Libros de Teoría y crítica de arte, página 13 de 207

Edición limitada y conmemorativa con motivo del centenario de su publicación.Aparecido en 1911, éste es el primero y el más publicado y traducido de los textos teóricos de Kandinsky, un discurso estético que desembocaria en la practica de la abstraccion no figurativa.En este sentido, el libro se propone esencialmente despertar la capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas, capacidad que Kandinsky intuia basica para la pintura del futuro y con posibilidades de hacer realidad innumerables experiencias.Pero no se trata, como podria pensarse, de un libro programatico, pues no pretende en absoluto apelar a la razon y al cerebro. Aunque Kandinsky se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogias, y suele resolver las dificultades de la expresion escrita por medio de asociaciones sensoriales y linguisticas, el texto ostenta un estilo impecable y ha acabado ejerciendo, gracias a su gran poder comunicativo, una influencia profunda e indiscutible.

Este ensayo de investigación constituye, a través de la recreación de la antigua idea de "continuidad", un intento sintético de configuración del núcleo de una posible estética general mediante la superación del concepto de mímesis y de cualquier otra consideración de éste referible a la relación subordinada entre el mundo y el arte. A este fin se realiza una ontología de la continuidad tomando la relación de la naturaleza como paisaje, el individuo que en ella habita en tanto que personaje y, por último, el movimiento, es decir el tránsito de tales personajes, o sea, el viaje. Ello representa una nueva perspectiva estética sobre la naturaleza, la vida y el arte. —Serie estudios— - Sobre la democracia ateniense. Luis Gil Fernández. - Derecho natural y dignidad humana. Ernst Bloch. - Alejo Carpentier. Poética del Mediterráneo Caribe. Inmaculada López Calahorro. - P. Szondi. Teoría del drama moderno. Ensayo sobre lo trágico. - El concepto poíesis en la filosofía griega. Emilio Lledó. - Lenguaje e historia. Emilio Lledó. - Pedro Aullón de Haro. La continuidad del mundo y del arte. —Serie textos— - Heródoto. Historia. Libro I. Ed. bilingüe de J. M. Floristán. - Sófocles. Electra. Ed. bilingüe de Luis Gil Fernández. - Platón. Fedro. Ed. bilingüe de Luis Gil Fernández. - Aristóteles. Poética. Ed. bilingüe de Paloma Ortiz García. - Horacio. Arte poética. Ed. bilingüe de Luis Gil Fernández. - Boileau. El arte poética y otras sátiras. Ed. bilingüe de Alberto Torrego Salcedo. - Lezama Lima. Escritos de Estética. Ed. de Pedro Aullón de Haro. - República poética. Textos programáticos de la literatura española (siglos XVIII y XIX). Ed. de Germán Garrido Miñambres. - De lo sublime. Longino. (edición bilingüe, introducción y notas de Manuel Pérez López)

En las sociedades laicas, esta vía de escape se desliza en ocasiones hacia el terreno del arte, asumiendo los artistas el papel de evangelistas, narradores de mitos y oficiantes de rituales, o bien, encarnándose en los propios herejes, penitentes o desheredados.

Los hasta ahora desconocidos artículos de Los salones y la vida de París nos revelan no sólo los inicios literarios del celebérrimo autor de En busca del tiempo perdido sino también algunas claves importantes de la psicologia y del mundo personal de Marcel Proust (1871-1922). En la literatura de todo escritor realmente grande no hay obra pequeña o falta de interes; sobre todo si, como es el caso, esta poseido de un fuerte e insobornable sentido autocritico. A finales del siglo XIX la cronica de salon constituia en toda Europa, especialmente en Francia, una suerte de genero literario. El joven Marcel Proust fue uno de sus mas esforzados cultivadores. El trato y el retrato de la alta sociedad francesa del momento alimentaban ya, prefigurandolo de algun modo, el secreto universo de Guermantes. Nuestra edicion cuenta con un esclarecedor prologo del muy proustiano Luis Antonio de Villena.

Al pie del cañón no es sólo una guía del Museo del Prado—una de las muchas posibles—sino una lección magistral sobre cómo mirar y cómo hablar de pintura. Del brazo de Eduardo Arroyo —ya dijo Eugenio

Los iconos son obras ´extremas´: obras que tienen en su conclusión y en acto un determinado pensamiento pictórico; obras que reúnen una carga simbólica en la forma, una pulida técnica en la expresión

La publicación de esta cuidada edición en español de los Escritos más relevantes de Marcel Duchamp (1887-1968) supone todo un acontecimiento editorial. Jose Jimenez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revision y anotacion de los textos, fijando la terminologia para su mejor comprension en nuestra lengua. Se trata de una cuestion decisiva, ya que si hoy se suele considerar a Duchamp como uno de los artistas mas importantes de nuestro tiempo, no pocas veces se habla de el sin conocer suficientemente la complejidad de su trabajo, en el que la representacion visual y la escritura constituyen un entramado indisociable. Duchamp planteo de modo radical el interrogante acerca de la especificidad del arte en un mundo caracterizado por la sobreabundancia de imagenes, resultado de la aplicacion de la tecnica a la produccion de objetos, la comunicacion y el consumo. Nos enseño a ver, a comprender, que en la era de la configuracion tecnologica de la vida, las propuestas artisticas se articulan como juegos de lenguaje, cuyos sentidos no son aprehensibles de forma inmediata o directa en la representacion visual. En definitiva, Marcel Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes del arte en el mundo actual. En su trabajo: las obras, las imagenes y objetos elegidos, los textos,y su de

La iconoclastia tiene buena fama. En esto coinciden el creyente puritano, el ilustrado radical, el artista de vanguardia, el revolucionario progresista, también el capitalista y su destrucción creativa. Al destruir las imagenes, el iconoclasta nos liberaria de los falsos dioses, de las supersticiones, de los fantasmas y, en resumen, de las falsedades con las que nos engañan y nos engañamos. Nos liberaria de los idolos de los poderes de este mundo. El valor y la necesidad de la iconoclastia se dan por descontados. Esta valoracion generalizada no deja de apoyarse en una comprension univoca y simplificadora del fenomeno. Resulta tan evidente que las imagenes nos engañan, resulta tan sencilla de interpretar la intencion del gesto destructivo del iconoclasta en su espectacularidad y nitidez, que pasamos por alto con facilidad el hecho de que este gesto solo es posible gracias a su caracter constitutivamente ambivalente. Los textos reunidos para esta edicion se hacen cargo, de diferentes modos y con diferentes intenciones, de esta ambivalencia. En el centro de cada uno de ellos se abre un punto de fuga con respecto a la alternativa que opone al iconoclasta y a la imagen. La recurrencia de un termino señala la direccion de la fuga: energia. Esta se puede especificar como fuerza, vida, potencia, sentido... En cualquier caso, se trataria de las diferentes formas de denominar la dinamica compleja que caracteriza la imagen. Esta dinamica doble la convierte en el espacio privilegiado de la libertad. El caracter radicalmente politico presente en todos los textos recogidos aqui deriva de una constatacion: la imagen es el lugar del ejercicio de la libertad. El procedimiento de la iconoclastia se evidencia como espacio privilegiado para probar esta libertad en su complejidad, en tanto que en el acto destructivo del iconoclasta jamas tiene lugar un movimiento de emancipacion con respecto a la imagen, sin que al mismo tiempo y de forma necesaria se de origen a una situacion de servidumbre, de sujecion a la ley, a aquello que trasciende, supuestamente, la imagen. Cabria preguntarse, entonces, si la iconoclastia es menos un acto de liberacion de las imagenes que nos engañan y nos dominan que un acto de inmunizacion frente al caracter necesariamente ambivalente, conflictivo e inseguro de la imagen. La iconoclastia, de forma paradojica, se mostraria asi como un instrumento al servicio de las politicas y las esteticas del orden.

This illustrated journal features 128 pages of Sabrina Ward Harrison's mixed-media art with handwritten prompts encouraging journalers to write, draw, scribble, and paste their own musings. Tapping into the current trend in mixed-media, the book includes a pocket with printed papers for collaging.

Fluxus es uno de los movimientos artísticos más escurridizos de la segunda mitad del siglo XX. Imbuido del espíritu del Dadá, su duración, sus participantes, sus características formales, sus intenciones sociales, las influencias que recibe y las que genera han sido objeto de un debate nunca cerrado completamente. Desde su nacimiento, a medio camino entre Europa (Dusseldorf) y Estados Unidos, a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, las diversas facetas que genera se centran tanto en el ambito de la accion, de la renovacion poetica, linguistica y objetual, como en la urgente necesidad de pensar el papel del artista en una sociedad crecientemente acomodada. Fluxus responde a una mezcla de todas las propuestas, la musica, la performance, el videoarte, las artes plasticas, haciendo de dicha mezcla su rasgo fundamental. Fluxus es un estado de animo. Entre sus principales representantes se encuentran George Maciunas, Joseph Beuys, John Cage, Allan Kaprow, Wolf Vostell, Nam June Paik, Al Hansen, el compositor La Monte Young... La presente obra plantea un debate productivo sobre este movimiento y su fructifera presencia en el arte actual.

Unmonumental features recent work by thirty contemporary sculptors, all selected by one of contemporary art''s most accomplished curatorial teams.Forerunners in a major new artistic development, the sculptures in Unmonumental are timely metaphors assembled from bits of the world at large.Generously illustrated with large full-colour photographs, most of the artworks in Unmonumental have never before been published.Includes essays, artist biographies and a lexicon of contemporary sculptural terms.

El encuentro de un grupo de historiadores del arte durante las XV Jornadas Internacionales de Historia del Arte, que tuvieron lugar en Madrid en noviembre de 2010, dio origen a este volumen colectivo, en el que se recogen las distintas contribuciones que, sobre las relaciones entre el arte y el viaje, se presentaron durante el congreso. Las contribuciones se agrupan en tres grandes capitulos. En el primero, bajo el titulo El viaje del artista: de la formacion al arraigo, se recogen los trabajos sobre las estancias de los artistas en paises foraneos y sobre la importancia del viaje en la formacion artistica. En el segundo, Los viajeros y su mirada sobre el arte, aparecen varias aportaciones acerca del viaje como ocasion de contemplar las creaciones artisticas. El tercero, La obra de arte viajera, reune las comunicaciones sobre los viajes de promocion artistica y el traslado de las obras de arte.

Las mujeres artistas de las que se trata en estas páginas son el sujeto de conocimiento y el cimiento mismo de la representación, siendo el cuerpo de cada una de ellas un espacio físico y un soporte real sobre el que representar y denunciar las experiencias de su vida, lejos de la mirada falocentrica, porque sus obras son respuestas adecuadas al estado permanente de violencia y desprecio en contra de las mujeres. Subvertir la mirada masculina sustentada en la falacia biblica de que las mujeres fueron creadas para el placer de los hombres sera el principal objetivo de las obras de estas mujeres artistas, utilizando su cuerpo sin limitaciones, porque las limitaciones unicamente han sido establecidas por el patriarcado.Los hallazgos recopilados en esta inquietante travesia se presentan en unas imagenes extremas que tienen la capacidad de herir, de suscitar y de hurgar en nuestros tabues con la intencion de desmontar los mitos patriarcales. Por tanto, esta obra pretende conformar otra historia del arte gracias al feminismo, en la que el cuerpo femenino no ha sido modelado ni construido desde el punto de vista patriarcal, sino que todas las mujeres artistas aqui presentes han sido capaces de crear unas representaciones en las que el genero no se ha visto suprimido ni desmaterializado, sino reivindicado y negado, al mismo tiempo que cuestionado, deconstruido y reconstruido.Todo ello es una irreverencia, y eso significa combatividad.