Libros de Arte moderno, página 12 de 44

Sigue las transformaciones del Barroco en América Latina y sus adaptaciones hasta el siglo XX, cuando deviene en propio de la identidad cultural latinoamericana. Versión española del original inglés,

Las arquitecturas pintadas fueron una de las opciones elegidas por muchos artistas para resaltar las escenas y los episodios representados en sus cuadros; grandes pintores tanto de la órbita mediterránea como del norte de Europa, desde el siglo XIV al XVIII: Duccio di Buoninsegna, Canaletto, Giovanni Paolo Panini, Tintoretto, Gaspar van Wittel, Hubert Robert, Maerten van Heemskerck o Hans Vredeman de Vries, entre otros. Comisariada por Delfín Rodríguez, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, y Mar Borobia, jefe de conservación de Pintura Antigua del Museo Thyssen Bornemisza, la exposición reúne la obra de muchos de estos prestigiosos artistas, procedente de colecciones particulares y museos de todo el mundo, con préstamos destacados de, entre otros, los Museos Vaticanos, la National Gallery of Art de Washington, la Galleria degli Uffizi, el Museo del Prado o, muy especialmente, Patrimonio Nacional. Pintar arquitecturas significa establecer la escena del movimiento o de la posición de las figuras, dotarlas de un lugar verosímil espacial y visual, histórico o mítico, legendario o imaginario, incluso convertirse en innovadores proyectos arquitectónicos pintados, o en elocuentes fragmentos de construcciones que guían, con muros y huecos, las emociones e historias representadas. La vinculación de la pintura de arquitecturas y ciudades al viaje es otro aspecto fundamental en este proyecto, así como analizar las aportaciones y soluciones arquitectónicas que, en ocasiones, los propios artistas realizan en sus obras.

Giralda es el nombre que recibe el campanario de la Catedral de Sevilla. Aunque fue construida a semejanza del alminar de la mezquita Kutubia de Marrakech (Marruecos), su remate superior y el hermoso campanario que eleva y estiliza su estructura es renacentista. Efectivamente, los dos tercios inferiores de la torre corresponden al alminar de la antigua mezquita de la ciudad, de la época almohade (finales del siglo XII), mientras que en el siglo XVI se añadió el cuerpo de campanas gracias al trabajo del arquitecto Hernán Ruiz el Joven, que además fue encargado por el Cabildo catedralicio para que el nuevo cuerpo tuviera un remate en forma de estatua que representara la Fe. La estatua fue instalada en 1568 y fue la escultura en bronce más grande del Renacimiento europeo. La palabra giralda proviene de girar y significa "veleta de torre que tiene figura humana o de animal". Con el paso del tiempo, ese nombre pasó a denominar a la torre en su conjunto, comenzándose a conocer a la figura que la corona como el Giraldillo. La Giralda, con sus 97,5 metros de altura -101 metros, incluido el Giraldillo-, fue durante siglos la torre más alta de España y actualmente lo sigue siendo de la ciudad, así como una de las construcciones más famosas de todo nuestro país. El 29 de diciembre de 1928 fue declarada Patrimonio Nacional y en 1987 integró la lista del Patrimonio de la Humanidad. Hoy, la Giralda y el Giraldillo son símbolos por excelencia de la capital andaluza.

Coord. Germán Ramallo Asensio. Se trata de una extensa obra, de más de 600 páginas, donde se trata de las repercusiones que tuvo la Contrarreforma derivada del Concilio de Trento en los ritos del culto catolico, y a su vez en la arquitectura y el arte de las catedrales. Se estudia este tema y su reflejo en las principales catedrales barrocas españolas, con un amplio grupo de expertos que investigan aspectos arte y culto como la hagiografia, la figura de Cristo, el uso de los claustros, la santidad de la mujer y su representacion.

Your whole life you've been taught to avoid making a mess: Try to keep everything under control, color inside the lines, make it perfect, and at all costs, avoid contact with things that stain. This book asks you to do the opposite of what you have been taught. Think of it as your own personal rumpus room. A place to let loose, to trash, to spew, to do the things you are not allowed to do in the "real world." It's time to make a mess. The only three rules you'll find in this book: 1. Do not try to make something beautiful. 2. Do not think too much. (There is no "wrong.") 3. Continue under all circumstances.

La definición de la época del Barroco, entendida como un conjunto de complejos acontecimientos culturales y artísticos acaecidos en Europa durante el siglo XVII, es una cuestión ampliamente discutida entre los críticos. En una de sus acepciones más difundidas, el Barroco queda circunscrito a ciertos aspectos del arte propio del siglo XVII que, centrando su atención en la Roma suntuosa, trastocó por completo las proporciones y el armonioso estatismo del Renacimiento, ya minados durante el anterior siglo por obra del Manierismo, con el predominio de líneas angulosas, el movimiento excéntrico de las formas, la audacia óptica del ilusionismo y la expresividad teatral. Bernini, Barromini, da Cortona y Rubens son, entre otros, ejemplos determinantes. Sin embargo, además de estas expresiones afectistas, el arte del siglo XVII presenta soluciones en absoluto distintas que se materializan en la pintura naturalista de Caravaggio, pero también en el clasicismo de Poussin y los Carraci, en la pintura intimista de Vermeer y en los registros pictóricos de Rembrandt y Velázquez. Reflejo de las vicisitudes sociales, políticas, científicas, culturales y religiosas que agitaron profundamente al mundo europeo, el Barroco, desde su aparición en el escenario italiano gracias a los encargos de la iglesia y las familias poderosas, brilla con un nuevo esplendor España, Francia, los Países Bajos y en otros lugares de Europa y ultramar, coincidiendo, al mismo tiempo, con el surgimiento de nuevos mecenas y coleccionistas y siguiendo caminos que se cruzan con la música, la literatura y el teatro. A principios del siglo XVIII, como fruto de la evolución más madura del Barroco, nace en Francia y se extiende al resto de Europa el estilo Rococó, que adopta formas ligeras y adornos arabescos, elegantes y de colores brillantes tanto en la pintura como en la escultura y en la arquitectura, antepone a los temas más específicamente sagrados o heroicos, los motivos relacionados con la ligereza de la vida aristocrática o las escenas de género; todo ello desde una actitud alegre, frívola pero también humilde y sin pretensiones. Watteau , Fragonard, Boucherm Canaletto y Bellotto son algunos de los representantes de este estilo de pintura, mientras que en la arquitectura destaca Neuman con la magnífica residencia de Wurzburgo.

Con viento favorable, la distancia desde Gaeta podía salvarse en apenas una jornada. Después de haber recibido la bienvenida en el viejo castillo que custodiaba la entrada del Reame, las galeras que transportaban a los virreyes hacia su nuevo destino, se adentraban en la región de la fábula, morada de los dioses y solaz de antiguos emperadores. Nápoles se hallaba en uno de los lugares más hermosos del mundo que, ya desde los tiempos en que era una colonia griega, había ejercido una irresistible fascinación en sus visitantes. Gracias a los virreyes, Nápoles se convirtió en una cantera de artistas que trabajaron intensamente para la corona española, y sobre todo, en el puente a través del cual la gran cultura de Italia llegó a la corte de Madrid y proporcionó la horma para modelar la imagen pública de los monarcas. La mirada italiana.

El pintor francès Gustave Courbet va fer trontollar el món de l'art al segle XIX. A través del seu pinzell la realitat entrava dins els quadres: naixia el realisme. Catàleg de l'exposició exhibida al MNAC entre abril i juliol de 2011 amb una selecció de les obres més remarcables de Courbet amb l'objectiu de resseguir-ne l'empremta al nostre país. Obres en la major part dels casos exposades per primer cop a Espanya que revelen la influència de Courbet en la pintura catalana del'època, a partir sobretot de l'obra de Ramon Martí Alsina, artífex de la renovació pictòrica i introductor del realisme al panorama artístic espanyol.

Este texto se centra fundamentalmente en el proceso de renovación del lenguaje artístico que tuvo lugar con el Humanismo. El punto de partida es la caracterización que el propio pensamiento del Renacimiento produjo de una parte de la cultura material de esa civilizacion como obras de arte, dando pie a una categoria historica y cultural que fundamentaria mas tarde la nocion actual de arte e historia del arte.

El deseo del autor es que este libro ayude a contemplar con otra mirada la iglesia de la Virgen de la Luz y San Antón de Cuenca, dentro del contexto histórico y arquitectónico en que surgió. Se dirige a capas heterogéneas de lectores con diversos niveles de análisis. Los devotos de las numerosas hermandades alojadas entre sus muros hallarán explicación de por qué sus imágenes emblemáticas se encuentran aquí y no en otra parte, así como del proceso histórico que define el panorama presente. Los estudiosos de la arquitectura española podrán contar con algunos elementos más de juicio para estimar, tanto con el texto como con las sugestivas fotografías de Santiago Torralba y el diseño de Begoña de Pablo, una hermosa muestra del arte barroco, que es además cabeza de serie de uno de los grupos arquitectónicos y espaciales más notables de la arquitectura española dieciochesca. Finalmente, las personas y las instituciones con-responsabilidad en la conservación del patrimonio encontrarán tal vez un motivo para la reflexión y un objetivo preferente, de altísima calidad artística como es la iglesia de la Virgen de la Luz y San Antón de Cuenca, para la salvaguarda y puesta en valor del legado que disfrutamos.

La arquitectura y las demás artes del periodo barroco representaban el mundo como el escenario de un gran teatro: la ostentación de los papas en Roma, el boato en la corte del Rey Sol, la pintura holandesa son reflejos de diferentes aspectos de la idea de un orden divino.

El Renacimiento italiano pertenece a los periodos artísticos más esplendorosos de Europa. El interés por esta época artística tan extraordinariamente productiva que abarca los años 1300 a 1600 ha sido hasta hoy inquebrantable. Impresionantes obras de todas las escuelas de arte plastico constituyen el foco de atencion de este volumen, en el que se explican de forma competente los distintos aspectos del arte renacentista italiano mediante esplendidas ilustraciones que invitan a su contemplacion.

52 lujosos volúmenes de 21 x 28 cm. Encuadernados con estampaciones de oro. Más de 35.000 páginas. 39.000 ilustraciones con las mas bellas imágenes. Constituye la Historia general del Arte más extens