Libros de Teoría y crítica de arte, página 13 de 177

Este libro, Entre el suelo y el cielo, trata de mostrar lo que han significado a lo largo de mi vida el descubrimiento, cultivo y disfrute de mis aficiones más queridas: la artística y la literaria. Mas bien dos pasiones que me han acompañado siempre, proporcionandome momentos estimulantes y placenteros que me han ayudado a superar otros mas dificiles, baches que inexorablemente aparecen a lo largo del camino, y ha supuesto un acicate, por la ilusion y el entusiasmo que me ha generado tener entre manos proyectos creativos en que ocupar mi tiempo. A la vez que relato experiencias pasadas e indago sobre los antecedentes de estas inclinaciones innatas, ilustro toda la trayectoria con fotografias de mis creaciones antiguas y recientes: dibujos, poesias, relatos asi como una amplia coleccion de piezas de arte textil (patchwork). Quiero mostrar lo facil que resulta seguir estos sentimientos cuando son tan fuertes, y como, aunque sea de forma elemental y autodidacta, se puede llevar a cabo lo que la imaginacion sugiere y dar unos frutos beneficiosos para toda tu persona, tanto fisica como mentalmente. Quisiera que mi experiencia y mis logros, aunque discretos, pudieran servir al lector para sugerirle un habito tan saludable y constructivo para ocupar su tiempo libre: solo tiene que escuchar la voz interior, dejarse arrastrar por esa necesidad espiritual, dejar que fluya la sensibilidad y echar mano de la voluntad, poniendose manos a la obra.

Borrar los límites. Tal podría ser, resumida en un solo gesto, la tarea a la que Allan Kaprow se consagró durante su vida artística. No sólo borrar las fronteras entre el objeto, la instalación y el performance para crear happenings, sino desdibujar esa frontera tan persistente en la historia del arte que lo separa de la vida. Reacio a las distinciones tajantes, en particular si afectan el flujo entre disciplinas artisticas, Kaprow procuro vincular el legado de Jackson Pollock con las enseñanzas poco convencionales de John Cage y el movimiento Fluxus, a fin de mirar de manera estetica todo lo que no se considera "artistico".

La toma de conciencia de la mujer sobre sí misma, como ser independiente, capacitado para tomar por sí las riendas de su vida, supone la revolución cultural más importante del siglo XX en occidente. Un transcurso que en sus inicios estuvo alentado y defendido por un grupo de mujeres, intelectuales y artistas que, asentadas principalmente en Paris en las tres primeras decadas de ese siglo, fueron capaces de percibir que el momento del cambio habia llegado. Pretendian que su trabajo, su obra, saliese de su entorno intimo, cobrase visibilidad en la sociedad, pero lo verdaderamente trasgresor de ellas era su independencia, su mirada autonoma, su reflexion particular, el sentir que su existencia tenia significado en si, en su propio ser, lo que hizo de estas pioneras, en los distintos campos en que se comprometieron, autenticas revolucionarias. Tan fascinante momento, y sobre todo la atraccion que sobre mi ejercieron estas multiples protagonistas, muchas de ellas anonimas, me llevaron a organizar este primer ciclo de cinco conferencias sobre mujer y vanguardia: La vanguardia en Femenino, dentro de la semana del Arte promovida desde el Ateneo de Valladolid. Mi pretension no fue hacer Historia del Arte de genero, sino poner en su justo termino la genialidad e importancia que muchas de estas creadoras tuvieron y que, por desgracia, muy pocos les han reconocido. De esta forma, a traves de estos cinco ensayos, hemos pretendido buscar la mirada, el sentimiento, la sensibilidad de estas mujeres/artistas a la luz de otras mujeres historiadoras/criticas que en un tiempo posterior añadiesen a su estudio y analisis, una perspectiva mas proxima y complice como resultado de su propia condicion y enfoque.

"Un abrazo (he procurado animar la carta con dibujos)" De esta forma, terminaba Federico García Lorca una misiva con ilustraciones dirigida a Jorge Guillén en enero de 1927. La advertencia del poeta

Este es un libro central en el debate sobre el arte contemporáneo. Y su autora una de las más destacadas especialistas a nivel internacional. Traducida por primera vez al castellano, su obra retoma a sociologos como Pierre Bourdie, pero tambien a ensayistas como Walter Benjamin y T.W. Adorno, e incluso al propio Marx, para desembocar en un formidable analisis de la relacion entre creacion artistica, valor economico y reconocimiento publico.¿Como opera el mercado sobre los artistas?¿En que momento se convirtio en arbitro del juicio estetico?¿Son la celebridad y el marketing el horizonte final del arte contemporaneo?¿Se han vuelto los artistas estrategas en comunicacion?¿Por que una obra de arte vale un precio y no otro? Graw responde a estas preguntas en un tono que nunca se acerca a la denuncia o a la queja, sino al analisis riguroso y profundo de las condiciones de produccion y circulacion en el mundo del arte actual.

Este libro sigue, a paso, el proceso de trabajo de los pintores de frescos, desde las actividades preliminares hasta la culminación de sus obras. Es un análisis del proceso de creación y ejecución de las pinturas, que incide de manera especial en los interrogantes que se plantean los pintores y en el significado de sus decisiones tecnicas y procedimentales. El autor utiliza los escritos de los pintores de frescos que han explicado integramente el procedimiento, siguiendo unos determinados principios y metodos.

Hablar de José Andrés Santiago Iglesias es hablar de Japón, es hablar del Zen contemporáneo a modo de haikú, es reflexionar sobre lo obvio y lo obtuso; en definitiva es hablar de una singular actualizacion de imagenes que acarician la idea de un sistema simbolico inaudito. Un singular sistema de relaciones que enriquece las series perfeccionando las partes del todo. Su obra habla de esas riquezas del lenguaje articulado, con los que constituye de forma vertical las preguntas; es ese orden falso el que permite su evolucion.

Revista de la Sociedad Española de Emblemática, editada por la Universitat de València, con periodicidad anual. Presenta un espacio editorial de ámbito internacional como exponente del estudio de la

Los nueve trabajos que reúne este volumen, coordinado por Javier Panera, Margarita Ruiz y Antonio Casaseca, exploran de una manera crítica las diferentes vías por las que el poder política y religioso, por una parte, y la industria del ocio y del consumo, por otra, han instrumentalizado las imagenes artisticas para conseguir sus objetivos.El libro analiza a traves de diferentes contribuciones de relevantes expertos como Juan Francisco Esteban Lorente, Francisco Galante y Jorge Luis Marzo, entre otros, la capacidad de la imagen parar informar y proporcionar placer estetico pero tambien para transformar la conducta de las personas, de convencer y de manipular la realidad. Una capacidad a la que el arte de todas las epocas no ha sido ajeno.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional del Prado, entre el 21 de enero y el 4 de mayo de 2014. En España se conocieron como Furias a cuatro personajes de la mitología grecolatina condenados en el Hades por haber desafiado a los dioses: Ticio, Sisifo, Tantalo e Ixion. Las Furias irrumpieron en la historia del arte en 1548, cuando Maria de Hungria solicito a Tiziano cuatro lienzos de estos personajes, identificados con los principes alemanes que se habian alzado contra su hermano el emperador Carlos V. Disfrutaron de notable fortuna en los ciento veinte años posteriores, durante los cuales asumieron otros significados ademas del politico inicial, al considerarse un asunto idoneo para ilustrar la dificultad maxima en el arte (eran enormes figuras desnudas en complicados escorzos) y representar el dolor extremo. El tema alcanzo su maxima popularidad en el Barroco, asociado a la estetica del horror que recorrio entoncesEuropa.La exposicion y el catalogo muestran el nacimiento, evolucion y ocaso de este tema en el arte europeo entre 1550 y 1700 a traves de una veintena de obras de artistas italianos, flamencos, holandeses y españoles, entre los que figuran el citado Tiziano, Miguel Angel, Cornelis van Haarlem, Rubens o Ribera.El catalogo incluye un extenso ensayo escrito por Miguel Falomir, comisario de la exposicion y jefe del departamento de pintura italiana y francesa del Museo del Prado (hasta 1700), y cataloga, reproduce y comenta las veinte obras de la exposicion. Ademas, incluye la version inglesa de los textos.

Desarrollada desde la década de los años 60 del siglo pasado como un subgénero de la performance, la conferencia performativa es un formato artístico que está experimentando un fuerte desarrollo hoy en dia. Denominada en ingles lecture-performance, y en castellano 'conferencia dramatizada' o 'conferencia performativa', se trata de una practica artistica expandida, un tipo especifico de presentacion que va mas alla del formato academico de conferencia y que los artistas (y todo tipo de agentes culturales) emplean para hacer de la conferencia un espacio performativo que, al aunar aspectos de la dramaturgia a la educacion, facilita la participacion intelectual, emotiva y afectiva de la audiencia. Se trata, por un lado, de un formato educativo o de mediacion, pero por otro se acerca a las artes escenicas y al espectaculo. Por ello, usualmente es un trabajo experimental e hibrido que quiere ir mas alla de formatos ya codificados como la instalacion, la performance o el happening y en consecuencia asume un caracter promiscuo y heterogeneo. En relacion con este caracter hibrido, las conferencias performativas incorporan elementos del mundo del espectaculo, los contadores de cuentos, los medios de comunicacion, internet e incluso de la publicidad. A traves de la practica de la 'conferencia dramatizada' se busca reflexionar sobre algunos temas centrales en la agenda de la cultura contemporanea, topicos relevantes para el arte y preocupaciones que definen nuestro presente (la informacion, generacion y distribucion de conocimiento, las plataformas y formatos para distribuirlo y acceder a el, la busqueda de nuevos marcos de trabajo y de acceso publico al mismo, etc.).

Un nuevo juego con el que el gran Joan Fontcuberta disecciona la forma y el contenido y que brinda en exclusiva para la colección de cuadernos de Artista de Matador.

This lavishly illustrated, bilingual art book presents drawings by Ramon Casas in the Charles Deering McCormick Library of Special Collections at the Northwestern University Library and oil paintings by Casas from private collections and the Art Institute of Chicago."Charles Deering and Ramon Casas" follows the development and dramatic dissolution of a three-way friendship that connected the Spanish painter Ramon Casas (1866-1932); the Chicago industrialist Charles Deering (1852-1927), who was a collector and admirer of Casas''s work as well as a patron of Northwestern University; and the Spanish artist Miguel Utrillo (1862-1934), Casas''s lifelong friend and the father of the French painter Maurice Utrillo.Casas introduced Deering to Sitges, a beach town near Barcelona, Spain, where the latter created a palatial estate with a museum to house his art collection. Miguel Utrillo served as director of the museum. The text explores the treasures housed at Maricel and what happened among the three men that led Casas to abandon Utrillo and Deering to depart Spain, taking his art collection with him.

Mark Rothko (1903-70) was one of the greatest painters of the twentieth. His mature works, often featuring large rectangular expanses of colour that appear to hover or float over the canvas, are intensely charged with symbolic meaning and human emotion. The people who weep before my paintings, he told an interviewer, are having the same religious experience I had when I painted them.The Rothko Book is both a practical manual for discovering and understanding the artist and the complete and authoritative guide to his life and work.

Revista del Gran Vortice Ingles

En este libro se profundiza en el conocimiento de la obra de arte en tanto dispositivo cultural de significados múltiples. Se analiza la evolución, desde la Edad Moderna hasta hoy, de los lugares (tanto fisicos como imaginarios) donde el artista lleva a cabo el proceso creador, la interaccion que se produce entre ambos y su incidencia (directa o indirecta) en la identidad del propio artista y de su obra; y se indaga en la cuestion de la identidad y la representacion, atendiendo a diversos medios (desde la arquitectura y las artes plasticas tradicionales hasta la creacion audiovisual, pasando por engranajes complejos de exhibicion y difusion mediatica) y diferentes epocas, a partir de una serie de casos concretos de impacto y relevancia de la Edad Moderna y Contemporanea.La pluralidad de autores necesariamente implica variedad en las herramientas de analisis y de reflexiones pero esa diversidad se articula en torno a los conceptos fundamentales de los lugares del arte, identidad y representacion, que sirven de hilo argumental y brindan al lector la ocasion para reflexionar sobre estos temas a lo largo de la Edad Moderna y ContemporaneaEsta publicacion, en dos volumenes, es el resultado del proyecto de investigacion Los lugares del arte. Del taller del artista al espacio expandido en la sala de exposicion (HAR2010-19406) del que forman parte diversos investigadores de la Universidad Complutense de Madrid (Departamentos de Historia del Arte Moderno y Contemporaneo), y recoge tambien las aportaciones de autores especialistas de otras universidades españolas y extranjeras que han contribuido con sus investigaciones al debate e intercambio de ideas entre la comunidad universitaria.

El concepto de arte outsider designa a las creaciones surgidas al margen de las academias y el mercado del Arte, en contextos de exclusión y marginalidad. En un momento de creciente sensibilidad por estas manifestaciones en España y ante un panorama bibliografico escaso, Graciela Garcia plantea un recorrido interrogandose sobre los procesos creativos de estos personas que crean en gran medida despreocupados de las expectativas de los demas.

La exposición Kurt Schwitters. Vanguardia y publicidad quiere destacar de modo conjunto dos aspectos aparentemente muy diversos del trabajo de Kurt Schwitters (1887-1948), una de las figuras más relevantes de la vanguardia europea del pasado siglo. Se trata de sus collages procedimiento en el que, junto con Picasso, Hans Arp, Laszlo Moholy-Nagy o Hannah Hoch, fue todo un maestro y de su diseño grafico, quiza una parte de su legado menos conocida para el gran publico. Para ello, la exposicion presenta algunos de sus celebres collages de las decadas de los veinte a los cuarenta, sin solucion de continuidad con muchos ejemplos de su labor en el campo del diseño grafico y la tipografia, y tan diversos entre si como libros, carteles, folletos publicitarios, revistas, anuncios para prensa, papel timbrado o modelos para impresos bancarios, comerciales o postales.

Serie coordinada por el profesor de Historia del Arte de la Universidad de Murcia Jesús Rivas, nacida en 2001 y que publica anualmente, coincidiendo con la fiesta de San Eloy, patrón de los plateros, un volumen anual con trabajos relativos a la plateria y la joyeria de los mas acreditados investigadores españoles y extranjeros en esta materia. Son tematicas desde la plateria religiosa a la plateria civil, sus maestros, el marcaje asi como las tipologias, y las tecnicas propias de la plateria y de la joyeria.

La autora, es una artista plástica austríaca residente en España desde 1965. Se caracteriza por una preocupación central que desde diferentes ángulos rastrea la imbricación entre materia y lenguaje.