Libros de Teoría y crítica de arte, página 15 de 204

Los iconos son obras ´extremas´: obras que tienen en su conclusión y en acto un determinado pensamiento pictórico; obras que reúnen una carga simbólica en la forma, una pulida técnica en la expresión

El encuentro de un grupo de historiadores del arte durante las XV Jornadas Internacionales de Historia del Arte, que tuvieron lugar en Madrid en noviembre de 2010, dio origen a este volumen colectivo, en el que se recogen las distintas contribuciones que, sobre las relaciones entre el arte y el viaje, se presentaron durante el congreso. Las contribuciones se agrupan en tres grandes capitulos. En el primero, bajo el titulo El viaje del artista: de la formacion al arraigo, se recogen los trabajos sobre las estancias de los artistas en paises foraneos y sobre la importancia del viaje en la formacion artistica. En el segundo, Los viajeros y su mirada sobre el arte, aparecen varias aportaciones acerca del viaje como ocasion de contemplar las creaciones artisticas. El tercero, La obra de arte viajera, reune las comunicaciones sobre los viajes de promocion artistica y el traslado de las obras de arte.

Luc Sante era un proyecto de escritor en los años del underground neoyorquino, cuando Nueva York no era más que una interminable hilera de edificios descascarillados, un refugio de outsiders y el escenario de una vida artística y nocturna en la que todo parecía posible.

Quico Rivas (Cuenca, 1953-Ronda, 2008) trabajó durante los últimos años de su vida en Cómo escribir de pintura sin que se note, una fulgurante recopilación de textos críticos cuyo declarado propósito estriba en "mirar a través de la pintura como si fuese una pantalla translúcida... Escribir de pintura con la misma actitud que se visita a un amigo". En las páginas preliminares, María Vela afirma: "Ésta es, en realidad, su colección privada, una galería de retratos morales, más que un conjunto de críticas de arte... Esto que tenéis aquí, reconocedlo, es el autorretrato acabado de Quico Rivas". Juan Manuel Bonet anota en el epílogo: "Brilla a lo largo de todo el volumen el estilo inconfundible de Q: divagatorio, paradójico, eléctrico, elíptico, de corrosivo humor, narrativamente eficaz". Maestro de la exploración biográfica aplicada a la crítica de arte, las mejores páginas que Rivas dedicó a recrear el trabajo de incontables creadores se articulan en este libro como episodios de un mismo relato imprevisible: el de su propia vida.

El pasado 29 de marzo de 2011 se presentó en Moscú la exposición, Ficciones y realidades, promovida por la Asociación Colección Arte Contemporáneo, así como patrocinada y financiada por Alliance Group y Técnicas Reunidas. Cuenta además con la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E) y se enmarca dentro de las actividades programadas con motivo del Año Dual España-Rusia 2011. Las obras recogidas en este cátalogo, responden a diversas disciplinas, desde la pintura hasta el vídeo, pasando por la fotografía, la escultura, la instalación y el dibujo. El título de Ficciones y realidades alude a los diferentes contextos que convergen en la exposición, en la que una variedad de intepretaciones conviven junto a la diversidad de técnicas expuestas.

Carl Justi zahlt Kreis derjenigen Gelehrten, die im 19. Jahrhundert die noch junge Wissenschaft der Kunstgeschichte als historische Disziplin an den deutschen Universitaten fest verankerten, vor allem wahrend seiner drei Jahrzehnte dauernden Lehrtatigkeit am Kunsthistorischen Institut der Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universitat in Bonn. In dieser Grunder-Zeit leistete er mit seinen umfassenden, kulturhistorisch ausgerichteten Forschungen einen bedeutenden Beitrag zu den Methoden des Fachs.In ausgedehnten Studienreisen erforschte Justi systematisch die Kunst der Iberischen Halbinsel. Vor allem die 1888 erstmals erschienene Biographie uber Velazquez erreicht uber die Fachgrenzen hinaus bis heute ein breites Publikum und tragt zur intensiveren Rezeption der Kunst jenseits der Pyrenaen bei.

Con cinco décadas de trayectoria artística, Antoni Miralda (Terrassa, España, 1942) ha convertido un acto tan universal como la comida en un universo creativo. El artista ha desarrollado un método propio centrado en la participacion, la idea ritualidad o ceremonia y la gastronomia. Con un lenguaje inconformista, barroco y lleno de humor, que celebra los sentidos y acerca el arte y la vida, lleva a cabo una exploracion etnologica sobre el comportamiento humano. La exposicion MIRALDA MADEINUSA recupera la totalidad de los proyectos del artista relacionados con su estancia en Estados Unidos. Comisariada por Vicent Todoli y producida por el MACBA, se presentara en Barcelona del 20 de octubre a abril del 2017. En estrecha colaboracion con el artista y con su archivo, la publicacion documenta por primera vez y de forma exhaustiva los proyectos realizados por Miralda en Estados Unidos, desde mediados de los años setenta hasta finales de los noventa, incluyendo proyectos no llevados a cabo.

Si el culto moderno a la velocidad consagró la técnica como adelantada de un promisorio porvenir y alumbró la primera vanguardia, el futurismo, el nuevo siglo parece habernos sumido en un desalentador presentismo, un presente embriagado de presente incapaz de anticipar el mañana. La expansion del consumo, con sus ritmos cada vez mas acelerados de produccion y obsolescencia, y la revolucion digital, con sus redes de conexion instantanea y su frenesi de demandas, han comprimido la experiencia en un tiempo devorador, un tiempo sin tiempo. No sorprende que la escasez de tiempo este en el centro de la colonizacion maquinica de la vida cotidiana en la era digital, y en las crecientes alertas de cientificos y pensadores sobre los cataclismos ambientales que el hombre mismo ha desatado y que amenazan su supervivencia en el planeta. Pero el arte y la literatura no se resignan. Quieren salir de la monocronia obligada, desvelarla, transformar el tiempo perdido del consumo disciplinado en experiencia estetica del tiempo recuperado. Contra la ficcion global del tiempo unico y la historia del arte lineal, tambien los relatos criticos que hoy las convocan quieren recuperar el espesor caleidoscopico del presente y la soberania de lo anacronico. Solo a traves del tiempo, escribio T. S Eliot, el tiempo se conquista.Las obra...

Como en el mítico cartoon del New Yorker, el artista Pablo Helguera, recupera la técnica de la caricatura para generar un retrato exagerado y a veces distorsionado del mundo del arte. Este libro compila una seleccion de 187 dibujos, por primera vez traducidos al español por el artista Alvaro Perdices, que Helguera publica entre los años 2009 y 2016. Esta edicion cuenta con el prologo del critico y curator Octavio Zaya.

Un comprometido ensayo que postula la resistencia creativa contra la alienación de las pantallas.El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominacion. La hegemonia optica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnotica. Todas las pantallas permanecen encendidas (dia y noche reclaman nuestra atencion). No hay salida, solo la experiencia creativa, la dimension poetica y la libertad de la mirada pueden servir de antidoto a un totalitarismo del espectaculo narcisista convertido en eje de una autoalienacion colectiva sin precedentes. Reclusion insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada.El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un analisis critico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominacion. La hegemonia optica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnotica. Todas las pantallas permanecen encendidas (dia y noche reclaman nuestra atencion). No hay salida, solo la experiencia creativa, la dimension poetica y la libertad de la mirada pueden servir de antidoto a un totalitarismo del espectaculo narcisista convertido en eje de una autoalienacion colectiva sin precedentes. Reclusion insomne. Democracia visual. Pantallas ...

Arte

Los objetos aparentemente insignificantes, los que pasan desapercibidos, tienen a veces funciones complejas. Un banco en un jardín es, la mayor parte del tiempo, invisible. Sin embargo, cuando en ciertos jardines se les presta atencion, revelan su sorprendente potencial semantico y narrativo. Y en algunos casos especiales llegan incluso a convertirse en el centro que organiza las estrategias escopicas de todo el conjunto. Del jardin pintoresco de Ermenonville en Francia, a Gorki, la dacha de Lenin; de las calles de Florencia y otras ciudades toscanas, al Parque Guell; de La Nausea de Jean Paul Sartre, a Verano tardio de Adalbert Stifter..., la obra de Michael Jakob se desliza entre paisajes unicos con el objetivo de revelar la compleja riqueza de significados que oculta el banco en el jardin.

La naturaleza se presenta como un tema marginal e incluso antitético al movimiento modernista, asociado con las ciudades y los productos manufacturados. Sin embargo, este volumen propone que la problematica de la naturaleza se halla en el centro mismo de las reflexiones esteticas modernistas.

Este libro recoge una serie de conversaciones con Sigfrido Martín Begué y configura un recorrido alrededor de la pintura, la literatura y la reflexión sobre el arte, desde su propia trayectoria como artista. Comprendido como un juego humoristico e ironico que permite adentrarse en un espacio de lectura compartida, la idea de considerar el arte desde una optica vital es una de las aportaciones que propone este dialogo automatico.Una suerte de lectura guiada, cuando Sigfrido Martin Begue nos habla ante su obra, en una forma de celebracion postuma.