Libros de Teoría y crítica de arte, página 11 de 207

Yo veo / Tú significas es una novela experimental sobre espejos, mapas, relaciones personales, sobre el océano, el éxito esquivo y la felicidad como posibilidad. A través de un collage de fotografías verbales, dialogos, encuentros sexuales, material encontrado y dispositivos de auto-identificacion (astrologia, el I Ching, quiromancia, Tarot) narra de pasado a futuro la cambiante relacion entre dos hombres y dos mujeres. Entre lineas suceden muchas cosas. La critica de arte Lucy Lippard escribio esta novela en 1970 y se convirtio feminista en el proceso:Empece escribiendo y me di cuenta que estaba avergonzada de ser una mujer. Entonces tuve que saber por que. Luego me enfade. La forma fragmentada y visual del texto bebe del arte contemporaneo y las emociones conflictivas de las confrontaciones politicas de los 60; todo esto sugirio una nueva forma de recolocar las cosas, de forma abierta, de una manera femenina que no pretende conclusiones. Esta primera edicion en castellano sucede cuarenta años despues de su publicacion en ingles y recuerda la actualidad del legado de su autora en la critica y la practica del arte contemporaneo. Esta edicion cuenta con una introduccion de la critica de arte e investigadora Paloma Checa-Gismero responsable de su traduccion.Deslumbrante novela-collage, "Yo veo / Tu signi...

Por el tema abordado así como por el tono humorístico que subyace -nada menos que una Filosofía, en pos de la habitación ideal-, estamos ante un escrito atípico en la producción de Edgar Allan Poe.

La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sino facultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocacion pedagogica que siempre lo caracterizo, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vez al castellano, algunos de los secretos de estas tres capacidades basicas que hoy englobariamos bajo la palabra creatividad.La fantasia, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invencion y la creatividad nacen, en cambio, de la funcion y la necesidad. Pero a la hora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginacion juegan un papel crucial. ¿Que mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Como podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Como fomentar la elasticidad del pensamiento para que este no se quede estancado en formulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudicion y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.

En ningún otro movimiento artístico de la historia han coexistido dos artistas tan diferentes como Magritte y Miró. La razón es que, en su origen, el surrealismo no era un movimiento artístico, sino una estrategia filosofica. Se trataba de un modo de vida, de una rebelion contra el sistema que habia sido capaz de producir la espantosa masacre de la primera guerra mundial.El arte surrealista era espectacular e internacional, moldeado por los mas oscuros e irracionales mecanismos del inconsciente, y la narracion de Morris, cautivadora, ingeniosa y siempre entretenida, pone de manifiesto la impresionante variedad de enfoques de la filosofia surrealista, tanto en la obra de los artistas como en su vida.

Michaux escribió, viajó, dibujó, pintó. Escribió como se odia, con la fuerza del «contra» para sobrevivir y, después, para vivir más intensamente, para vibrar más alto. Pero hallo la escritura demasiado convencional, henchida la palabra con demasiada cultura, demasiado lastre, así que empezó a pintar. Pintó para «descondicionarse». Pintó como se grita, para gritar mejor, y para expresar aquellas vibraciones del espíritu que no tienen correspondencia adecuada con el lenguaje. Los infinitos son lugares demasiado intensos para la palabra.

Tras vender más de cinco millones de ejemplares de El camino del artista, Julia Cameron vuelve con El arte de escuchar, un viaje transformador hacia una escucha y una creatividad más profundas. Deja que este libro te brinde claridad, conexion y rumbo. Descubre una creatividad mas profunda y plena. EL ARTE DE ESCUCHAR es tu guia para la transformacion personal y creativa. Con el exito sin precedentes de El camino del artista, Julia Cameron cambio la vida de millones de lectores. Ahora ofrece un nuevo metodo de transformacion personal y creativa para escuchar mejor nuestro entorno, a los demas y a nosotros mismos. En seis semanas, a medida que cultivas la capacidad de escuchar el entorno y el silencio que te rodea, tu atencion sera mas acusada y ello redundara en tu sanacion, sabiduria y claridad. Por encima de todo, El arte de escuchar te ayudara a abrirte a un nuevo mundo de conexion y a una creatividad que se reflejara en todos los aspectos de tu vida. En unos tiempos de ruido innecesario, escuchar es avanzar en el camino del artista. La reina del cambio.The New York TimesReseñas de El camino del artista:Sin El camino del artista no existiria Come, reza, ama.Elizabeth Gilbert El camino del artista descubre y fomenta el artista que llevamos dentro... Si siempre has deseado perseguir un sueño creativo, jugar y crear con palabras o pinturas, esta obra te ayudara a iniciarte y aprender poco a poco todo tipo de tecnicas para prestar atencion; y en eso, al fin y al cabo, consiste ser un artista. Se trata de aprender a prestar atencion.Anne LamottEste es un libro que aborda un tema delicado y complejo. Quienes lo utilicen encontraran una valiosa herramienta para conectar con su creatividad.Martin Scorsese

* Una guía a través de un extraordinario recorrido por las imágenes más icónicas del mundo, las que nos encontramos al visitar una galería u observamos en la portada de una novela. * Ordenado cronoló

Desde la creencia de sus poderes curativos hasta la autoproclamación de criminales, a través de la representación de mitos y diferentes religiones o la confirmación de la pertenencia a un grupo, los tatuajes son una de las mas caracteristicas formas de expresion asociadas a los marineros, los soldados, el crimen organizado, las bandas o tribus urbanas ademas de ser una forma de adorno corporal y una expresion de estilo de vida, filosofia o creencia. A traves de un texto claro y detallado, este libro descubre el significado de los tatuajes que han perdurado a lo largo del paso del tiempo y que, incluso hoy, explican mucho acerca de la persona que los llevan. Despues de todo un tatuaje es mucho mas que un dibujo en la piel; es una declaracion de intenciones. Y cada tatuaje tiene una historia escondida que este libro esta dispuesto a revelar. Todas estas historias estan acompañadas de excelentes ilustraciones de tatuajes, algunas de gran formato, sobre las pieles de diferentes personas. Este titulo esta dividido enagrupadas: mundo marinero; mafias, mundo carcelario y militar y tribus urbanas; erotismo y amor; filosofia y espiritualidad; estilo de vida, pureza; fortaleza, poder y dignidad; mal y muerte; mundo magico, suerte y mitologia; culturas y religiones, racismo y nazismo.

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de caracter historico sino filosofico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relacion con la filosofia taoista a partir de la nocion de vacio que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepcion china del universo y su comprension del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica tambien al lector occidental la adscripcion de este arte a la concepcion taoista, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictorica.

Completa y clarificadora initroducción a los problemas tratados en el campo de los Estudios visuales, con aportaciones de algunos de los más reconocidos autores en este ámbito emergente, como Susan Buck-Morss, Micholas Mirzoeff, Keith Moxey o W. J. T. Mitchell.¿Que son los Estudios visuales? Surgidos en torno al cambio de milenio como un entrecruce de disciplinas ?la Historia del arte, la Estetica, la Teoria filmica, los Estudios culturales, la Teoria de los medios, la Cultura visual, los Estudios poscoloniales y de genero ??, responden a la necesidad de analizar un ambito de importancia creciente en las sociedades contemporaneas: el de la visualidad, en el que intentan dar cuenta, sin restricciones disciplinares, de los procesos de produccion de significado cultural que tienen su origen en la circulacion publica de las imagenes. Podriamos, asi, describirlos como aquellos estudios que tratan de la vida social de las imagenes, analizando los procesos de la construccion cultural de la visualidad. Los ensayos reunidos en este volumen constituyen un conjunto trabado de reflexiones tanto sobre el origen y la constitucion del campo de los Estudios visuales, como sobre sus desarrollos y aplicaciones al estudio de las politicas identitarias condicionadas por las practicas de produccion de visualidad, en el marco de la globalizacion. Con aportaciones de algunos de los mas reconocidos autores en este ambito emergente de estudios ?Susan Buck-Morss, Nicholas Mirzoeff, Keith Moxey o W. J. T Mitchell entre ellos?, ofrecen una muy completa introduccion al tipo de problemas tratados por los Estudios visuales y una puesta a prueba efectiva de sus potenciales criticos.

Prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte.Robert Walser fue introducido por su hermano, el pintor Karl Walser, en el mundo del arte de Berlín,aunque también escribio sobre pintura despues de su etapa berlinesa y visito exposiciones en Berna y en Zurich. Asi surgieron prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte: en unas ocasiones Walser se enfrenta a un cuadro de manera imaginativamente narrativa, pero en otras responde con un ensayo estricto o con una glosa mas ludica. Walser nunca se muestra academico, pues el considera que el arte es el reino incuestionable de la libertad.Los cuadros de Tiziano, Rembrandt, Van Gogh, Renoir y Cezanne, entre otros, a los que se refieren los textos de Walser estan reproducidos en color en esta edicion.

¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolitico hasta el arte contemporaneo, los simbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artistica se reduce a una contemplacion superficial. En un mundo saturado de imagenes, hemos perdido la capacidad de leer los simbolos que dan profundidad al arte. Esta guia esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.

A lo largo del libro se produce un movimiento cíclico que comienza y termina con el archivo familiar de los de Waal, haciendo un repaso por muchos textos publicados en libros y revistas ya descatalogadas y de imposible acceso para el lector. El libro comienza en Odessa en 2009 y termina en Paris en 2021, entre medias aparecen las respuestas a los archivos de poetas, artistas y lugares que Edmund de Waal ama.

Desde los 80, el arte se ha convertido en el movimiento cultural por excelencia. Varias generaciones de artistas han contribuido a que así fuera, pero eso no es suficiente para explicar su lugar preponderante. En paralelo, un mercado que ya estaba desarrollado crecio y se multiplico varias veces, conformando al mismo tiempo un microcosmos con leyes propias, personalidades de leyenda y eventos paradigmaticos.Traducido a diez idiomas, este libro delicioso y asombrosamente bien informado, fruto de varios años de investigacion y de viajes por Estados Unidos, Europa y Asia, abre las puertas de ese universo secreo y revela su grandeza y sus excesos. Con una prosa vibrante y una aguda capacidad de analisis, Sarah Thornton es capaz de detectar lo que se oculta tras la frivolidad y señalar con autoridad a los mejores artistas de nuestro tiempo.

Sabemos por su relato "El niño en la casa" (1878) que Walter Pater (1839-1894) llevó una vida retirada, más contemplativa que activa, pero de una "contemplación apasionada". Con la misma pasión diáfana por el arte que Ruskin, compuso sus influyentes estudios sobre el Renacimiento. Pensaba que el hombre moderno no debia estar atado a epoca alguna y, eclectico por naturaleza, entendio mejor la piedad que la fe. No creyo en el fruto de la experiencia estetica, pues opinaba que la experiencia misma era un fin. Existe un equilibrio en todas sus paginas, afin a la belleza y a la ascesis, y su estilo transmite un cansancio encantador. Para Oscar Wilde, fue "el mejor maestro de la prosa inglesa" de su tiempo. La serie de ensayos que Pater reunio bajo el titulo de "Apreciaciones" (1889), que abarca desde los reyes ingleses de Shakespeare hasta los poetas romanticos, puede leerse como una consumacion de su ideal de amplitud y serenidad de la vision. En ella encontramos un discurrir textual tan erudito como elegante, fruto de una comprension profunda de las diferencias entre las sucesivas epocas historicas del arte occidental, que nos invita a extraer lo mejor de cada una de ellas.

Frente a la creencia viva de que las vanguardias europeas significaron una ruptura con la tradición, Beat Wyss muestra en este elegante y provocador ensayo cómo la Modernidad clásica vive en realidad anchada en el Simbolismo del siglo XIX. Al mismo tiempo, descubre tibias correspondencias entre el fascismo y una vanguardia que solo retrospectivamente, a partir de la postguerra, es liberada de su papel de victima del Totalitarismo politico. En el centro se situan obras de artistas y filosofos que han dado forma al pensamiento moderno entre los años 1870 y 1958. Y en medio de todo ello, como vinculo filosofico entre Mondrian y Heidegger, Kandinsky y Wolfflin, Le Corbusier, Nietzsche y Malevich, se situa El mundo como voluntad de representacion de Schpenhauer.

Estados, mercados y élites promueven la visión de la cultura como un indiscutible oasis de paz en medio de un mundo convulso. La cultura, vista de este modo, funciona como forma de pacificación y reconduce las tensiones hacia la posibilidad de elegir entre productos culturales. A pesar de esto, el espacio de la cultura es un espacio en tension.En este libro abrimos miradas y reflexiones en este sentido, considerando la cultura como un lugar dinamico y de disjuntivas en la misma medida que tantos otros espacios de la vida, y dando valor a este hecho en si mismo. Reconocer dicha tension abre ricas oportunidades para tomar posicion y plantear la cultura como un campo en el que podemos reapropiarnos de nuestras vidas.El libro ha sido pensado y escrito por gente que participa en el portal Nativa.cat y, en gran medida, supone la expresion en papel de sus reflexiones y dinamicas.

Heinz Berggruen fue un verdadero cosmopolita y su trayectoria como coleccionista una de las más singulares y sobresalientes del siglo xx. Inició su carrera como galerista en París, donde conoció, entre otras figuras de la intelectualidad de laepoca, a Tristan Tzara, quien le presento a Picasso. A partir de su encuentro con el artista mas famoso del siglo se inicio una gran amistad, años en los que el joven Berggruen tambien cultivo su pasion por la obra de Paul Klee, Henri Matisse y AlbertoGiacometti.En sus memorias relata sus encuentros con los hombres y las mujeres que tuvieron una influencia decisiva en el arte de su tiempo. Habla de sus pequeñas vanidades, sus disputas y rivalidades, de sus esperanzas de exito truncadas y sus triunfos tardios, desvelando al lector la colorida trama de amistades e intereses que regian tanto el mundo del taller como un mercado del arte en el que convivian los miticos supervivientes de entreguerras con la imparable globalizacion. Frida Kahlo, Gertrude Stein, Peggy Guggenheim, Nina Kandinsky, Matisse, Miro, Man Ray y por supuesto Picasso, desfilan por sus paginas con la misma naturalidad con la que el autornos cuenta en que consiste la pasion del coleccionista, la mezcla de sensibilidad y astucia que hacen que quien las posee pueda acabar siendo, el mismo, su mejor cliente.

«He aquí un lúcido y oportuno recordatorio sobre aquellas cosas que tan a menudo parecen haber sido olvidadas en las consideraciones artísticas, como la importancia de la belleza, el misterio o la pr