de un movimiento artístico global que comenzó a explorar las posibilidades culturales, sociales y estéticas de nuevas tecnologías de comunicación tales como la web, las cámaras de vigilancia, los teléfonos inalámbricos, los ordenadores portátiles y los mecanismos GPS. Este libro contempla el arte y las nuevas tecnologías como un movimiento artístico específico e histórico, enfocado no sólo a tecnologías y formas, sino también a contenidos temáticos y estrategias conceptuales. El arte y las nuevas tecnologías implican a menudo apropiación, colaboración y compartir libremente ideas y expresiones, considerando frecuentemente las ramificaciones políticas de la tecnología en torno a cuestiones de identidad, comercialización, privacidad y dominio público. Muchos de estos artistas son profundamente conscientes de sus antecedentes histórico-artísticos, haciendo referencia al Dadá, al Pop Art, al Arte Conceptual, a la Performance y al Fluxus. Artistas incluidos: Cory Arcangel, Jonah Brucker-Cohen y Katherine Moriwaki, Young-Hae Chang Heavy Industries, Vuk Cosic, Mary Flanagan, Ken Goldberg, Paul Kaiser y Shelly Eshkar, Jennifer and Kevin McCoy, Mouchette, MTAA, Keith y Mendi Obadike, Radical Software Group, Raqs Media Collective, RTMark, y John F. Simon Jr. Sobre la serie: Cada libro de la serie menor géneros de TASCHEN presenta: una introducción detallada con aproximadamente 35 fotografías, más una cronología de los hechos más importantes (políticos, culturales, científicos, etc.) que tuvieron lugar durante el período una selección de las obras más importantes de la época; cada una es presentada a doble página co

Com ha arribat l'art català contemporani a tots els racons del món? El reconeixement escàs del país vers els seus artistes i, en alguns casos, l'exili, van fer que molts d'ells es traslladessin a altres ciutats del món, cosa que va permetre que uns quants esdevinguessin artistes d'èxit en el panorama internacional. Aquest llibre ens apropa a les diverses trajectòries d'uns artistes que, amb el temps, s'han convertit en ambaixadors de la cultura i l'art del nostre país arreu del món. L'obra es divideix en 25 capítols distribuïts en quatre parts: l'Art del segle XIX, Modernisme i Noucentisme; Avanguardes; Art de la segona meitat del segle XX, i Art del segle XXI. Cada capítol se centra en un artista, fent referència a la seva història i les circumstàncies de la seva sortida de Catalunya o de la seva realització fora de Catalunya. Alguns exemples són Santiago Rusiñol a París, Ramon Casas als Estats Units, Josep Lluís Sert a Bagdad o Harvard, Salvador Dalí a Florida, Antoni Tàpies a Nova York, Ricard Bofill a França o Tòquio, Jaume Plensa a Xicago o Londres, o Eulàlia Valldosera a Amsterdam, entre d'altres. Amb pròleg de l'historiador i crític d'art Josep Bracons.

podemos escribir una historia del graffiti que se extiende a lo largo de cuatro décadas. En los últimos años, el graffiti ha seguido evolucionando a través de un flujo constante de proyectos y técnicas experimentales consustanciales a esta forma de arte que, en su expresión original, se ha preservado en los espacios públicos y que puede ser disfrutada y propagada de modo creativo por cada uno de nosotros. Con más de 2.000 fotografías que ilustran el trabajo de más de 180 artistas internacionales, esta nueva edición de Graffiti reúne una compilación exhaustiva de la obra de los artistas del graffiti más interesantes e influyentes de todo el mundo. Nicholas Ganz combina en este libro su experiencia de primera mano con la visión y los comentarios de los propios artistas para ofrecernos una perspectiva verdaderamente informada y privilegiada acerca de las tendencias clave y los últimos desarrollos de estilo que han hecho del graffiti un fenómeno global.

El Arte Digital abarca obras creadas mediante tratamiento informático, un medio que abre nuevas posibilidades en la producción artística. Incluye desde dibujos realizados con plotter y programas creados para tal fin, hasta instalaciones interactivas, arte red y juegos de ordenador, ademas de fachadas mediaticas. Este libro ofrece una vision general sobre este genero artistico desde los inicios de la decada de 1960 hasta la actualidad. El DVD que acompaña el libro, muestra a traves de 12 ejemplos, diversos trabajos software en movimiento y peliculas digitales de importantes artistas.

El campeón de motocross de estilo libre, Carey Hart es famoso por su cuerpo casi totalmente tatuado. Su estudio de tatuaje Hart & Huntington Tatoo Company, en Las Vegas, apareció en la exitosa serie de television Inked. Estrellas del rock, personajes celebres o anonimos, y numerosos turistas acuden a estos estudios atraidos por el estilo de sus tatuajes, irreverentes y originales.

La Transversal de la BIACS (BIACS3-Youniverse) fue un concurso creado para dar a los artistas locales la oportunidad de utilizar la Bienal como plataforma para mostrar y promocionar su trabajo, y crear un puente entre el BIACS (Centro Andaluz de Arte Contemporaneo) y el centro de la ciudad. Juan Antonio Sanchez Muñoz y Vincent Morales Garoffolo, de Kauh Arquitectos, han coordinado este volumen bilingue que reune todas las propuestas para los cinco espacios a lo largo del centro de Sevilla: la sede del ICAS en calle Alfonso XII, la fachada de la Facultada de Bellas Artes en calle Laraña, el patio del Colegio Oficial de Arquitectos de Sevilla en la Plaza de San Pedro y el patio de la Facultad de Bellas Artes en la calle Gonzalo Bilbao. Un volumen de interes para cualquiera interesado en las propuestas de creacion artistica que se den en Sevilla.

Exposición en IVAM del 18 de diciembre de 2009 al 21 de febrero de 2010. Textos en castellano y en inglés

Robert Morris (Kansas City, 1931) es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado prácticamente por la mayoría de los movimientos y tendencias del arte desde finales de los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista, ha realizado obras neodadaístas y conceptuales, estructuras primarias y formas escultóricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el arte de la tierra, acciones de reivindicación social, crítica institucional al museo y la galería, danza, performance, vídeo o dibujo. Aunque ha sido su vinculación con el minimal art y la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporáneo, la riqueza de su producción artística abarca otro gran número de preocupaciones y temáticas entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicación de la condición social del artista como trabajador, la relación entre visión y ceguera, entre texto e imagen, la memoria, la muerte, la catástrofe o la melancolía. Cuestiones en todos los casos atravesadas por una crítica audaz e inteligente tanto al modernismo y su concepción del arte como un aparte de la vida, como a la modernidad entera en tanto que sistema opresor, disciplinario y deshumanizador.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, febrero-mayo 2010. Recorre los diferentes momentos artísticos de Schütte, desde sus primeros trabajos realizados a

Industrias Mikuerpo no era un grupo, sino un entramado de participación. Un oído en lugar de una voz, con más vocación de medio que de emisor, aunque de una forma tal, que el medio no sólo fuese el mensaje, sino todas las instancias de la comunicacion reunidas en una especie de reactivo quimico, o de microorganismo capaz de fermentar el magma cultural para intentar darle otro sentido. Su materia prima era el ruido, la confusion de imagenes, la mezcla conceptual de la calle. No habia detras una estructura, sino un dispositivo de generacion fractal de consecuencias inesperadas, un ensayo de produccion de errores en el sistema. Su programa era una busqueda a ciegas en el plano pragmatico de la expresion, revolucionando por completo los mecanismos de produccion, distribucion y consumo cultural, el papel del artista y del critico, las formas de consumo y todas las relaciones productivas del arte, conmovidas cada vez mas por nuevos medios de produccion. Este era el sentido que se queria dar a una efectiva realizacion y superacion del arte, capaz de obviar el circuito institucional: la exploracion de nuevas formas de gestion del capital simbolico basadas en la intervencion perturbadora sobre cualquiera de las instancias de la comunicacion (disolucion del emisor, produccion colectiva en red, desplazamiento de la carga de sentido sobre el receptor, desmaterializacion o reproduccion infinita de la obra, desnaturalizacion de los codigos, generacion de ruido significante, etc.).

The beauty of interferences presented as a book and on an included CD. In Grid Index, Carsten Nicolai created a visual lexicon of patterns and grid systems. Now Moiré Index is dedicated to his exploration of the moiré effect a phenomenon that can be created by the overlay of lines. Although such interference patterns are mostly considered to be unwanted side effects, they are actually extremely interesting from an aesthetic perspective. Based upon years of research, Nicolai has analyzed and systematically unlocked fundamental structures of crucial importance to the visualization of data. As the first extensive visual compendium of these interference patterns, Moiré Index is the definitive reference book for designers, visual artists, architects, researchers, mathematicians, or anyone else who wants to use its content as a basis for graphic designs. A CD accompanies the book and contains not only the featured moirés as digital files, but also individual elements that can be used to create an almost endless amount of new overlays. These files can be used effortlessly with virtually any platform, operating system, and graphics software and can be applied in every field of visual culture.

Desde principios de los años setenta, la obra de Kelly transcurre entre los enredos del lenguaje y su impacto cultural y psicológico. Sus instalaciones de carácter narrativo cuestionan las explicaciones tradicionales de lo cotidiano. Este proyecto surge tras la lectura en 1999 de una noticia publicada en un diario de Los Angeles, en que se relataba la historia de Kastriot, un niño albanes a quien su madre dio por muerto en la guerra de Kosovo y despues fue rescatado con vida por los serbios para mas tarde llegar sano a sus padres