Libros de Arte contemporáneo, página 10 de 169

The book Hubert de Givenchy runs through a selection of pieces shown in the exhibition, the essential milestones of the race of the great couturier. From the beginnings of Maison Givenchy in 1952, represented for example by Bettina blouse, to her creations eighties, through his designs for iconic figures such as Grace Kelly, Jacqueline Kennedy and Audrey Hepburn especially. Passionate collector of paintings, sculptures, furniture and other objects, equally attracted by the grand siecle French and the avant-garde of the twentieth century, Hubert de Givenchy has never hidden the role these works of art played in their inspiration. So the exhibition establishes a dialogue between the creations of Givenchy and the Thyssen Collection, with paintings of Robert and Sonia Delaunay, Theo van Doesburg, Georgia O''Keeffe, Nolde, Miro and Max Ernst, Moholy-Nagy and Josef Albers, Lucio Fontana and Mark Rothko, among others.El libro Hubert de Givenchy recorre, a traves de una seleccion de piezas que se muestran en la exposicion, los hitos esenciales de la carrera del gran modisto. Desde los comienzos de la Maison Givenchy en 1952, representados por ejemplo por la blusa Bettina, hasta sus creaciones de los años ochenta, pasando por sus diseños para figuras iconicas como Grace Kelly, Jacqueline Kennedy o sobre todo Audrey Hepburn. Apasionado coleccionista de pintura, escultura, mobiliario y otros objetos, atraido igualmente por el grand siecle frances y por las vanguardias del siglo XX, Hubert de Givenchy nunca ha ocultado el papel que esas obras de arte jugaban en su inspiracion. Por eso la exposicion establece un dialogo entre las creaciones de Givenchy y la Coleccion Thyssen, con pinturas de Robert y Sonia Delaunay, Theo van Doesburg, Georgia OKeeffe, Nolde, Miro y Max Ernst, Moholy-Nagy y Josef Albers, Lucio Fontana y Mark Rothko, entre otros.

La historia del impresionismo americano se inicia con Mary Cassatt y John Singer Sargent, que trabajaron al lado de sus colegas franceses e hicieron su propia aportación a las tendencias vanguardistas del momento. Los artistas norteamericanos de la generacion siguiente conocieron el impresionismo en pinturas que vieron ya en Paris o despues en Boston y Nueva York, e hicieron suyos algunos elementos del nuevo estilo a la vez que inventaban otros para adaptarse al publico de su pais. Cassatt, Sargent y James McNeill Whistler, pero tambien otros cuyos nombres son menos conocidos en Europa, como William Merritt Chase, Childe Hassam, Edmund Tarbell y John Henry Twachtman, eran artistas cosmopolitas que tenian detras una excelente formacion y que habian viajado mucho, por lo que buscaron la inspiracion y la aceptacion tanto en los Estados Unidos como en otros paises. Mediante unos esclarecedores ensayos que analizan las mas de setenta obras que la componen, este catalogo ofrece una vision nueva de la incorporacion del impresionismo al arte de los Estados Unidos.

Catálogo de la exposicion celebrada en el Centre Cultural La Nau de Valencia,con el título‘Anzo Experimental’. La muestra presenta un conjunto de dieciséis obras del pintor valenciano José Iranzo que

Catalogue of the exhibition On the road, curated by Gloria Moure. (Santiago de Compostela, 27June 30 November 2014 to commemorate the 800th anniversary of Francis of Assisis trip toSantiago de Compostela).Works of Francis Als, Giovanni Anselmo, Jorge Barbi, Lothar Baumgarten, Joseph Beuys,Alighiero Boetti, Christian Boltanski, Marcel Broodthaers, John Cage, Mircea Cantor, Janet Cardiff& George Bures Miller, Tacita Dean, Jimmie Durham, Guillermo Faivovich & Nicolas Goldberg,Felix Gonzalez-Torres, Joo Maria Gusmo & Pedro Paiva, Roni Horn, Annika Kahrs, AmarKanwar, Yves Klein, Jannis Kounellis, Anton Lamazares, Richard Long, Anibal Lopez, PieroManzoni, Anthony McCall, Mario Merz, Nam June Paik, Giuseppe Penone, Perejaume, CaioReisewitz, Robert Smithson, Antoni Tapies, Lawrence Weiner y Franz West.

Cannibale Esta publicación recoge en una carpeta los dos números de la revista CANNIBALE publicados por Francis Picabia en abril y mayo de 1920, en versión facsímil traducida al castellano y el estudio introductorio del profesor Jose Antonio Sarmiento. Con este proyecto, Picabia abandona la estrategia que habia empleado en la revista 391, para ofrecer una vision mas radical del dadismo tal como se expone en su Manifiesto Canibal, tambien recogido en el estudio introductorio. A traves de breves comentarios, y sobre todo de frases sueltas, Picabia cuestiona el mercantilismo en el arte y la vigencia del cubismo, ridiculizando incluso a algunos de sus integrantes. Su menosprecio a la pintura moderna queda patente en su Cuadro Dada, que reproduce en una de las paginas de la revista. La composicion consiste en un mono de peluche fijado a una tela rodeado de las siguientes inscripciones: "Retrato de Cezanne - Retrato de Rembrandt - Retrato de Renoir - Naturalezas muertas". Ese mismo año, en mayo, Picabia deja de publicar la revista.En esta publicacion podemos disfrutar de la recuperacion de los dos unicos ejemplares de esta revista CANNIBALE, traducidos al castellano, con fidelidad tipografica y compositiva, es responsabilidad del CIDI (Centro de Investigaciones y Diseño de la Imagen) de la UCLM.

Hablar de poesía visual es hacerlo de una relativamente nueva manifestación artística que tiene sus orígenes más inmediatos en las vanguardias artísticas del siglo pasado, cuando se produce una exploxion de generos y estilos al someter a revision el sistema cultural instituido por estimarlo agotado en la busqueda de formas nuevas y diferentes. Aunque es dificil definir el concepto de poesia visual y es ciertamente confuso, podemos decir, de forma resumida, que se trata de un genero de expresion. A veces no es suficiente la palabra para expresar lo que pretendemos decir, pero tampoco lo es la imagen, y en la poesia visual la dimension linguistica y la visual se combinan dando lugar al poema visual.

Joan Fontcuberta es un artista a quien ha acompañado la reflexión teórica a lo largo de toda la carrera y, al mismo tiempo, desde hace más de treinta años, muchos analistas han dirigido sobre él su mirada, echando luz sobre su obra desde puntos de vista muy diversos. En este fuego cruzado de los discursos, Fontcuberta es objeto de una critica intensa que no deja ningun resquicio de su obra en la oscuridad. Esta claridad contrasta, sin embargo, con lo que forma la esencia de sus obras: un arte consumado de la confusion de los generos y los mensajes, un gusto inmoderado por el equivoco relacionado con el grado de realidad de los fenomenos. Asi pues, el artista tendria algo de doctor Jekyll y Mister Hyde: pedagogo de nuestro mundo moderno al tiempo que virtuoso en el arte de tender trampas a la razon.

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens

Pocos movimientos artísticos han mantenido con el entorno que les dio origen, y con la evolución de sus fundamentos, vínculos tan complejos y encontrados como El realismo. Partiendo de la naturaleza de este movimiento, de sus relaciones con la historia, con su tiempo y con la nueva variedad de temas que lleva aparejados, y tras llevar a cabo una tentativa de definicion historica, Linda Nochlin aborda en el presente volumen el estudio de esta corriente que predomino en las artes figurativas y la literatura de las decadas centrales del siglo XIX, desde, aproximadamente, 1840 a 1870-1880. La nueva actitud hacia la muerte, la preocupacion por las cuestiones sociales y los humildes, y el ineludible compromiso con la contemporaneidad, constituyuen el andamiaje que sirve a la autora para ir elaborando un panorama completo y esclarecedor de este movimiento y de la polemica teorica con el relacionada que tan profundos efectos habria de tener en el arte del siglo XX.

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens

2ª edición.

El Arte de la Pintura no consiste solamente en saber pintar, sino también en saber decir. Es una comunicación entre el artista y el sujeto que lo contempla. Saber leer los mensajes pintados es un don del que lo mira, pero el saber expresarlos es solo merito del autor de la obra. Observen ustedes, queridos lectores, cualquiera de los cuadros de Escacena reproducidos en esta obra. Si es aficionado a la Fiesta entendera enseguida su mensaje, no vera solamente al diestro dibujado, vera tambien detalles signifi cativos en la forma de coger capote o muleta, en la manera de estar asentado sobre la arena, en el modo de cargar la suerte, en fin en muchos detalles que le hacen adivinar que este es Curro, o Rafael, o Julian, o Jose; son verdaderos retratos a color.

This book explores the work of those artists who attempted to keep alive the expanded possibilities opened up by Cubism in Paris between 1911 and 1914. This little community of artists refused to accept that recording the war or producing propaganda was their duty. Instead, they kept faith in their independence as individuals as this war of machines threatened to rob every front-line soldier of his humanity and to draw the globe into unprecedented conflict.The vast majority of fit young Frenchmen were mobilized, so those artists left behind in Paris were either foreign or too old or unfit for combat. Pablo Picasso, then known as the inventor of Cubism, remained a prominent figure, alongside his fellow Spaniards Juan Gris and Maria Blanchard, the Mexican Diego Rivera, the Italian Gino Severini, the Lithuanian sculptor Jacques Lipchitz and the French painters Georges Braque, Henri Laurens, Fernand Leger and Henri Matisse.One focus of this book is the sheer diversity of the work produced by these artists; another is the move made by most of them toward a more structured, architectural Cubism, especially from 1917, which could be taken as reparation against the destructive forces that seemed to have taken over the whole world.