Libros de Teoría y crítica de arte, página 15 de 207

Un recorrido didáctico y profusamente ilustrado a través de una selección de la colección Ella Fontanals-Cisneros sobre el arte abstracto en Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, México, Uruguay y Venezuela. Comprende la mas extensa y reconocida coleccion de fotografia vinculada a la abstraccion. Tiene una serie de esquemas conceptuales, cronologias, ensayos y una cuidada seleccion de documentos historicos que contextualizan y explican el trasfondo y sentido de esta corriente artistica.En Pulsos de la Abstraccion en Latinoamerica encontramos algunas de las experiencias e investigaciones mas sugerentes de toda la historia del arte.

De manera sencilla y atractiva, a través de la narración acerca de las experiencias de un grupo de amigos que inician la Universidad, nos introduce la autora, doctora en Filosofía, en una materia que trasciende lo puramente intelectual para imbuirnos de lleno en dos campos que domina de pleno: el arte y su concepcion filosofica. El arte no solo es arte, sino que es vida, es todo y nada. Y su ciencia, la estetica, pretende provocar en nosotros un desocultamiento de lo que la obra de arte encierra y abre en si misma, es el camino que nos permite acceder al secreto mas recondito de la verdad, del conocimiento del ser y de la nada.

En este primer estudio exhaustivo sobre el proceso creativo de Martínez Celaya, Mary Rakow y Matthew Biro iluminan aspectos anteriormente no atendidos de su práctica del artista, incluyendo su tendencia a destruir su propia obra, sus materiales, sus influencias literarias, y los cambios que marcaron momentos clave en su carrera. Enrique Martínez Celaya es uno de los artistas más interesantes y reconodidos de Estados Unidos de los últimos años. Formado como artista y físico, su práctica abarca pintura, escultura, fotografía y escritura. Sus proyectos suelen tomar forma de entornos multidisciplinares que sostienen imágenes con la inmediatez de la experiencia material, y sus ideas, así como su enfoque, estan influenciadas por fuentes que van desde la poesía nórdica a la física cuántica. Su temprana formación como científico y su interés por la filosofía se hacen evidentes en su trabajo con múltiples lecturas: cerebral, directamente emocional y profundamente ligado a la vida. Este libro recoge tanto fotografías nuevas, como imágenes de archivo, y una serie de obras inéditas. También se incluye una entrevista de Mary Rakow con el artista que revela su práctica única, así como una cronología biográfica, una bibliografía y un historial de sus exposiciones.

Los juguetes de construcción han tenido una estrecha relación con la historia de la arquitectura moderna. Y este libro muestra en imágenes, precisamente, el cruce de ambas historias, la de los juguetes y la de diferentes episodios de la arquitectura desde el siglo XIX. La difusión de estos juguetes, simultánea a las creaciones de vanguardia, divulgó la nueva arquitectura, convirtiéndola en sueño y aspiración de niños y adolescentes, lo que produjo una educación arquitectónica en sucesivas generaciones de los arquitectos modernos que ha sido poco valorada. Esta historia, expuesta primero de forma analítica y después en un catálogo cronológico que agrupa las principales cajas de construcciones por los materiales de fabricación, se ordena a través de los tres conceptos con los que Vitruvio definió la arquitectura: «firmitas», «utilitas» y «venustas», resumiendo así la teoría arquitectónica que contienen estos juegos. El escultor y doctor arquitecto Juan Bordes es profesor en la Escuela de Arquitectura de Madrid y miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En esta editorial ha publicado «La infancia de las vanguardias» (2007), así como «Las teorías artísticas de la figura humana» (2003).

El arte en el tiempo crítico de la globalización ha encontrado su refugio dorado en las bienales y las ferias de arte, que convierten la experiencia estética en una entrega absoluta a la espectacularizacion. Desde el reality-show a la violencia expandida mediaticamente se impone un imaginario cruel y, al mismo tiempo, banal que deriva en tendencias artisticas como la estetica relacional, las letanias del conceptualismo institucional o la obsesion por el archivo. En un mundo delirante proliferan actitudes delirantes y da la impresion de que los freaks toman el mando de las operaciones en un carnaval ininterrumpido y, finalmente, tedioso.Contra el Bienalismo traza una serie de aproximaciones a la cultura contemporanea abordando cuestiones como el pretendido antifetichismo de ciertas obras artisticas, las contaminaciones con lo arquitectonico, la dimension humoristica o parodica de ciertos planteamientos esteticos o la obsesion escatologica. Este mapa fragmentario ofrece posicionamientos criticos para pensar los regimenes de visualidad hibrida actual.

La siesta del fauno presenta una selección de los más de doscientos dibujos realizados por el artista español Francisco Bores (Madrid, 1898-París, 1972) para una edición del célebre poema de Stéphane Mallarme LApres-midi dun faune, programada por E. Teriade en 1943 como una de las primeras entregas de las editions de luxe de Verve, el sello editorial que creo y en el que se produjeron algunos de los libros de artista mas extraordinarios del siglo XX. El trabajo para aquella edicion del poema de Mallarme quedo en un estado muy avanzado de realizacion pero no llego a completarse. Los dibujos preparatorios del inconcluso libro de litografias se dan a conocer ahora por primera vez y revelan una maestria cautivadora en la interpretacion de un tema que hace excepcion en su obra. Este libro, publicado con motivo de la exposicion de tan valiosa obra inedita, se presenta a los lectores como restauracion imaginaria del poema de Mallarme ilustrado por Bores. A esta recreacion impresa de un libro que no llego a existir, en la que los dibujos de Bores encuentran su expresion mas propia es decir, junto a los versos de Mallarme y en una secuencia completa acompaña en este volumen una traduccion del poema al castellano realizada para la ocasion por Antonio y Amelia Gamoneda, asi como un estudio del profesor y critico de arte Javier Arnaldo sobre este proyecto de edicion de Teriade y sobre los dibujos de la serie.

En tono didáctico unas veces, crítico otras y nostálgico en ocasiones, Eduardo, a través de estos artículos, nos acompaña en un largo paseo por el tiempo, nos da las pautas de lo que puede ser el verdadero arte, nos habla del arte actual, nos desvela los entresijos de todo lo que lo rodea y nos acerca a su propia intimidad hablandonos de sus recuerdos entre algunos de los artistas mas relevantes.

Esta publicación presenta un retrato de Ferreira Gullar, un crítico de arte, ensayista político, dramaturgo y poeta que ha sido una figura clave y polémica en la escena cultural brasileña de los últimos 60 años. Esta publicacion recoge las conversaciones llevadas a cabo entre Gullar y el historiador de arte Ariel Jimenez

El esfuerzo secular en la disolución de las fronteras entre culturas ha generado condiciones nuevas para el arte que afectan a la propia definición de su naturaleza y de sus funciones sociales. En la actualidad, instancias como el mestizaje y la globalizacion determinan de forma masiva la comunicacion visual.Un efecto sintomatico de esa nueva realidad cultural, marcada por una activa substraccion de las diferencias, es el desarraigo. Por otro lado, territorios de los cinco continentes que antes eran considerados marginales para la produccion artistica moderna han entrado en sintonia en los ultimos tiempos con los centros dominantes, donde son valorados como lugares culturalmente emergentes. La modernidad globalizada ha generado un nuevo mapa en el que la identidad es una nocion a redefinir y se aboga por un arte que no hunde ya sus raices en un territorio concreto.El arte en su destierro global. Cultura contemporanea y desarraigo, que recoge ensayos de reconocidos artistas, comisarios y criticos de arte contemporaneos, se ocupa de diversos aspectos caracteristicos de este nuevo episodio de la realidad artistica y de algunos de los terminos que frecuenta el lenguaje de la creacion visual en ese territorio globalizado.Incluye ensayos de Javier Arnaldo, Eva Fernandez del Campo, Uwe Fleckner, Ticio Escobar, Joan Fontcuberta, Jean-Hubert Martin, Partha Mitter, Mireia Sentis y Sami Nair.Javier Arnaldo es titular de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Fue Conservador del Museo Thyssen-Bornemisza entre 2001 y 2011. Entre sus publicaciones estan los libros Estilo y naturaleza (1990), Las vanguardias historicas (1993), Yves Klein (2000), Analogias musicales (2003) y ¡1914! La vanguardia y la Gran Guerra (2008), estos ultimos textos del mismo titulo de dos de las exposiciones que ha comisariado.

Este libro se publica con motivo del XX aniversario del Museo Thyssen- Bornemisza, presenta algunas de las obras maestras de la colección desde una perspectiva nunca vista a través de excelentes foto

El factor grotesco reúne más de 270 pinturas, esculturas, dibujos, grabados, libros, documentos y fragmentos de películas, obras de 74 artistas reconocidos entre los que se encuentran Francis Bacon, Louise Bourgeois, Otto Dix, James Ensor, Max Ernst, Jose Gutierrez Solana, Victor Hugo, Paul Klee, Willem de Kooning, Roy Lichtenstein, Rene Magritte, Man Ray, Franz Xaver Messerschmidt, Juan Muñoz, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Richard Prince, Juan Sanchez Cotan, Antonio Saura, Thomas Schutte, Cindy Sherman, Leonardo da Vinci, Bill Viola y Franz West. La exposicion incluye una seccion de imagenes en movimiento, que incluye fragmentos de las peliculas El botones (1918, Buster Keaton y Fatty Arbuckle), El jorobado de nuestra señora de Paris (1923, Wallace Worsley) y Bedlam (1946, Mark Robson), asi como algunos metrajes de Georges Melies. La seleccion muestra como desde sus inicios el cine incluyo lo grotesco (lo burlesco) en su modo moderno de contar historias y varios directores participaron de esta mentalidad. Comisariada por Jose Lebrero Stals, director artistico del MPM, la exposicion cuenta con el asesoramiento de Luis Puelles, profesor titular de Estetica y Teoria de las Artes de la Universidad de Malaga. El proyecto es posible gracias a la generosidad y prestamos concedidos por colecciones privadas, galerias de arte, asi como la gran implicacion instituciones museisticas de Europa y Norteamerica, entre las que se encuentran The British Museum de Londres, el Museo Belvedere de Viena, el Museo del Louvre de Paris, el Museo Nacional del Prado de Madrid, The Museum of Modern Art de Nueva York, The Royal Collection de Londres y Victoria & Albert Museum de Londres.

Una exaltación de los valores subjetivos y poéticos se impone en la plástica mexicana de finales del siglo XX, en contraste con la epopeya realista de los muralistas mexicanos de principios de la misma centuria. Muchas de estas obras son atalayas, baluarte de la vivencia espiritual, en este mundo moderno que tan poco lugar le da a la misma, afirma en esta obra Veronica Volkow. Su libro de ensayos permite entrever un retrato bastante fiel del interior del cosmos cultural dentro del que se inserta la plastica mexicana del periodo señalado. Con su mirada, la autora coloca el catalejo hermeneutico desde visiones, ideas, lecturas y exposiciones compartidas con los mismos artistas, de los que se afana en capturar su motivacion mas intima. Estos ensayos escritos a lo largo de treinta años constituyen testimonios de un contacto vivencial, textos de registro de una experiencia sensible y esencialmente poetica.

La muestra, organizada por Casa del Lector y Acción Cultural Española (AC/E) y comisariada por Francisco Jarauta, cuenta con obras de Gema Álava, Theo Angelopoulos, Eugeni Bonet, Jorge Luis Borges, Constant, Julio Cortazar, Roso Cuso, Daniel Garcia Andujar, Adolph Gottlieb, Ramon Llull, Josue Moreno, Robert Morris, Antoni Muntadas, Jaume Plensa, Santiago Ramon y Cajal, Charles Sandison, Robert Smithson e Imogen Stidworthy Son diversas las literaturas que han construido la imagen del laberinto como simbolo de la perdida de transparencia, lo que Borges llamo la opacidad del mundo. El hilo de Ariadna sugiere no solo el modo de liberarnos del laberinto sino tambien un recurso poetico que permite seguir tejiendo -ya en el espacio abierto- ese tapiz de formas y signos. Esta exposicion ofrece al espectador el posible viaje de los saberes a traves de la lectura mostrando distintos laberintos y dibujando un recorrido desde el territorio del mito a las redes de comunicacion actuales, pasando por otras formas como las estructuras biologicas creadas por la Naturaleza. Y si antes el itinerario del lector era recorrer el tapiz que la Ariadna liberada iba tejiendo a lo largo de los tiempos, es ahora un nuevo lector, navegante por excelencia de otros universos, el que traza las rutas de mundos posibles cuya articulacion y sintaxis se definen a partir de los procesos de interaccion e intercambio de los discursos. La exposicion incluye obras que han sido concebidas especificamente para la muestra y se construiran in situ como las de Daniel Garcia Andujar, Antoni Muntadas, Imogen Stidworthy, Gema Alava, o una espectacular instalacion interactiva sobre el laberinto de la Casa de Lucrecio en Pompeya.

El presente proyecto recoge la trayectoria de una de las iniciativas pioneras dedicadas a la manifestaciones emergentes de arte y vida artificial. Las obras premiadas de VIDA, junto con las merecedoras de los incentivos a la produccion en America Latina, España y Portugal, ofrecen una amplia muestra de la evolucion del discurso arte-vida, profundamente marcado por las ciencias de la vida y por los avances en los ambitos de la robotica, la informatica y las telecomunicaciones. A los proyectos artisticos de VIDA no les une la pregunta ¿que es la vida?, sino ¿como es y como podria llegar a ser? ¿Como influyen los avances cientificos y tecnologicos en nuestro modo de entender a modificar la vida? El texto curatorial Vida artificial: mitos, leyendas y realidades parte de una breve incursion en el mundo del gran simio tecnologico. Indaga en la evolucion de la percepcion y comprension de la vida en el arte y la ciencia. Conecta con el discurso arte-vida del siglo pasado y su hibridacion en el campo de la vida artificial. Mas alla de la base formal y material, el arte explora las relaciones y los procesos, las estructuras internas de los sistemas vivos, sean estos naturales, artificiales o simbioticos en su configuracion organica y tecnologica. Los artistas trabajan con materia viva geneticamente modificada, con neo-organismos semivivientes y otras formas de sub-vida. La exposicion VIDA cuenta con la participacion de algunos de los artistas pioneros en el ambito de arte y vida artificial y, junto a ellos, otros artistas emergentes en los nuevos campos de la investigacion y la creacion. Tanto la muestra como el proyecto editorial rinden homenaje a los grandes hitos, pero tambien ofrecen claves para entender la relaciones profundas entre las actuales manifestaciones de vida artificial y sus precedentes historicos en los diversos campos de las artes y de las ciencias.

La publicación se organiza a partir del esquema con el que el propio De Volder explica e ilustra su trabajo: un diagrama de conjuntos con el dibujo en el centro, como génesis de un sinfín de series y variaciones. Por su naturaleza expansiva y continua, por la inestabilidad y complejidad de sus formas, por combinar citas del mundo pop con citas de la historia del arte, el diagrama funciona como sintesis y llave del universo De Volder. Beto De Volder abandono el ambiente artistico en 1996. En lo que iba de la decada, habia ya participado de los espacios mas relevantes para su generacion. Pero, dentro de una escena que se estaba despidiendo de los ultimos resabios del expresionismo y abrazaba la causa neoconceptual, De Volder de canso de la exigencia de tener que justificar una y otra vez su trabajo. Retomo entonces el dibujo, que ya habia aparecido en sus primeras obras para convertirlo en el nucleo de su produccion.

Secondo la dottrina americana del "politically correct" (mai apertamente enunciata ma ferocemente applicata) tutto deve essere "politicamente corretto": dai comportamenti sessuali ai gusti letterari, al modo di parlare, di vestirsi, di scrivere. Esisterebbe dunque un modo "giusto" di fare le cose. Secondo l'autore il pungolo segreto del "politicamente corretto" e l'insofferenza nei confronti di tutto cio che ha una qualita, e per questo motivo stesso si distingue, operando una discriminazione verso tutto il circostante.

Arbasino, da viaggiatore che nel corso del tempo ne ha viste e ascoltate d'ogni colore, decide un ritorno in quella California gia cara per tante lontane vacanze: e il giro estivo non si limita all'ultimissima, monumentale istituzione (il Getty Center), ma si prolunga da Malibu e Pasadena a San Francisco tra un gran numero di opere splendide in dimore leggendarie e discutibili. Come quando si va per gallerie e pinacoteche senza fretta ne obblighi, soffermandosi via via per un'infinita di paragoni, citazioni, associazioni e rievocazioni di artisti e collezionisti in episodi piu o meno colti o comici.

La perspectiva fue una de las invenciones más importantes del Renacimiento. Con ella, el arte occidental experimentó el mayor viraje de toda su historia. La imagen en perspectiva es hoy omnipresente y ha sido exportada al mundo entero. Pero su dominio nos hace olvidar que en modo alguno reproduce nuestra vision natural.El mundo islamico conoce una mirada completamente distinta, que se expresa claramente en su arte. A diferencia de la imagen occidental, el arte islamico no esta ligado a ninguna posicion personal en el mundo y trata de aproximarse a algo que es en si irrepresentable.La invencion occidental de la imagen en perspectiva se debe, sin embargo, a un descubrimiento hecho en el mundo arabe ya en el siglo XI. Inmerso en una cultura sin imagenes, el matematico Alhacen concibio una teoria de la percepcion que creo las condiciones que hicieron posible la perspectiva pictorica occidental.Belting explica en que se distinguen Occidente y Oriente en su relacion con las imagenes, aunque una vez partieran ambos de la misma teoria. Pues en vez de reproducir el mundo, el arte arabe tuvo por tema la luz y su geometria.

"Les Spectaculaires" es parte de "Womankind", la obra más íntima e intuitiva de María María Acha-Kutscher. Las sucesivas series de fotocollages que se van sumando en este proyecto nos ofrecen una sutil relectura de la imagen de la mujer moderna que ha construido la fotografia. Para "Les Spectaculaires" se han elegido mujeres con alguna condicion fisica excepcional que las hacia unicas, y que trabajaron en circos como rarezas humanas. Paradojicamente, muchas de ellas disfrutaron de una vida mas acomodada e independiente que si hubieran sido "normales". En el libro se apunta una breve biografia de esta mujeres y una "recreacion" de su imagen a partir de fotografias originales de s. XIX o principios del XX montadas con materiales visuales extraidos de las fuentes mas diversas. El concepto de normalidad-anormalidad y el apunte de una biografia visual alternativa quedan de manifiesto en cada uno de los trabajos de Acha-Kutscher.