Libros de Teoría y crítica de arte, página 16 de 177

"Les Spectaculaires" es parte de "Womankind", la obra más íntima e intuitiva de María María Acha-Kutscher. Las sucesivas series de fotocollages que se van sumando en este proyecto nos ofrecen una sutil relectura de la imagen de la mujer moderna que ha construido la fotografia. Para "Les Spectaculaires" se han elegido mujeres con alguna condicion fisica excepcional que las hacia unicas, y que trabajaron en circos como rarezas humanas. Paradojicamente, muchas de ellas disfrutaron de una vida mas acomodada e independiente que si hubieran sido "normales". En el libro se apunta una breve biografia de esta mujeres y una "recreacion" de su imagen a partir de fotografias originales de s. XIX o principios del XX montadas con materiales visuales extraidos de las fuentes mas diversas. El concepto de normalidad-anormalidad y el apunte de una biografia visual alternativa quedan de manifiesto en cada uno de los trabajos de Acha-Kutscher.

La publicación se organiza a partir del esquema con el que el propio De Volder explica e ilustra su trabajo: un diagrama de conjuntos con el dibujo en el centro, como génesis de un sinfín de series y variaciones. Por su naturaleza expansiva y continua, por la inestabilidad y complejidad de sus formas, por combinar citas del mundo pop con citas de la historia del arte, el diagrama funciona como sintesis y llave del universo De Volder. Beto De Volder abandono el ambiente artistico en 1996. En lo que iba de la decada, habia ya participado de los espacios mas relevantes para su generacion. Pero, dentro de una escena que se estaba despidiendo de los ultimos resabios del expresionismo y abrazaba la causa neoconceptual, De Volder de canso de la exigencia de tener que justificar una y otra vez su trabajo. Retomo entonces el dibujo, que ya habia aparecido en sus primeras obras para convertirlo en el nucleo de su produccion.

La storia sconvolgente di come l'Europa concepi l'idea di trasformare un continente, l'Australia, in un immane campo di concentramento. Pullulante di personaggi che fanno pensare a Dickens e a Dostoevskij, questa sinistra epopea, dopo essere stata a lungo rimossa, ha trovato in Robert Hughes il suo cantore.

Hay un momento en que los ojos se abren de pronto al arte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación de no avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos las obras de arte y a buscar sus vinculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporaneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empece aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y tambien en la realidad. Mucho mas tarde, ya adulto, descubri a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han ido escribiendo de manera intermitente a lo largo de casi veinte años. Al verlos juntos ahora, observo que el azar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la deriva de mis intereses personales y mis aficiones, quizas con la etica y la estetica que estan implicitas en el trabajo de cada escritor. Antonio Muñoz MolinaHay un momento en que los ojos se abren de pronto al arte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación de no avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos las obras de arte y a buscar sus vinculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporaneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empece aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y tambien en la realidad. Mucho mas tarde, ya adulto, descubri a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han ido escribiendo de manera intermitente a lo largo de casi veinte años. Al verlos juntos ahora, observo que el azar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la deriva de mis intereses personales y mis aficiones, quizas con la etica y la estetica que estan implicitas en el trabajo de cada escritor. Antonio Muñoz MolinaAntonio Muñoz Molina nacio en Ubeda, Jaen, en 1956. Abandono los estudios de Periodismo en Madrid y se licencio en Historia del Arte en Granada. Inicio su carrera de escritor como columnista para el Diario de Granada,, su primera publicacion es la recopilacion de articulos El Robinson urbano (1984). En 1986 ve la luz su primera novela, Beatus Ille, y un año despues, con El invierno en Lisboa, gana el Premio Nacional de Narrativa y el Premio de la Critica. La adaptacion cinematografica de Beltenebros (1989) y la consecucion del Premio Planeta de 1991 por El jinete polaco le convierten en uno de los autores mas reconocidos del panorama de las letras españolas. Es entonces cuando se instala de nuevo en Madrid, donde compagina la labor de articulista en El Pais con la publicacion de novelas como Los misterios de Madrid (1992) o Plenilunio (1997). En 1995 es elegido miembro de la Real Academia Española. Casado en la actualidad con la tambien articulos escritora Elvira Lindo, vive entre Madrid y Nueva York, ciudad en la que dirigio el Instituto Cervantes. Entre sus novelas mas recientes figuran Ventanas de Manhattan (2005), El viento de luna (2008) y La noche de los tiempos (2010).

En tono didáctico unas veces, crítico otras y nostálgico en ocasiones, Eduardo, a través de estos artículos, nos acompaña en un largo paseo por el tiempo, nos da las pautas de lo que puede ser el verdadero arte, nos habla del arte actual, nos desvela los entresijos de todo lo que lo rodea y nos acerca a su propia intimidad hablandonos de sus recuerdos entre algunos de los artistas mas relevantes.

El esfuerzo secular en la disolución de las fronteras entre culturas ha generado condiciones nuevas para el arte que afectan a la propia definición de su naturaleza y de sus funciones sociales. En la actualidad, instancias como el mestizaje y la globalizacion determinan de forma masiva la comunicacion visual.Un efecto sintomatico de esa nueva realidad cultural, marcada por una activa substraccion de las diferencias, es el desarraigo. Por otro lado, territorios de los cinco continentes que antes eran considerados marginales para la produccion artistica moderna han entrado en sintonia en los ultimos tiempos con los centros dominantes, donde son valorados como lugares culturalmente emergentes. La modernidad globalizada ha generado un nuevo mapa en el que la identidad es una nocion a redefinir y se aboga por un arte que no hunde ya sus raices en un territorio concreto.El arte en su destierro global. Cultura contemporanea y desarraigo, que recoge ensayos de reconocidos artistas, comisarios y criticos de arte contemporaneos, se ocupa de diversos aspectos caracteristicos de este nuevo episodio de la realidad artistica y de algunos de los terminos que frecuenta el lenguaje de la creacion visual en ese territorio globalizado.Incluye ensayos de Javier Arnaldo, Eva Fernandez del Campo, Uwe Fleckner, Ticio Escobar, Joan Fontcuberta, Jean-Hubert Martin, Partha Mitter, Mireia Sentis y Sami Nair.Javier Arnaldo es titular de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Fue Conservador del Museo Thyssen-Bornemisza entre 2001 y 2011. Entre sus publicaciones estan los libros Estilo y naturaleza (1990), Las vanguardias historicas (1993), Yves Klein (2000), Analogias musicales (2003) y ¡1914! La vanguardia y la Gran Guerra (2008), estos ultimos textos del mismo titulo de dos de las exposiciones que ha comisariado.

Presentación |Cuatro años después La exp. clásica |100 años de Nefertiti Entrevista |Zaha Hadid La exp. contemporánea |Dan Flavin La obra |Velázquez y el Inquisidor Espacios |Wang Shu: Museo de

El arte nos abre al mundo simbólico. El lenguaje artístico nos permite conocernos a nosotros mismos y al mundo en que vivimos desde significados imaginados. Específicamente, en este libro se ofrece un acercamiento a la comprension de la corporeidad humana desde el arte.Tomando algunos recursos, tecnicas, materiales y organizaciones propios del lenguaje artistico, se desarrollan nuevos y distintos modos de comunicacion y manifestacion corporal.

¿Cómo llegó el boceto a ser aquel dibujo rápido que a todos nos conmueve por la sensación de libertad que origina? ¿Qué camino tuvo que recorrer el boceto y la expresión fragmentada o no terminada de la obra de arte para ser reconocido como tal? Seducida por aquellas expresiones del arte que son espontaneas, rapidas, intuitivas o incluso nomadas, la autora se embarca en su propio viaje por conceptos de la historia del arte, de la filosofia y de la literatura que llevan al lector de la mano a traves del nacimiento y posterior auge de un tipo de dibujo u obra artistica que por su informalidad suele pasar inadvertido en los grandes textos de la historia del arte.

El factor grotesco reúne más de 270 pinturas, esculturas, dibujos, grabados, libros, documentos y fragmentos de películas, obras de 74 artistas reconocidos entre los que se encuentran Francis Bacon, Louise Bourgeois, Otto Dix, James Ensor, Max Ernst, Jose Gutierrez Solana, Victor Hugo, Paul Klee, Willem de Kooning, Roy Lichtenstein, Rene Magritte, Man Ray, Franz Xaver Messerschmidt, Juan Muñoz, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Richard Prince, Juan Sanchez Cotan, Antonio Saura, Thomas Schutte, Cindy Sherman, Leonardo da Vinci, Bill Viola y Franz West. La exposicion incluye una seccion de imagenes en movimiento, que incluye fragmentos de las peliculas El botones (1918, Buster Keaton y Fatty Arbuckle), El jorobado de nuestra señora de Paris (1923, Wallace Worsley) y Bedlam (1946, Mark Robson), asi como algunos metrajes de Georges Melies. La seleccion muestra como desde sus inicios el cine incluyo lo grotesco (lo burlesco) en su modo moderno de contar historias y varios directores participaron de esta mentalidad. Comisariada por Jose Lebrero Stals, director artistico del MPM, la exposicion cuenta con el asesoramiento de Luis Puelles, profesor titular de Estetica y Teoria de las Artes de la Universidad de Malaga. El proyecto es posible gracias a la generosidad y prestamos concedidos por colecciones privadas, galerias de arte, asi como la gran implicacion instituciones museisticas de Europa y Norteamerica, entre las que se encuentran The British Museum de Londres, el Museo Belvedere de Viena, el Museo del Louvre de Paris, el Museo Nacional del Prado de Madrid, The Museum of Modern Art de Nueva York, The Royal Collection de Londres y Victoria & Albert Museum de Londres.

Los sentidos de la mirada. Convergencias sobre arte es un libro que reúne por vez primera los escritos sobre artes plásticas del poeta José Hierro. En estos ensayos analiza algunos pintores y escultores centrales del arte, no solo español sino tambien internacional, del siglo XX. De Picasso a Antoni Tapies, de Joan Miro a Rafael Canogar, de Roberto Matta a Miquel Barcelo, Hierro va descubriendo el significado del arte en paginas de gran sentido estetico y critico. Es ahi donde el poeta otorga a sus escritos una conciencia estetica y critica, que lo llevo a ser una de las voces mas originales de la critica de arte de su tiempo. Un libro inedito y unico que sera un descubrimiento para la critica en general y tambien para los lectores de Jose Hierro.

Al lector, incluso al más avisado, le habrá llamado la atención que de determinadas obras de Ramón Gaya se haya hecho, en el transcurrir del tiempo, más de una edición distinta, cada una diferente siempre en algo de la anterior. Eso se debe a que la obra de Ramon Gaya, y no solo la literaria, es una obra que busca la claridad mas neta para hacernos comprender su principio, su nucleo de origen, la concavidad que alberga el hueso en cada fruto, y para llegar a eso tiene que mondar y rebanar, ir descarnando para quedarse en el esqueleto. Le molestan las adherencias, apunta a la esencia, de ahi que su escritura este plagada de matices jamas superfluos; trazos seguros, firmes y escuetos que van perfilando aquello que realmente necesita decir, no le queda mas remedio que decir. Pues bien, a la hora de "estructurar" estos tomos de su Obra completa Ramon Gaya ha procedido del mismo modo con que interviene siempre que se trata de su obra, intentando esta vez, eso si, darle un caracter ya definitivo.