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El catálogo incluye obras de James Ensor, Henri Cartier-Bresson, Le Corbusier, Aldo van Eyck y Palle Nielsen, entre otros. La exposición usa el término playground para proponer una aproximación hist

La toma de conciencia de la mujer sobre sí misma, como ser independiente, capacitado para tomar por sí las riendas de su vida, supone la revolución cultural más importante del siglo XX en occidente. Un transcurso que en sus inicios estuvo alentado y defendido por un grupo de mujeres, intelectuales y artistas que, asentadas principalmente en Paris en las tres primeras decadas de ese siglo, fueron capaces de percibir que el momento del cambio habia llegado. Pretendian que su trabajo, su obra, saliese de su entorno intimo, cobrase visibilidad en la sociedad, pero lo verdaderamente trasgresor de ellas era su independencia, su mirada autonoma, su reflexion particular, el sentir que su existencia tenia significado en si, en su propio ser, lo que hizo de estas pioneras, en los distintos campos en que se comprometieron, autenticas revolucionarias. Tan fascinante momento, y sobre todo la atraccion que sobre mi ejercieron estas multiples protagonistas, muchas de ellas anonimas, me llevaron a organizar este primer ciclo de cinco conferencias sobre mujer y vanguardia: La vanguardia en Femenino, dentro de la semana del Arte promovida desde el Ateneo de Valladolid. Mi pretension no fue hacer Historia del Arte de genero, sino poner en su justo termino la genialidad e importancia que muchas de estas creadoras tuvieron y que, por desgracia, muy pocos les han reconocido. De esta forma, a traves de estos cinco ensayos, hemos pretendido buscar la mirada, el sentimiento, la sensibilidad de estas mujeres/artistas a la luz de otras mujeres historiadoras/criticas que en un tiempo posterior añadiesen a su estudio y analisis, una perspectiva mas proxima y complice como resultado de su propia condicion y enfoque.

L’œil du photographe Robert Polidori a su capter les merveilles du Val de Loire en photographiant une trentaine des châteaux les plus magnifiques, que ce soit la remarquable salle féodale du château

Of Bridges & Borders nace en 2008, desde una iniciativa de dos asociaciones culturales radicadas en Barcelona y Suiza, el KBB (Kultur Buro Barcelona) y Toit du Monde (Vevey) y se materializa en 2009 como proyecto editorial, con la publicacion de un primer volumen que reune a 33 artistas y 4 autores contemporaneos, cuyos trabajos estan vinculados a la tematica de los puentes y las fronteras. Of Bridges & Borders, vol.II, amplia y enriquece la vision del proyecto colaborativo reuniendo en este nuevo volumen a antropologos, filosofos, artistas, investigadores, sociologos, editores, diseñadores graficos y arquitectos, que complementan la parte teorica del proyecto. Entre historias singulares e investigaciones complejas, los ensayos tratan sobre nuevas tecnologias, arte contemporaneo, migraciones y desarrollos de ciudades, innovaciones en la construccion, libertad de expresion y urbanismo utopico.

Vicenç Altaió ens parla, en aquest llibre, d’art, però no només d’art, també d’arquitectura, de cinema, de periodisme, de ciencia, d’identitat, de música, de fotografía, d’internet, de política i de

Cannibale Esta publicación recoge en una carpeta los dos números de la revista CANNIBALE publicados por Francis Picabia en abril y mayo de 1920, en versión facsímil traducida al castellano y el estudio introductorio del profesor Jose Antonio Sarmiento. Con este proyecto, Picabia abandona la estrategia que habia empleado en la revista 391, para ofrecer una vision mas radical del dadismo tal como se expone en su Manifiesto Canibal, tambien recogido en el estudio introductorio. A traves de breves comentarios, y sobre todo de frases sueltas, Picabia cuestiona el mercantilismo en el arte y la vigencia del cubismo, ridiculizando incluso a algunos de sus integrantes. Su menosprecio a la pintura moderna queda patente en su Cuadro Dada, que reproduce en una de las paginas de la revista. La composicion consiste en un mono de peluche fijado a una tela rodeado de las siguientes inscripciones: "Retrato de Cezanne - Retrato de Rembrandt - Retrato de Renoir - Naturalezas muertas". Ese mismo año, en mayo, Picabia deja de publicar la revista.En esta publicacion podemos disfrutar de la recuperacion de los dos unicos ejemplares de esta revista CANNIBALE, traducidos al castellano, con fidelidad tipografica y compositiva, es responsabilidad del CIDI (Centro de Investigaciones y Diseño de la Imagen) de la UCLM.

La exposición El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935 quiere ofrecer la oportunidad de conocer, juzgar y disfrutar del que ha sido llamado "el último estilo total" de la historia: el difícilmente definible art deco. Esta es la primera muestra que se le dedica en España y tambien la primera en celebrarse fuera de un museo generalista o de artes decorativas, en una institucion con un programa de exposiciones centrado fundamentalmente en el arte moderno.Lo que conocemos como art deco fue un estilo alternativo a la vanguardia: significo una modernidad mas pragmatica y ornamental que utopica y funcionalista y acabo convirtiendose en el gran estilo del deseo y el gusto modernos, tan caracteristicos de las sociedades occidentales y del capitalismo de las primeras decadas siglo XX. El gusto moderno. Art deco en Paris, 1910-1935 se organiza en ocho secciones, cronologicas y tematicas, a traves de las que se narra un fenomeno tan fascinante como poco conocido. Con mas de trescientas cincuenta piezas de pintura, escultura, mobiliario, moda, joyeria, perfumeria, cine, arquitectura, vidrio, ceramica, laca y orfebreria, ademas de tejidos, encuadernaciones, fotografias, dibujos, planos, maquetas, carteles publicitarios y revistas procedentes de mas de cincuenta colecciones publicas y privadas de Europa y Estados Unidos, la exposicion testimonia el aire de un tiempo tan dificil de captar como presente en nuestra cultura contemporanea.La muestra reune a 122 artistas, artistas-decoradores, diseñadores, couturiers, interioristas, arquitectos, artesanos o ensembliers cuyas obras articulan relato expositivo que busca los origenes del art deco en el Paris de la primera decada del siglo XX, revisa el cubismo como una de sus fuentes y ofrece una panoramica del lujo y la funcionalidad de los interiores franceses de los años veinte. Recorre despues la Exposicion Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de Paris en 1925 y presenta una cuidada seleccion de objetos resultantes de los procesos de seduccion para el consumo y creacion de nuevos habitos sentimentales, corporales e intelectuales que el art deco ejercio sobre la moda, la perfumeria, los complementos y los objetos decorativos. El gusto moderno. Art deco en Paris, 1910-1935 se demora tambien en el viaje moderno y en la presencia de lo exotico en el art deco centrada en la Exposicion Colonial de 1931 en Paris y llega hasta mediados de los años treinta, cuando la peculiar modernidad del art deco se reune y se mezcla con aquellas nuevas formas las de Charlotte Perriand, Le Corbusier o Eileen Gray habitualmente identificadas con la modernidad, de cuya historia el art deco, curiosa e injustamente, parece casi no haber formado parte.

En los últimos años del siglo XIX, Santiago Ramón y Cajal comenzó a realizar numerosos dibujos histológicos en los que se representaba, sobre todo, la morfología de los tejidos nerviosos, algo que siguio haciendo hasta principios de los años 30. Dichas ilustraciones fueron conocidas tempranamente por la comunidad cientifica, y tras la concesion a Cajal del premio Nobel en 1906 alcanzaron gran difusion en amplios sectores del pensamiento y la cultura. Las espectaculares y caracteristicas imagenes de las neuronas pasaron a ser patrimonio visual colectivo y contemplando las obras realizadas por Tanguy, Masson, Miro, Ernst y otros artistas en los inicios del movimiento surrealista, se detecta que muestran un parentesco formal innegable con los esquemas y representaciones histologicas de Cajal.

En junio de 2012 tenía lugar la última edición del festival In-Presentable, un espacio en el que artistas nacionales e internacionales han compartido con los espectadores todo tipo de prácticas, discursos, situaciones, acciones y obras.La pregunta de la que partieron los editores era como afrontar, tres años despues de su final, una publicacion que no solo hablase de la historia reciente del festival sino que tambien generase una experiencia por si misma. El equipo de editores se propuso retomar esta idea he invito a participantes del festival a hablar y dialogar entre si, dando lugar a ocho entrevistas. El diseño del libro sigue las pautas del primer volumen. Si en la primera edicion los contenidos se organizan con formato diccionario contraponiendo imagen con texto, la segunda ordena el contenido separandolos: se abre y cierra con imagenes que captan en vivo a muchos de los protagonistas de In-Presentable 2008-2012; mientras que las entrevistas a los invitados y el interrogatorio al que es sometido Juan Dominguez (comisario de In-Presentable) por el equipo editor, forma el bloque central de la publicacion.

Catálogo de exposición del Museo Guggenheim con la obra del pintor maldito Jean-Michel Basquiat.

El trabajo que presentamos aquí pretende profundizar en el entendimiento de la creatividad humana dentro de un esquema evolutivo. Suministrando a un equipo de artistas los conceptos básicos en que s

William Kentridge (Johannesburgo, 1955) ha creado un cuerpo de trabajo en donde a traves de medios tradicionales como el dibujo, el grabado y la animación cuadro por cuadro, se pregunta por los fundamentos de la representacion visual en la modernidad, la relacion entre imagen y narracion y la naturaleza de lo cinematico. William Kentridge. Fortuna reconstruye y despliega los diferentes caminos adoptados por el artista en la formacion de una gramatica visual singular, donde la subjetividad artistica se entremezcla en todo momento con la historia reciente de Sudafrica.

Amat/Lliure muestra parte de la antología visual del extenso diálogo cómplice entre Amat y este teatro que lleva inscrito en su nombre un compromiso que el artista comparte. La selección de obra se concentra en lo que Amat ha aportado al Teatre Lliure en los ultimos veinte años, desde la escenografia de Roberto Zucco (1993), dirigida por Lluis Pasqual, coincidiendo con lo que los periodicos de la epoca describieron como la ocupacion del Palau de lAgricultura de Montjuic por parte del Lliure, antes de la remodelacion de su nueva sede, hasta el montaje infantil Moby Dick (un viatge pel teatre) (2013), y reune producciones tan emblematicas como Tot esperant Godot, dirigida tambien por Pasqual, las colaboraciones con Gelabert en Zumzum-ka, Preludis y Ki, o la intervencion con el mural Pluja de sang en la reformada sala de Gracia.

Catálogo de la exposición"ARTE CONTEMPORÁNEO EN PALACIO. PINTURA Y ESCULTURA EN LAS COLECCIONES REALES"

A principios del siglo XIX gran parte del discurso filosófico alemán se halla bajo la influencia dominante de Kant, quedando a su vez la tradición de la filosofía escolástica barrida por el racionalismo heredado de Descartes y, unos años mas tarde, por el idealismo hegeliano. Pero todo este sistema de pensamiento heredado del siglo de las luces y de la particular Aufklarung alemana tuvo su reconsideracion y rechazo por parte del llamado romanticismo religioso. Movimiento donde por primera vez, cuestionando los logros de la Ilustracion, empezaron a experimentar una melancolia y un indefinible desencanto

Antón Lamazares (Maceira, Galicia, 1954) expone en el Círculo de Bellas Artes, Alfabeto Delfín, resultado de la evolución constante de un alma nómada y autodidacta. Una vida errante que le ha llevado a vivir en Paris, Berlin, Madrid, Barcelona o Nueva York y por la que ha podido conocer a personajes clave de la cultura contemporanea, entre los que encontramos a Antoni Tapies, Joan Miro, Carlos Oroza, Juana Mordo, Laxeiro, Alfonso Fraile, Alvaro Cunqueiro y un largo etcetera con los que se ha nutrido espiritual y artisticamente.Alfabeto Delfin trasluce la magia celtica y la musicalidad lirica implicita en la naturaleza gallega gracias a veintisiete letras, signos inventados, que dibujan poesia sobre fondos monocromaticos en cartones de gran formato.Este catalogo reune, ademas de setenta y cinco obras de este nuevo y magico alfabeto, tres textos a cargo de Francisco Calvo Serraller, Gustavo Martin Garzo y Juan Carlos Mestre, que nos ofrecen unas pinceladas para entender mejor el alma y la originalidad de Anton Lamazares.

En Twilight , Irijalba traslada el sistema de iluminación de un estadio de fútbol hasta Irati (Navarra), una de las últimas selvas que perduran en Europa. Al llevar a un contexto natural un potente sistema de iluminacion artificial destinado al espectaculo, esta obra plantea como operan las tecnologias de conocimiento desarrolladas por Occidente: en este caso, la luz artificial como generadora de un medio abstracto donde se hace posible un determinado tipo de conocimiento.Inertia proyeccion monocanal parte del mismo tema: un dispositivo de luz artificial, que, en esta ocasion, se desplaza por un bosque en absoluta oscuridad. El movimiento hace que el protagonismo pase del dispositivo luminico a la experiencia del espectador audiovisual, cuyo conocimiento depende de la tecnologia de la iluminacion y su registro.Ambos proyectos tratan sobre la luz como sistema de conocimiento, que permite unas condiciones artificiales de contemplacion y de registro de la realidad que estan en la base de la tecnologia fotografica y audiovisual contemporanea.

Manual de texto para la asignatura HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: SIGLO XXde la UNED

A book that is also a memoir.Over his long career as a gallerist, Massimo Minini has encountered a multitude of artists and forged lasting friendships with many of them. In these 80 brief texts, Minini paints miniature portraits that are irresistibly perspicaciousfull of wry humor and empathytelling anecdotes of fellowships and misunderstandings, bizarre demands regarding logistics and materials, the gargantuan efforts put into creating unforgettable exhibitions, the artists he courted and the ones who got away.A small anthology of candid confessions and unfiltered reflections, in an aphoristic style that is sure to fascinate and entertain any lover of contemporary art. Some of the many artists it depicts: Carla Accardi, Vito Acconci, Lucio Amelio, Robert Barry, Gabriele Basilico, Vanessa Beecroft, Alighiero Boetti, George Brecht, Daniel Buren, James Lee Byars, Luciano Fabro, Hans-Peter Feldmann, Yona Friedman, Alberto Garutti, Dan Graham, Peter Halley, Anish Kapoor, Sol LeWitt, Manfred Pernice, Emilio Prini, Gerard Richter, Tino Sehgal, Nedko Solakov, Ian Wilson, Francesca Woodman...