Libros de Arte contemporáneo, página 4 de 165

Tras los acuerdos de paz en Centroamérica, artistas de Belice, Honduras, Guatemala, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica y Panamá inician una producción marcada por la utilización de la palabra escrita como parte de obras de arte visuales. Este elemento, predominante dentro de esta nueva generacion de artistas, es fundamental para la comprension de las diferentes dimensiones de las relaciones entre la cultura visual y la verbal en un contexto de gran inestabilidad politica, simbolica, economica y cultural. Las experimentaciones artisticas con las relaciones entre imagenes y palabras muestran la necesidad de replantearse los registros simbolicos relativos al espacio, la sujecion, la violencia y la mirada. Cada uno de estos registros implica una logica: instalacion, interpelacion, intercambio y friccion. Cada una de estas logicas representa un contexto de disputa social sobre las convenciones mediales que definen, dominan y separan las culturas verbales y visuales. Se trata de una disputa social por la palabra y la imagen, y por ende, por la memoria, la historia, la verdad, la justicia y la formacion de sensibilidades.

Galería de Arte Pilares. Catálogo de Exposición.

Glosa de las conversaciones mantenidas, en 1922 en su casa-jardín de Giverny, con el escritor, premio Goncourt, Marc Elder

En OVNI Archive (UFO Archive, 2007-2012), Rosell Meseguer profundiza en los procesos de pensamiento, tan oscuros como fantasmagóricos, que forman parte del mundo del espionaje. La artista enlaza, segun sus propios criterios cognitivos, el periodo de la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fria con el actual mundo del espionaje. El archivo consta de una coleccion construida por Meseguer de fotografias, recortes de periodicos, libros y materiales similares que nos conducen como si se tratara de pistas a un mundo insondable de pensamiento politico. Las agrupaciones del archivo -construidas como ramificaciones- y sus conexiones, son una reminiscencia al Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, con Meseguer siguiendo las huellas misteriosas del servicio secreto subterraneo como una psico-historiadora.

La pintura de Raúl Cordero (nacido en La Habana, Cuba, en el año 1971 y residente en México, D.F.) como toda la pintura que se ejercite desde la práctica auto-analítica del gesto pictórico en sí, es decir, como gran parte de la pintura de la segunda mitad del siglo XX, participa de esa paradoja ontologica de ser una trampa y un engaño (para el ojo), un juego y un divertimento (para la mente), y un placer y un regalo (para las manos, la piel, el olfato... el sentido y el conocimiento) de quien la hace, y de quienes la disfrutamos.Su obra se centra en su gran mayoria en la creacion de un corpus pictorico que pretende no permitir ser etiquetado facilmente, mientras -a su vez- nos ofrece la posibilidad de vincularlo con cuanta etiqueta, corse o jaula conceptual-historicista tengamos a mano; siempre y cuando esta jaula, corse o etiqueta, le sirva para continuar argumentandose como Pintura, y simultaneamente, le sea util para escaparse de su propia claustrofobia como medio y lenguaje (que ademas carga con una eterna tradicion casi ancestral).Desde esta condicion escurridiza y zigzagueante la obra de Cordero se desplaza alrededor de la idea de almacenar un incalculable potencial de posibilidades de dudas. Siendo la incertidumbre y su peso, su sentido iniciatico, fundacional, lo que le da pie a crear.Por ello quizas, en los ultimos ocho o nueve años (desde sus series Expenditures, 2003-2009 o De titulos opcionales, 2006), en su ultima produccion pictorica la incorporacion de elementos conceptuales-descriptivos, se hace cada vez mas latentes, porque mediante este guiño verbal (en muchos casos construido desde la documentacion y/o registro de un proceso), Raul puede liberar de su peso a las herramientas narrativas del lenguaje de la Pintura, haciendola ligera

AM "Situation 2011 explores the implications of enlarging a museum space and, above all, of its consequences" AM

As seguintes historias teñen como punto de partida as series de retratos "Ollo Ledo" e "Taschen". Desde un principio entendin que cada un destes retratos son universos ben diferentes, e que de todos e cada un deles poderia falarse ou contarse alguna historia. de ai que non quixera personalizar nestas pinturas senon engadir ficcions e relatos doutros personaxes xirando o redor da idea do retrato, da beleza, do engano da beleza ou da construcion da personalidade, en definitiva.

SEMEFO es el acrónimo con el que se conoce al Servicio Médico Forense del Distrito Federal de México. Un nombre del que se apropian y con el que forman el colectivo artístico, a principios de los noventa, Teresa Margolles, Arturo Angulo Gallardo, Juan Luis Garcia y Carlos Lopez Orozco. Un nombre contundente y descriptivo con el que este grupo irrumpe en la escena artistica mexicana realizando trabajos muy explicitos en los que la muerte, los cadaveres y los fluidos corporales, entre otros, les sirvieron no solo para generar una aproximacion estetica a este tipo de asuntos controvertidos y considerados de mal gusto, sino para provocar una reflexion profunda en torno a la corrupcion, la criminalidad y la impunidad en Mexico.En esta linea y con la intencion de llevar la cultura de la periferia a los centros de arte, el grupo SEMEFO realizo presentaciones multidisciplinarias que abordaban la violencia y los tabues combinando elementos de las artes plasticas, la performance, el teatro y la musica trash-metal. Interesados como estaban desde un principio en el tema de la muerte, su trabajo paso de la utilizacion de materiales organicos de origen animal a los restos de cadaveres provenientes de la morgue, trasladandose ademas al terreno del arte conceptual y la escultura minimalista. A partir de la fascinacion por lo que llamaron "la vida del cadaver", el colectivo genero obras que actualmente se consideran representativas del arte mexicano y herederos de la tradicion de representacion de la muerte.Durante la decada de los noventa se implementaron de lleno las politicas neoliberales en el pais y el mercado comenzo a dominar la condicion de produccion del arte, que paso del ambito del underground a los espacios institucionales. Es en este contexto que se revalorizan la juventud y las manifestaciones culturales consideradas transgresoras. Cualquier forma de arte no convencional paso a denominarse "arte joven" y el discurso de lo alternativo funciono como via para que Mexico se insertara en el circuito internacional. La trayectoria del colectivo SEMEFO describe muy bien a los actores y escenarios de este periodo mientras su obra refleja las contradicciones implicitas en la construccion de identidades artisticas y nacionales.Contiene textos de Jose Luis Barrios, Mariana David, Luis Javier Garcia Roiz, Barbara Perea, Jorge Reynoso Pohlenz y Pilar Villela Mascaro

Guillermo Gómez-Peña. Homo Fronterizus: 1942 - 2020 es la primera exposición de carácter retrospectivo de este artista, intelectual y activista mexicano. Gómez-Peña es una de las figuras internacionales mas relevantes e influyentes en la disciplina artistica del performance de las ultimas decadas, asi como un destacado intelectual en la elaboracion de propuestas relacionadas con los territorios de las nuevas culturas fronterizas y mestizas contemporaneas. Las nuevas formas de cultura y de convivencia social y politica generadas por los procesos continuos de las migraciones de los pueblos, la irrupcion de las nuevas tecnologias y espacios de comunicacion, son territorios ineludibles de exploracion en su trabajo. Ampliamente critico hacia las fuertes contradicciones inherentes al sistema dominante globalizador neoliberal, su territorio de accion se situa en espacios experimentales, cross e interculturales dejando constancia del territorio del performance y del arte como espacios imprescindibles de accion en libertad. Su trabajo es ampliamente interdisciplinar, extendiendo su campo de accion a la literatura y el periodismo, videocreacion, fotografia, instalacion, radio, television, "spoken word", performance y teoria cultural, siendo la pedagogia artistica-performativa un aspecto igualmente fundamental en el conjunto de su trabajo. Como parte de su sistema hibrido intercultural y fronterizo, mezcla el ingles y el español, espanglish, junto a sus propias neo-lenguas de resonancias futo-primitivistas, generando espacios multilingues polisemicos de realidad y ficcion, espacios para un nuevo Homo Fronterizus. Este proyecto se plantea como una invitacion al espectador a adentrarse en el universo e imaginario de este artista e intelectual imprescindible mexicano, Guillermo Gomez-Peña, a traves de sus propuestas en video y foto-performance, instalacion interactiva y espacios sonoros, acompañado de objetos, textos y paneles didacticos. Un viaje para sentirse Homo Fronterizus que comienza en 1492 y que se expande en el Siglo XXI. Nacido en Mexico D.F. en 1955, estudia Filosofia y Letras y Filologia en la Universidad Autonoma de Mexico y en 1978 emigra a los Estados Unidos cuando es admitido en el Instituto de Artes de California, Cal Arts. Actualmente reside en San Francisco donde tiene su base de operaciones y dirige el colectivo de performance La Pocha Nostra del que es fundador y cuyos circulos concentricos de accion se extienden por los cinco continentes. Como escritor cuenta en su haber con mas de una decena de libros editados en ingles y español, y posee un extensisimo curriculum internacional con numerosos premios y reconocimientos como la MacArthur Fellowship, el American Book Award o el Pix de la Parole en el International Theather Festival of the Americas en Montreal.

Por primera vez un trabajo serio sobre la creación de libros de artista. Herramienta esencial para las personas vinculadas al libro de artista: creadores, impresores, encuadernadores, coleccionistas... El propio libro es casi una obra de arte por su elegante diseño.

Pello Azketa, un pintor al que se puede encuadrar dentro de la llamada Escuela de Pamplona (un grupo de artistas que comenzaron a crear a finales de los años sesenta y donde también cabe incluir a pintores como Luis Garrido, Pedro Salaberri, Mariano Royo, Pedro Oses, Joaquin Resano y otros), es un artista que necesitaba una mirada atenta al conjunto de su trayectoria de casi cuarenta años. Este libro sobre su obra, incluido dentro de la coleccion Conversaciones con artistas navarros, incluye tres textos sobre el sentido y el valor de su camino artistico, redactados por Arturo Redin, Mercedes Alvarez y Pedro Salaberri, y sobre todo reproduce una parte muy significativa de la obra producida por Azketa a lo largo de los años, de manera que el lector pueda confrontar los analisis de los expertos con lo que, intimamente, los cuadros reproducidos le sugieren o revelan. Tantos los textos como las reproducciones de sus obras sirven para conocer, recapitular, entender las constantes que han marcado su labor, e incluyen datos muy valiosos para conocer los origenes de la tarea artistica de Azketa, sus descubrimientos entusiastas, las influencias que recibio o las rebeldias que motivaron sus avances.

Desde una perspectiva histórica, el autor ofrece respuestas convincentes a toda una serie de cuestiones que sirven para desmenuzar el papel de los artistas, el mercado, los críticos de arte, las instituciones, etc.¿Quién puede decir qué cuenta como arte contemporáneo? ¿Artistas, críticos, curadores, marchantes, el propio público? De este modo construye una definición multifacética y consistente que sortea la afirmación simplista de lo que se produce en la actualidad. Para ello explora las principales corrientes en cuestión: el regreso al modernismo en artistas como Richard Serra, o el retrosensacionalismo de otros como Damien Hirst y Takashi Murakami; el modo en que artistas poscoloniales se ocupan de temas como la identidad, la historia y la globalización, etc. Analiza también la postura de los museos,las galerías y las casas de subasta en relación con las tendencias artísticas actuales, revelando el papel que han ocupado en la redefinición de la noción de valor artístico.

Santander: Fundacion Marcelino Botin, 2013. 27cm., pbk., 179pp. illus., most in color. Spanish-English text. Exhibition held at Fundacion Botin, Santander. Artists: Antoni Abad (Lérida, 1956), Karmelo Bermejo (Malaga 1979), Andre Guedes (Lisboa, Portugal, 1976), Julia Montilla (Barcelona, 1970) Javier Nuñez Gasco (Salamanca, 1971), Joao Onofre (Lisboa, Portugal, 1976), Jorge Satorre (Mexico DF, Mexico, 1979) y David Zink-Yi (Lima, Peru, 1973).

La presente publicación pretende ofrecer una visión diversificada de la gráfica contemporánea y constituirse como una plataforma crítica desde la cual puedan surgir nuevos interrogantes y sinergias, desde nuestros dos polos de investigacion. Con el presente proyecto se ha buscado generar un espacio de dialogo y contribuir a un intercambio cada vez mas fecundo en la relacion del ambito docente y la investigacion artistica en Europa. De la huella a lo numerico presenta un abanico de propuestas visuales que parten indistintamente de ambas escuelas, en Francia y en España, con la aportacion de estudiantes, profesores, ex-alumnos y artistas invitados para ofrecer una vision panoramica de lo que sucede en el amplio marco artistico a ambos lados de la frontera Franco-Española. Asimismo, a fin de jerarquizar lo variado del discurso, todas estas voces se articulan en torno a distintas tipologias graficas: incision, signo o memoria, contrapuestas con las esteticas de las desapariciones y el collage visual impreso sin contacto ni presion, o la discretizacion frente a la analogia.

En este número tendremos la oportunidad de presentar los trabajos de artistas como Tadahiro Uesugi (creador de la portada) , Laura Varsky , Kaz, C215... y muchos más. Os adelantamos la próxima portad

El libro recoge el trabajo desarrollado por la artista Ana Soler entre los años 2009-12. Se catalogan obras pertenecientes a este periodo y se reflexiona conceptualmente sobre lo invisible de lo visible, recreandose en la metafora sobre la complejidad que dibuja el ambito cotidiano en relacion con el tiempo. Entornos privados que se transforman en contornos, rodeando, dislocando la temporalidad de lo ordinario.El proyecto On/Off. Causa-Efecto se centra en el otro lado de lo cotidiano, el lado impenetrable, el silencio del blanco que detiene la vida, la aparente vida, en el tiempo. Se establecen un orden de relaciones causa-efecto, donde los codigos y su aplicacion plantean consecuencias que distorsionan la realidad.

Cuando una obra de arte -sea esta clásica, pre-moderna, moderna o contemporánea- no te deja impasible ante su presencia, logra su objetivo. Saca del espectador las dudas, sensaciones, sentimientos, recuerdos o ideas que alrededor de la experiencia de su apreciacion, su presencia evoca. Marina Vargas, es una artista nacida en Granada, España, en el año 1980, que logra definitivamente esta experiencia, ante cualquier obra de su amplia produccion; una produccion que abarca desde el dibujo, la pintura, la pintura-escultorica, la escultura, la fotografia, el videoarte y la instalacion mas pictorica-dibujistica, no puedes quedarte impasible. Ella te obliga a posicionarte frente a su obra como quien esta siendo testigo de cualquier enunciado sentimental, escudriñando en las entrañas de nuestros miedos y nuestros deseos, e incluso a veces, mediante un acto escatologico que pudiera provocarnos repulsion. Con estos condicionantes, dados por la visceralidad de la que hace gala, la divergencia estetica de su barroquismo o su despliegue simbolico, la artista te atrapa en una relacion de AMOR/ODIO, atraccion/rechazo, empatia/apatia... ante lo que nuestros ojos se manifiesta como su arte. Una situacion que ocurre por una operacion muy elemental de dicotomia estructural de las herramientas visuales con las que la artista trabaja habitualmente, ella saca ante nuestra mirada sus visualizaciones de la vida y la muerte, la fe y el agnosticismo, el orden y el caos de nuestro tiempo y nuestro pasado.Incluye textos de Omar-Pascual Castillo, Oscar Alonso Molina, Fernando Castro Florez y Fer Frances.