eBooks de Artes Escénicas, página 14 de 110

NUEVA EDICIÓN 2015 ampliada de un manual imprescindible.Con aproximación histórica, introducción a la música y a los ritmos básicos.Explicación fácil y detallada de movimientos y posturas básicas de la danza.Los anexos incluyen entrevistas y una seleccion de articulos.

¿Por qué 25 ventanas? Una mirada hacia el lugar del conocimiento. Ventanas como impulsos para discernir sobre conceptos tanto teóricos como técnicos pero también sobre las realidades del actor y el director del siglo XXI, en todos los ambitos de su quehacer profesional. Un texto que tiene valor en la medida en que seamos capaces de trasladarlo a la realidad de nuestro trabajo. Y que un actor junto a un director son los que se atreven a construir personajes tan reales como imaginarios. No en la vida sino en la condicion del ensayo y de la escena.

«Algunos de los mejores camareros de Nueva York -dice el autor de este libro recordando su experiencia personal-pagaban 40.000 dólares al año para asistir a una escuela que no les estaba enseñando a

¿Puede el arte transformar la sociedad?El Living Theatre es el último intento de revolución desde la cultura. Es la historia de una utopía, de sus contradicciones y de su imposibilidad.¿Influye de alguna manera el arte sobre el ser humano?¿Transforma su conciencia? ¿Cambia su vida?En la apasionante historia cultural del siglo XX nadie intento responder estas preguntas con tanto empeño como el Living Theatre. Eslabon entre la vanguardia europea, la generacion beat, el hippismo y el tercermundismo, el legendario grupo de teatro experimental liderado por Judith Malina y Julian Beck se planteo un ambicioso objetivo: primero quisieron revolucionar la sociedad estadounidense con sus obras, en especial con Paradise Now, y luego liberar a los brasileños sometidos por la dictadura militar del general Medici con otra de sus creaciones, El legado de Cain, inspirada en las turbulentas novelas de Sacher-Masoch. Lanzaron una revolucion cultural en una democracia y meses despues en una dictadura. ¿Cuales fueron los resultados de esas dos batallas? ¿Logro el Living Theatre cambiar la realidad?Tanto en su peregrinaje a lo largo y ancho de Estados Unidos llevando el mensaje de Paradise Now, como en su busqueda de los mas pobres entre los pobres en las favelas y barriadas de So Paulo, Rio de Janeiro y Ouro Preto, el grupo se reunio y conspiro con las grandes personalidades de la cultura de todo el continente. Quiso inventar un Paraiso y finalmente lo consiguio. Pero, ¿era el que buscaba? Hasta el dia de hoy, el Living Theatre ha luchado por ampliar la esfera de libertades, actuando no solo con osadia, sino con valentia, para desafiar el autoritarismo y las convenciones que acotan la libertad individual.La critica ha dicho... Este ensayo es ideal para entender el papel del teatro experimental en el avance de la sociedad a traves de sus propuestas politicas y de una suerte de utopia comunitaria.La Razon

El primer libro de Tricicle: una enciclopedia enorme repleta de detalles deliciosos.Una enciclopedia que resume la trayectoria de la célebre compañía teatral en pequeñas dosis tan informativas como divertidas. Desde los inicios de tres amigos que querian comerse el mundo hasta los tres veteranos que siguen llenando teatros despues de treinta y cinco años. Una obra que mezcla anecdotas, viajes, teorias, datos, amigos, trucos teatrales, metodologia, improvisaciones, humor, manias, sueños, esperanzas y algun que otro pequeño fracaso que hace aun mas brillante su triunfo.Una obra chispeante, nada retorica, directa y cargada de humor... pero al mismo tiempo llena de reflexiones que no lo parecen porque ni son especulativas ni estan infladas de empaque. Leyendola en pequeñas dosis, como se leen los diccionarios para evitar los empachos, uno se hace una idea muy cercana y completa de la personalidad de sus componentes y de su impresionante trayectoria en el mundo del espectaculo.Una superguia Tricicle que atrapara a sus miles de admiradores desde la primera entrada.

¿Qué hace que una obra dramática sea buena?¿Cómo se relaciona una obra dramática con la vida cotidiana?Para David Mamet, uno de los ideólogos contemporáneos más carismáticos y comprometidos con la creacion artistica, el teatro con mayusculas satisface la necesidad humana de ordenar el mundo. Una buena obra dramatica lleva al protagonista a invocar frente al publico, en el escenario y a traves del propio personaje, la fuerza para continuar en la lucha por existir. El autor considera inherente a la naturaleza humana la necesidad de dramatizarlo todo: Nuestra comprension de la vida, nuestro propio drama se resume en tres partes: Habia una vez... Pasaron los años... Y un dia.Los ensayos contenidos en Los tres usos del cuchillo actuan como un elocuente recordatorio de que las vidas privadas se componen de pequeñas escenas de tragedia y comedia que solo tienen sentido como parte de una obra dramatica que es la propia biografia en su conjunto.Lleno de toques autobiograficos, David Mamet proporciona en este libro las claves para detectar el teatro tramposo y autocomplaciente que defiende la sociedad mediatica occidental. En su conjunto, Los tres usos del cuchillo es una llamada al arte y a las armas, un manifiesto que nos recuerda el poder singular de la obra dramatica para mantenernos sanos, cuerdos y humanos.

El sistema Stanislavski es la base pedagógica de la mayoría de las escuelas occidentales de teatro. En 1951 se editó El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, un complemento al libro que el mismo autor, Konstantin Stanislavski, escribio bajo el titulo El trabajo del actor sobre si mismo en el proceso creador de la vivencia (Alba Editorial, 2003). La influencia que ambos libros han tenido en el teatro y en el cine sovietico, norteamericano y de muchos otros paises ha sido enorme. Este segundo volumen que tardo mas de 20 años en gestarse- representa la ardua publicacion, en su momento, de un conjunto de borradores mecanografiados, otros escritos a mano, con anotaciones en los margenes y con multitud de esbozos. La guerra y la posguerra hicieron aun mas dificil la publicacion pero finalmente los manuscritos vieron la luz, gracias tambien a la colaboracion de Stanislavski que poco antes de su muerte aparto los manuscritos necesarios para concluir del libro. En El trabajo del actor sobre si mismo en el proceso creador de la encarnacion, actores, directores de escena y cualquier lector avido de conocer de primera mano el germen de El Metodo hallara el entrenamiento fisico-vocal que Stanislavski propone para poder abordar el personaje. Escrito con el didactismo que le caracteriza, este texto de autentica referencia llega por fin al lector español en traduccion directa de su lengua original, tal y como el maestro ruso lo concibio.

p>Stanislavski comenzó a redactar lo que sería El trabajo del actor sobre sí mismo en 1909, aunque la obra tardaría casi treinta años en ver la luz. En 1920 el Teatro del Arte de Moscú realizó una

El film-ensayo es un subproducto que ha sido incansablemente generado desde el siglo de Montaigne, y que se ha plasmado en esos ejercicios liminares de escritura como los diarios personales, los autorretratos, los ejercicios epistolares, los diarios intimos, las autobiografias, los ensayos. Este libro reflexiona sobre el film-ensayo. A partir de una indagacion en los dispositivos retoricos propios del ensayo literario, se profundiza en la significacion especifica del cine documental, en las caracteristicas generales de la forma ensayo y en la relacion de las imagenes con el pensamiento. El film-ensayo es un laboratorio donde puede examinarse la confluencia de distintas formas de saber: literario, filosofico, artistico, emocional, tecnologico, psicologico o cientifico. El volumen incluye un analisis de las obras de cineastas que, para el autor, han sido especialmente significativos.

En este clásico estudio, Fredric Jameson da cuenta, con destreza y sensibilidad incomparables, del teatro político de Bertolt Brecht, y sostiene su importancia para las prácticas artísticas de una época turbulenta.Desplazandose sin esfuerzo entre obras de teatro y poesia, escritos sobre teatro y el ricamente enigmatico Me-ti. El libro de las mutaciones, Jameson rearma el mosaico de doctrina, extrañamiento, gestus y subjetividad que dieron forma al metodo de Brecht. En su intento por construir contradicciones en multiples capas, segun Jameson, el metodo brechtiano abre la posibilidad para los individuos de comprender mejor su lugar en la historia, de juzgar sus condiciones con la agudeza de una tercera persona y quiza de formular tambien nuevos futuros caminos."[Una] elegante diseccion del metodo de Brecht, desde el extrañamiento hasta la alegoria y mas alla" (Modern Drama)."El critico marxista mas importante de Estados Unidos. Un pensador prodigiosamente energico cuyos escritos recorren majestuosamente desde Sofocles hasta la ciencia ficcion" (Terry Eagleton).

Este ebook presenta "Sueño de una Noche de Verano" con un sumario dinámico y detallado. Sueño de una noche de verano (A Midsummer Nights Dream) es una comedia escrita por William Shakespeare alrededor de 1595. Esta considerada como uno de los grandes clasicos de la literatura teatral mundial. Al parecer fue escrita con motivo de la conmemoracion de la boda de Sir Thomas Berkeley y Elizabeth Carey, en febrero de 1596. Felix Mendelssohn escribio una obertura y otras piezas musicales inspirado en esta obra que se utilizaron como acompañamiento musical de la obra a lo largo del siglo XIX. Ya en el siglo XX, en 1960, Benjamin Britten compuso una opera sobre el mismo tema con libreto del propio Britten y del tenor Peter Pears. La obra teatral ha sido adaptada en numerosas ocasiones al cine y su influencia ha sido notable en la cultura anglosajona. William Shakespeare (1564 1616) fue un dramaturgo, poeta y actor ingles. Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon (o simplemente El Bardo), Shakespeare es considerado el escritor mas importante en lengua inglesa y uno de los mas celebres de la literatura universal.

En este texto, fruto de más de cuarenta años dedicados a la formación de actores, Uta Hagen define los objetivos que debe perseguir un actor y proporciona las técnicas específicas para lograrlos. Así, plantea ahondar en los sentidos fisicos y en la propia psicologia para ofrecer una buena interpretacion, y propone ejercicios que permiten recrear emociones autenticas en escena. Gran conocedora de las dificultades con que se enfrenta un actor al dar vida a un personaje, ofrece tambien soluciones a dificultades concretas como la forma de recrear el aire libre en la escena, encontrar una ocupacion mientras se espera en el escenario, hablar con el publico, aprender a usar la imaginacion historica y ser capaz de interpretar personajes de epoca con autentica conviccion. En definitiva, Uta Hagen ofrece un sinnumero de ayudas practicas que han hecho de ella una de las pedagogas mas influyentes de Estados Unidos, con alumnos tan destacados como Geraldine Page y Jack Lemmon, y de Un reto para el actor un bestseller en lo que a aprendizaje teatral se refiere.

«Boal ha conseguido lo que Brecht soñó: crear un teatro útil que resulte entretenido, divertido e instructivo. Es una clase diferente de teatro, una especie de terapia social -centra la mente, relaja

Este libro es el resultado de una rigurosa investigación, correspondiente a una larga praxis metódica, allegando procesos pedagógicos, deportivos y artísticos, desarrollados por más de tres décadas en distintas instituciones educativas de la ciudad de Cali, clasificando, adaptando, sistematizando y comprobando dinamicas corporales con estudiantes en diferentes etapas de desarrollo y desde diversos enfoques y aplicaciones. Sin duda, el mayor desarrollo se evidencia a partir de 1996, cuando empiezan a ser implementadas como contenidos programaticos en los diferentes niveles del Taller de Movimiento, asignatura propia del programa academico de Licenciatura en Arte Dramatico de la Universidad del Valle. Proponer una via de entrenamiento corporal para artistas escenicos en formacion es de hecho ambicioso, ya que los aspectos a abarcar son demasiado extensos tanto en sus contenidos como en su implementacion. Al utilizar como recurso la acrobacia, una disciplina que exige trabajar imperiosamente el aspecto tecnico y a la vez involucra el estudio del cuerpo en terminos de accion, direccionada de forma intencional por la mente en una constante interrelacion, se presenta la propuesta con la certeza de que servira de referencia a aquellos artistas y pedagogos que emplean el cuerpo en un trabajo escenico concreto. Como valor agregado, el contenido puede ser perfectamente adaptado y aplicado a otras areas del saber relacionadas con la corporalidad, ya sea para su desarrollo, conocimiento o entrenamiento, pues guia y apoya, a traves de la practica, aplicacion y comprobacion, la validacion de un metodo basado en la acrobacia como recurso tecnico. Con esa consideracion, la propuesta se presenta como un modesto aporte en el proceso de formacion de artistas escenicos; no constituyendo en si un metodo actoral ni dancistico, ella abarca solo aspectos del orden de lo corporal y una tecnica en particular, planteando y tratando contenidos encaminados basicamente a apoyar al estudiante en la adquisicion y desarrollo de recursos fisicos para la escena, desde donde debe integrarlos, vivenciarlos, comprobarlos y aplicarlos a la compleja estructura de la interpretacion. En la primera parte se consignan conceptos y referencias, ubicando el proyecto en su contexto particular; la segunda parte corresponde a la descripcion a traves de una guia ilustrada por medio de fotografias de dinamicas acrobaticas ordenadas, dirigidas a conducir gradualmente al estudiante de artes escenicas al conocimiento y manejo de su estructura corporal, pensada para una posterior aplicacion escenica. Las secuencias estan diseñadas de forma progresiva e interrelacionadas, encaminadas hacia una comprension segura del movimiento; la estructura de los capitulos esta definida por temas expresados en dinamicas que buscan coherencia y relacion respecto de la caracteristica y finalidad del movimiento.

CONTENIDO: Las Coplas por la muerte de su padre, son una elegía escrita por Jorge Manrique en la muerte de su padre, el Maestre de Santiago don Rodrigo Manrique. Escritas, al menos una parte, con posterioridad al 11 de noviembre de 1476, fecha de la muerte de don Rodrigo Manrique, constituye una de las obras capitales de la literatura española y, sin duda, el mejor poema lirico de la poesia medieval castellana.Esta obra pertenece al genero poetico de la elegia funeral medieval o planto y es una reflexion sobre la vida, la fama, la fortuna y la muerte con resignacion cristiana. Se inspira en los precedentes clasicos y medievales del genero y en el Eclesiastes, pero tambien contiene alusiones a la historia reciente de Castilla e incluso a sucesos en los que pudo estar presente el propio autor.Esta pequeña obra forma parte de una coleccion, Libros de Mejor Vista, pensada para aquellas personas que tienen problemas con las ?letras pequeñas?, propias de los textos actuales; neolectores o lectores de vista cansada que tengan interes tanto por los clasicos como por los autores actuales.AUTOR: Jorge Manrique naceria en Paredes de Nava (Palencia). Fue hijo de Rodrigo Manrique (1406-1476), Maestre de Sant iago y poeta aficionado. En 1470 contrae matrimonio con Guiomar Meneses, hermana de su madrastra. Lucho junto a los Reyes Catolicos, que le dieron la capitania de la Santa Hermandad en Toledo. Herido mortalmente en una escaramuza, fue enterrado en el monasterio de Ucles y trasladado junto a su padre.Gran parte de sus poemas amorosos se leen en el Cancionero General (1511 y 1514). Ofrecen simbolos belicos: el amor como conquista; el enamorado como cautivo, etc. Juega con el nombre de su esposa en acrosticos o silabas enlazadas; ofrece hiperboles sacroprofanas y alusiones a Fortuna. Las Coplas a la muerte de su padre (h.1476-79) aparecen por vez primera en Zamora, 1483. Las Coplas reflejan lecturas de historia antigua y ecos de Ciceron y Seneca. Tratan el tiempo y la muerte con sencillez. Por eso, Jorge Manrique es hoy el mas importante de los poetas medievales españoles.

La danza es una forma de expresión con una larga historia y que ha ido adoptando formas diversas junto con la evolución del ser humano. En el camino que recorre el bailarín durante su aprendizaje, encuentra retos a superar de distinta indole (fisicos, psicologicos, culturales...). El abordaje de estos retos puede mejorar a traves de un mejor conocimiento del propio cuerpo y del propio trabajo.En El cuerpo en la danza los autores presentan los conceptos basicos de la biomecanica de la extremidad inferior, de la columna vertebral y de los mecanismos reguladores de la postura, y como esta biomecanica y estos mecanismos pueden modelarse y adaptarse a los diferentes tipos de danza para que el bailarin sea capaz de alcanzar la perfeccion de su gesto dancistico.Tambien a lo largo del texto se exponen las diferentes patologias que con mayor frecuencia pueden afectar al bailarin y su intima relacion con la alteracion de la biomecanica normal.

La naturalidad televisiva se lo ha devorado todo. ¿Qué hará el actor con lo que la televisión ha hecho de él? ¿Hace falta actualizar la reflexión teórica sobre la técnica interpretativa? ¿Es posible recuperar la esencia que los medios tecnologicos han conseguido anular? ¿Por que se pretende que la actuacion sea una mera copia de lo real? ¿Es posible superar la carcel de las tradiciones y la condena de la metodologia americana basada en la copia de la vida? ¿Podemos concebir la tecnica como construccion de algo que no es ni calco, ni forma preconcebida, ni algo existente antes de que el actor lo construya? Los encuadres teoricos que propongo aqui sirven para comprender los principios tecnicos de una pedagogia que mira a la recuperacion de la esencia. En la formacion del actor, defino las dificultades de articulacion de cada individuo con la tecnica y luego visualizo los diferentes momentos que intervienen en el proceso de elaboracion de un personaje. Abordo los problemas que propone el trabajo sobre cada texto con el fin de entender la singularidad de estos procesos. Tanto en escenas naturalistas o realistas, como en las escenas del llamado teatro clasico, es fundamental subrayar el equilibrio entre vivencia y signo escenico, e integrar la cuestion de la palabra-cuerpo. Teatro es lo que ocurre. El actor no debe aprender una tecnica interpretativa para tener razon, sino para poder crear sin traicionarse.

Hamlet, hijo del difunto rey de Dinamarca, se siente melancólico y abatido por las cosas del mundo. Su madre se ha casado con Claudio (el hermano de su padre), el nuevo rey, y Hamlet deambula por el palacio lleno de sospechas y dudas. Dos meses despues de la muerte de su padre, Hamlet es visitado por el fantasma de su padre y le informa que ha sido asesinado por Claudio para llegar a ser rey y casarse con su madre.

«Es un tormento no estar en condiciones de reproducir con fidelidad lo que con tanta belleza siente uno interiormente. Es una insatisfacción como la que sentiría un mudo que, al tratar de comunicar s

Verdadero y falso es una granada de mano en forma de libro, diseñada para dinamitar el teatro pretencioso y deshonesto que se practica hoy en día. Sunday TimesPublicado en 1998 por primera vez, Verdadero y falso se ha convertido en un titulo de referencia para el actor y el creador actuales, que a menudo, se encuentran atrapados entre su propio oficio y el negocio del espectaculo. Este libro se dirige al actor de una forma tan sincera como irreverente, Arremete contra las vacas sagradas de la interpretacion -especialmente contra los valedores del metodo Stanislavski y los agentes del negocio teatral- y propone en cambio nuevas formas de valorar y acercarse a un personaje, de trabajar un texto, de enfocar los ensayos y las audiciones y de sobrevivir, con la maxima cordura, en el negocio de la interpretacion conservando y protegiendo tanto la dignidad personal como el compromiso actoral.Mamet apela al coraje que requiere mostrarse en escena como acto en si, sin añadidos, y disecciona, con su mordacidad habitual, las razones por las que un actor no debe asistir ni a escuelas ni a cursos de interpretacion. Desbancando los lugares comunes, proporciona a la vez una valiosa orientacion para que el actor pueda sacar lo mejor de su oficio.