Libros de Historia general del arte, página 6 de 336

Conceptos fundamentales de la historia del arte responde a la necesidad de ordenar y conceptuar la gran cantidad de hechos y datos que surgen en el estudio del arte y su evolución histórica. A través de un rico analisis comparativo entre obras del Renacimiento y del Barrco, el critico suizo Heinrich Wolfflin (1864-1945) llega a la caracterizacion de los dos estilos por la generalizacion de sus diferencias, que formula por pares de conceptos contrapuestos: lo lineal enfrentado a lo pictorico, lo superficial a lo profundo, la forma abierta a la cerrada, la pluralidad frente a la unidad, la claridad absoluta ante su atenuacion como intento de concentrar y dirigir la percepcion. Estas diferencias caracterizan tanto el estilo personal de un artista como un estilo de epoca. Wolfflin intenta asi establecer las pautas para una Historia del Arte en la que se pueda seguir en sus distintas fases la genesis de la vision moderna en todas sus manifestaciones: pintura, escultura, decoracion y arquitectura. Un libro clasico y de utilidad permanente por el entrenamiento que, con su capacidad analitica, proporcionara no solo a los estudiosos del arte, sino a los que simplemente quieran aprender a disfrutar de el.

La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades tienen 4 secciones (episodios, atributos, funciones y representaciones), mientras que en las dedicadas a los heroes son solo 3, pues desaparece la referida a las funciones. La obra se completa con cuatro apendices dedicados al estudio de aspectos concretos de iconografia clasica: el primero, a elementos y simbolos de iconografia funeraria. el segundo, al proceso de asimilacion y apropiacion de la mitologia por el cristianismo. el tercero hace un recorrido por la distinta valoracion y significacion iconografica que ha tenido la figura de Venus y el desnudo femenino desde la Edad Media hasta el Barroco. y el cuarto y ultimo, a la utilizacion del legado clasico por las monarquias autoritarias y absolutas de los siglos XVI y XVII en la configuracion de una iconografia del poder politico. Completan el libro un indice de nombres y una orientacion bibliografica sobre mitologia e iconografia clasicas.

La presente obra constituye un práctico instrumento de consulta para iniciarse en el mundo de la iconografía cristiana. El lector encontrará en ella la información básica sobre los personajes bíblicos y sobre los santos mas importantes y representados en obras de arte. El libro se completa con un indice de temas cristologicos y marianos en donde la historia, la religion y el arte se unen para desentrañar los simbolos o significados que se ocultan detras de cada representacion.

El profesor Esteban Lorente ha realizado un trabajo sólidos y riguroso que alude al significado profundo de la obra de arte desde una perspectiva global histórica y artística en el ámbito del Occidente europeo. Con un sentido investigador y didactico renovador el autor nos presenta algo mas que un simple manual. su vasto conocimiento en muchas parcelas del saber dota al libro de una proyeccion mas amplia. En palabras de Gonzalo M. Borras: Esta obra esta destinada a convertirse en un clasico del tema

Bajo la dirección de Ursula Hatje, un prestigioso equipo de especialistas han elaborado este panorama general de la estilística, donde junto al dato preciso e indispensable se expresan las características historicas de cada tendencia artistica, incluido los movimientos renovadores mas crecientes.

Este libro sirve para quienes buscan una primera aproximación a la Historia del Arte, pero tambien para aquellos que gozan ya de conocimientos avanzados. El autor acompaña el texto con ilustraciones propias, tantas veces utilizadas en sus clases magistrales, e incluye tambien aquellas laminas en color que considera mas indispensables: el resultado es un magnifico libro que invita a contemplar y disfrutar el Arte tanto a jovenes como a mayores. Luis Borobio (Zaragoza, 1924-Pamplona, 2005) se graduo en Arquitectura en Madrid en 1950. En 1953 viajo a Colombia, donde fue profesor de la Universidad Nacional, ejercio como arquitecto y presento varias exposiciones de pintura. En 1968 traslado sus actividades a la Universidad de Navarra. Tras ganar la Catedra de Estetica en Sevilla, y ejercerla durante tres años, regreso a Pamplona, donde continuo enseñando diversas materias. Sus clases de dibujo y sus agudas observaciones sobre los trabajos de sus alumnos le dieron una indiscutible popularidad. Rialp conserva un recuerdo entrañable de Luis Borobio, por ser el autor de los dibujos y la maquetacion de la primera edicion ilustrada de Santo Rosario, de Josemaria Escriva. Entre sus numerosas publicaciones, destacan: El arte, expresion vital, un tratado agudo y clarificador de Esteti

Han pasado treinta años desde que Laurence Anholt comenzó su querida serie sobre grandes artistas y los niños reales que los conocieron. Desde entonces, estos cuentos clásicos sobre Vincent van Gogh, Frida Kahlo, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci y muchos otros genios del arte occidental han servido de trampolin hacia el amor por el arte y han vendido millones de copias en todo el mundo. Las historias se han adaptado de muchas formas, incluidas el ballet, la opera, ediciones en braille para niños ciegos y con deficiencias visuales, y en un gran musical en Corea del Sur. Ademas de las deslumbrantes ilustraciones en acuarela de Anholt, esta edicion de aniversario incluye decenas de reproducciones de alta calidad de la obra de los artistas, biografias adaptadas para niños y preguntas interactivas para jovenes lectores. Cada historia se basa fielmente en acontecimientos historicos y en una extensa investigacion. En muchos casos, Anholt visito las casas y los estudios de los artistas, siguio sus pasos y entrevisto a sus familiares. Tuvo acceso privado a la casa de Monet en Giverny y se hizo amigo intimo de Sylvette David (ahora Lydia Corbett), la famosa chica con cola de caballo de Picasso.Para que los artistas y sus mundos sean accesibles a los lectores jovenes, Anholt emplea un recurso unico: los acontecimientos se ven a traves de los ojos de un niño que realmente conocio al artista. De esta manera, los lectores pueden conectar con la historia, y los artistas que podrian ser inaccesibles se humanizan. A nivel subconsciente, el lector absorbe muchos valores inspiradores, como la bondad, la autoestima, la perseverancia, la creatividad y la valentia.Quiza sea por el tono amable de la narracion de Anholt o sus ilustraciones hechas a mano. Quiza por su amor por los niños y su pasion por el tema. Sea por lo que sea, una generacion entera de lectores ha desarrollado a traves de sus historias un amor por el arte que les ha acompañado toda la vida. Y ahora transmiten ese precioso regalo a sus propios hijos. El regalo del arte.En este volumen se cuentan las historias de los siguientes artistas: Van Gogh y los girasoles, Frida Kahlo y la niña mas valiente del mundo, Cezanne y el niño de la manzana, Picasso y la chica de la cola de caballo, El jardin magico de Claude Monet, Cuentanos una historia, papa Chagall, Degas y la pequeña bailarina, Leonardo y el chico volador.

La sillería de la sala capitular de la catedral de Tui, cuya contratación se formaliza en 1712, es una pieza excepcional dentro del panorama del barroco español. Es el único ejemplar de su clase que posee programa iconografico, cuya carga erudita denota un importante manejo de fuentes, principalmente emblematicas, por parte del mentor que lo ha diseñado y del taller del escultor Domingo Rodriguez de Pazos. Los bancos, destinados al cuerpo capitular, albergan en sus respaldos asuntos simbolicos utilizados para prevenir sobre la peligrosidad de los vicios y mostrar la conducta mas adecuada para alcanzar la gloria eterna. Dos son las tematicas abordadas: la primera, mas amplia y heterogenea, toma como pretexto los elementos del mundo de las vanidades, abundando las diatribas a los prebendados; la segunda, mas compacta, es una denuncia de lo profano a traves de la significacion alegorica de los animales. El plan figurativo de la catedra del obispo se construye en torno a la idea de las virtudes que debe ostentar un principe eclesiastico.

La escultura ha desempeñado un papel crucial en las prácticas religiosas de la humanidad a lo largo de la historia, sirviendo como un poderoso medio de expresión de creencias espirituales y conexión con lo divino. En el budismo japones, las imagenes religiosas poseen un significado espiritual y sirven como puntos focales para la adoracion, la meditacion y la enseñanza.

En este nuevo Cuaderno de Arte Compás de Espera, titulado Geometrías del coleccionismo, Sara Gomá y Aurora Ogalla estudian la historia del coleccionismo de arte contemporáneo en España, y reflexionan sobre su presente y su futuro. el texto da voz a un gran abanico de profesionales involucrados en el arte de coleccionar e incluso de coleccionista, con breves entrevistas.Tambien se analizan nuevas formas de coleccionismo de obras de arte que ya no se conciben como objetos para acumular en un lugar concreto, como aquellas manifestaciones artisticas mas avanzadas, procesos y artefactos que no se pueden ubicar en ningun lugar, de modo que se vislumbra un nuevo escenario donde la experiencia al observar, oler, escuchar o sentir una obra ya no es permanente, sino efimera, y donde se prioriza la experiencia, como en las salas inmersivas.

El acto de mirar es siempre interpretativo: supone el establecimiento de una relacion intima que afecta tanto al observador como al objeto de su mirada. Pese al supuesto distanciamiento que suele exigirse al teorico del arte, Miguel Angel Hernandez lleva anos aproximandose asi a las imagenes para establecer con ellas un dialogo profundo en el continuum de arte y vida. El resultado son los textos aqui reunidos, a medio camino entre el ensayo, la autobiografia y la narrativa, en los que siguiendo la estela de Benjamin, Sontag y Barthes se exploran cuestiones como el valor de la memoria y su vinculo con el conocimiento, el duelo, la etica de la mirada, las relaciones entre tecnologia y deseo, o la percepcion subjetiva del tiempo. A traves de una prosa atravesada de vivencias, iluminaciones y experimentacion literaria, el ejercicio de contemplar imagenes se nos revela como una experiencia vital y transformadora.

Una accesible e informativa guía sobre el arte pictórico desde el siglo XV al XXI que le permitirá desarrollar las habilidades y conocimientos necesarios para disfrutar de los diferentes estilos pict

Cualquiera que desee aproximarse a la comprensión del fenómeno artístico sentirá la necesidad de leer y analizar formalmente los elementos primordiales de expresión que lo constituyen. Estos elementos, si bien como materia artistica no son sino la envoltura de un lenguaje mucho mas amplio, situan al lector en el punto de partida de las caracteristicas esenciales de cada una de las artes. Los autores enmarcan este planteamiento e interpretacion en un panorama historico, realzando el significado de cada arte, al lado de las restantes manifestaciones artisticas de cada epoca.

Con prólogo deJUAN ESLAVA GALÁN"Al final la lectura deviene la música de un río ancho y calmo que nos arrastra junto con los objetos que expresan la cultura del mundo hacia un océano apacible de remansadas sensaciones y conocimientos.Un acierto pleno y una obra que, estoy seguro, va a ocupar un lugar importante en la bibliografia del tema.?Una obra madura y acabada, en dosis sabiamente combinadas del ensayo historico, , de la critica de arte y del informa tecnico, todo ello en un techo de impecable carpinteria expositiva, urdido con la maestria del que sabe y la pedagogia del que sabe explicar?.(Juan Eslava Galan)

Todas las vertientes del arte han tenido y tienen en África una expresión auténtica y original. Este arte no está hecho para ser contemplarlo desde fuera, sino que es una expresión íntima de sus habitantes, que ellos viven desde su interior, porque conocen su significado. No es un objeto de adorno, sino que cumple una funcion social. Este arte no busca el retrato, ni la anecdota ni el detalle, sino lo que esa figura representa y simboliza. Este libro ilustrado es un acercamiento a este arte.

Abordar el encuentro con el Otro no es tarea fácil. El Otro no se brinda de buena gana a la mirada de uno mismo. El "judío", el "gitano", el "negro" y el "musulmán" son las cuatro figuras de la alteridad objeto de este libro. Seguir su presencia en las artes figurativas occidentales desde los albores de la Edad Moderna hasta la Revolucion francesa significa poner al desnudo un proceso complejo, en el cual se entretejen descubrimiento, construccion e invencion. La colision entre el canon visual occidental que acaba de cristalizar en el Renacimiento y la aparicion de la imagen del Otro supone reconsiderar la propia identidad frente a este Otro. Tiziano, Durero, Carpaccio, Caravaggio, Rubens, por no citar sino algunos de los mas contundentes ejemplos, se enfrentaron con "el extranjero" y dieron diversas soluciones.

Lo mejor del arte de los cinco continentes y de todos los tiempos en su mano. Puro placer visual y estético. Las imágenes más hermosas, impactantes, sorprendentes, emocionantes, creadas por el hombre, desde las cuevas de Altamira hasta las performances. Incluye capitulos dedicados al arte africano y oriental.

La dispersión de objetos de arte fuera de España en los siglos XIX y XX propone una reflexión en torno a una serie de fenómenos, muy poco conocidos hasta ahora, que afectan al mundo del coleccionismo artistico. Una de las cuestiones vertebrales que se plantean es la fatal combinacion de codicia e ignorancia, binomio que afecto a numerosas colecciones y favorecio la dispersion de objetos de arte fuera de la Peninsula. Otro campo muy poco estudiado y que ahora se desvela es el papel ejercido por los agentes y marchantes de arteartistas, historiadores, funcionarios de museos,etc., que trabajaron oscuramente y fueron sangrando las colecciones artisticas del pais.