Libros de Teoría y crítica de arte, página 17 de 177

Borrar los límites. Tal podría ser, resumida en un solo gesto, la tarea a la que Allan Kaprow se consagró durante su vida artística. No sólo borrar las fronteras entre el objeto, la instalación y el performance para crear happenings, sino desdibujar esa frontera tan persistente en la historia del arte que lo separa de la vida. Reacio a las distinciones tajantes, en particular si afectan el flujo entre disciplinas artisticas, Kaprow procuro vincular el legado de Jackson Pollock con las enseñanzas poco convencionales de John Cage y el movimiento Fluxus, a fin de mirar de manera estetica todo lo que no se considera "artistico".

El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduria. Wilde fue cofundador del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), que anticipo las vanguardias artisticas del siglo xx, y expone aqui las ideas centrales de una forma de ver al arte que sigue teniendo hoy pleno vigor. Preconiza la unidad espiritual de las artes y las vincula estrechamente con la artesania, devolviendo a esta la dignidad artistica y la pulsion creativa que clasicismo y romanticismo le habian negado. Vincula el arte a la vida, como algo que otorga sentido a lo cotidiano y que entraña y desentraña sus secretos; pone en relacion el arte, la arquitectura, el diseño y la artesania en sentido amplio; aborda temas como la decoracion, la escultura, la tapiceria, la impresion y la encuadernacion de libros, el diseño de ropa...En definitiva, este libro constituye un breve tratado del buen gusto, una sencilla y magistral leccion de estetica aplicada al arte, al diseño, y a nuestra vida; una invitacion a abrir los ojos a la belleza que nos rodea y a mirar la vida con la inteligencia estetica que predico Wilde.

No puede entenderse ninguna crítica artística de la escultura sin tener en cuenta a Herder y a Winckelmann. Con ellos se inaugura, prácticamente, la disciplina. Fiel heredero de esta inauguración, Walter Pater, profesor en Oxford, alumno de Ruskin y maestro de Wilde, escribio ensayo y novela (Estudios en la historia del Renacimiento y Mario el epicureo, son ejemplos de uno y otra) y representa una luz para la estetica de su epoca, la victoriana, que desarrollo una sensibilidad exquisita con respecto a todo lo griego. Es muy probable que Pater se asumiera como un vinculo entre el oscuro arte helenico de la etapa heroica, la primera escuela de escultores de 576 a.C, y su periodo victoriano, un periodo que comienza a profundizar en la apreciacion de este arte, una de las piedras fundacionales de Occidente. Una y otra vez Pater contextualiza las obras que ocupan su interes y traza similitudes con fenomenos similares de la historia universal del arte. Enriquece su trabajo con el añadido del elemento legendario tan intimamente vinculado a la genesis de las obras temprana que, incluso hoy, es dificil lograr una separacion entre verdad y mito.

Salvatore Settis ofrece un original recorrido interpretativo del Laocoonte. La historia de su fama, desde la Antigüedad hasta el descubrimiento del siglo XVI y hasta nuestros días, enmarca un análisi

"Cuando hablamos de criticar el arte, no hablamos de considerar las cualidades más o menos objetivables de algo que hemos convenido en designar como "obra de arte", sino de cuestionar, cabría decir de un modo trascendental, los fundamentos ideologicos mismos que nos han llevado no solo a convertir a una serie de objetos en una especie de excepcion en el reino de las cosas, sino a considerar incluso que en ellos habitan revelaciones trascendentales que nos situan de modo inmediato en el reino de la verdad. Hablamos mas bien de replantear el propio estatuto ontologico del Arte en tanto realidad historica un tanto estupefaciente, de la misma forma en que el pensamiento ilustrado se atervio a cuestionar las verdades mas o menos inconmesurables del discurso religioso".

Aborda una parcela vital, aunque no siempre explícita, de la creación artística de distintas epocas y culturas, desde una perspectiva heterogenea. La condición polimórfica del erotismo es la que ha guiado el caracter hibrido de los distintos estudios que componen la edicion: desde Roma al arte actual, desde la vision surrealista a la estetica japonesa, desde el sujeto al objeto, desde las categorias fetichistas a las comprometidas, de la extrañeza a la complicidad, y otros aspectos del erotismo vistos desde opticas actuales como la semiotica, los estudios de genero y el feminismo.

La toma de conciencia de la mujer sobre sí misma, como ser independiente, capacitado para tomar por sí las riendas de su vida, supone la revolución cultural más importante del siglo XX en occidente. Un transcurso que en sus inicios estuvo alentado y defendido por un grupo de mujeres, intelectuales y artistas que, asentadas principalmente en Paris en las tres primeras decadas de ese siglo, fueron capaces de percibir que el momento del cambio habia llegado. Pretendian que su trabajo, su obra, saliese de su entorno intimo, cobrase visibilidad en la sociedad, pero lo verdaderamente trasgresor de ellas era su independencia, su mirada autonoma, su reflexion particular, el sentir que su existencia tenia significado en si, en su propio ser, lo que hizo de estas pioneras, en los distintos campos en que se comprometieron, autenticas revolucionarias. Tan fascinante momento, y sobre todo la atraccion que sobre mi ejercieron estas multiples protagonistas, muchas de ellas anonimas, me llevaron a organizar este primer ciclo de cinco conferencias sobre mujer y vanguardia: La vanguardia en Femenino, dentro de la semana del Arte promovida desde el Ateneo de Valladolid. Mi pretension no fue hacer Historia del Arte de genero, sino poner en su justo termino la genialidad e importancia que muchas de estas creadoras tuvieron y que, por desgracia, muy pocos les han reconocido. De esta forma, a traves de estos cinco ensayos, hemos pretendido buscar la mirada, el sentimiento, la sensibilidad de estas mujeres/artistas a la luz de otras mujeres historiadoras/criticas que en un tiempo posterior añadiesen a su estudio y analisis, una perspectiva mas proxima y complice como resultado de su propia condicion y enfoque.

Hablar de José Andrés Santiago Iglesias es hablar de Japón, es hablar del Zen contemporáneo a modo de haikú, es reflexionar sobre lo obvio y lo obtuso; en definitiva es hablar de una singular actualizacion de imagenes que acarician la idea de un sistema simbolico inaudito. Un singular sistema de relaciones que enriquece las series perfeccionando las partes del todo. Su obra habla de esas riquezas del lenguaje articulado, con los que constituye de forma vertical las preguntas; es ese orden falso el que permite su evolucion.

Revista de la Sociedad Española de Emblemática, editada por la Universitat de València, con periodicidad anual. Presenta un espacio editorial de ámbito internacional como exponente del estudio de la

Este es un libro central en el debate sobre el arte contemporáneo. Y su autora una de las más destacadas especialistas a nivel internacional. Traducida por primera vez al castellano, su obra retoma a sociologos como Pierre Bourdie, pero tambien a ensayistas como Walter Benjamin y T.W. Adorno, e incluso al propio Marx, para desembocar en un formidable analisis de la relacion entre creacion artistica, valor economico y reconocimiento publico.¿Como opera el mercado sobre los artistas?¿En que momento se convirtio en arbitro del juicio estetico?¿Son la celebridad y el marketing el horizonte final del arte contemporaneo?¿Se han vuelto los artistas estrategas en comunicacion?¿Por que una obra de arte vale un precio y no otro? Graw responde a estas preguntas en un tono que nunca se acerca a la denuncia o a la queja, sino al analisis riguroso y profundo de las condiciones de produccion y circulacion en el mundo del arte actual.

"Un abrazo (he procurado animar la carta con dibujos)" De esta forma, terminaba Federico García Lorca una misiva con ilustraciones dirigida a Jorge Guillén en enero de 1927. La advertencia del poeta

Este libro sigue, a paso, el proceso de trabajo de los pintores de frescos, desde las actividades preliminares hasta la culminación de sus obras. Es un análisis del proceso de creación y ejecución de las pinturas, que incide de manera especial en los interrogantes que se plantean los pintores y en el significado de sus decisiones tecnicas y procedimentales. El autor utiliza los escritos de los pintores de frescos que han explicado integramente el procedimiento, siguiendo unos determinados principios y metodos.

Los nueve trabajos que reúne este volumen, coordinado por Javier Panera, Margarita Ruiz y Antonio Casaseca, exploran de una manera crítica las diferentes vías por las que el poder política y religioso, por una parte, y la industria del ocio y del consumo, por otra, han instrumentalizado las imagenes artisticas para conseguir sus objetivos.El libro analiza a traves de diferentes contribuciones de relevantes expertos como Juan Francisco Esteban Lorente, Francisco Galante y Jorge Luis Marzo, entre otros, la capacidad de la imagen parar informar y proporcionar placer estetico pero tambien para transformar la conducta de las personas, de convencer y de manipular la realidad. Una capacidad a la que el arte de todas las epocas no ha sido ajeno.

¿Cuándo fue la última vez que os mirasteis al espejo? ¿Cuándo fue la última vez que mirasteis en vuestro interior? Recorrer los miles de pasillos oscuros, abrir las habitaciones prohibidas, difuminar vuestros limites, cambiar las reglas. Es tan dificil. Siempre esta el guardian que dictamina y obedeceis. Vuestra parte mas oscura siempre intenta ocultarse tras una sonrisa. Vuestras ambiciones se disfrazan con buenos modales. Vuestros actos se justifican con amor. Con miedo de perder toda la basura que habeis acumulado con los años. Ese es el reflejo que os devuelve el espejo. Hoy os falta algo que ansiais. Una vida que alguien os prometio de pequeños. Pero el reflejo es duro y solamente muestra verdad.

Libro fundamental para cualquier persona interesada en comprender el arte contemporáneo mexicano actual. Escrito por el curador y crítico de arte Daniel Montero, El cubo de Rubik, arte mexicano en los años 90, presenta una investigacion que parte de la pregunta ¿que ocurrio en la decada de los noventa en Mexico para que hubiera una transformacion en la produccion artistica de una manera de hacer arte que se llamo neomexicanismo a otra relacionada con el arte-objeto-conceptual?La investigacion que se presenta en este volumen, que abarca de 1988 a 2007, se genero ante un cuestionamiento puntual: ¿que ocurrio en la decada de los noventa en Mexico para que se diera una transformacion en la produccion artistica de lo que se llamo neomexicanismo a una produccion relacionada con el arte-objeto-conceptual? Pero saber por que se produce un fenomeno implica poder entender sus circunstancias, y son precisamente esas circunstancias las que se desarrollan en este trabajo. Comprender esos objetos artisticos supone entender su contexto de produccion, no porque las obras no puedan ser leidas, sino porque para poder leerlas hay que tener acceso a otros puntos de vista, a otra informacion y a otros problemas que van mas alla de las consideraciones esteticas.El libro se enmarca dentro de labor editorial llevada a cabo por la F...

Este libro, Entre el suelo y el cielo, trata de mostrar lo que han significado a lo largo de mi vida el descubrimiento, cultivo y disfrute de mis aficiones más queridas: la artística y la literaria. Mas bien dos pasiones que me han acompañado siempre, proporcionandome momentos estimulantes y placenteros que me han ayudado a superar otros mas dificiles, baches que inexorablemente aparecen a lo largo del camino, y ha supuesto un acicate, por la ilusion y el entusiasmo que me ha generado tener entre manos proyectos creativos en que ocupar mi tiempo. A la vez que relato experiencias pasadas e indago sobre los antecedentes de estas inclinaciones innatas, ilustro toda la trayectoria con fotografias de mis creaciones antiguas y recientes: dibujos, poesias, relatos asi como una amplia coleccion de piezas de arte textil (patchwork). Quiero mostrar lo facil que resulta seguir estos sentimientos cuando son tan fuertes, y como, aunque sea de forma elemental y autodidacta, se puede llevar a cabo lo que la imaginacion sugiere y dar unos frutos beneficiosos para toda tu persona, tanto fisica como mentalmente. Quisiera que mi experiencia y mis logros, aunque discretos, pudieran servir al lector para sugerirle un habito tan saludable y constructivo para ocupar su tiempo libre: solo tiene que escuchar la voz interior, dejarse arrastrar por esa necesidad espiritual, dejar que fluya la sensibilidad y echar mano de la voluntad, poniendose manos a la obra.

Desvela la servidumbre que las últimas arquitecturas de la ciudad tienen con respecto al proceso de integración del capitalismo contemporáneo y de los diferentes sistemas de producción del espacio urbano. Aquello que caracteriza la crisis de la metrópoli de hoy, es el juego de fuerzas entre un modelo de ocupación capitalista del territorio, y la tentativa de recuperar y reconvertir el mismo sobre supuestos básicamente diferentes.

La Tempestad de Giorgione es la pintura más enigmática de todo el Renacimiento y la que ha suscitado mayor número de análisis e hipótesis, agrupándose estas últimas en dos polos extremos; el que sostiene que la Tempestad es el primer cuadro sin tema de toda nuestra pintura, y el que lo considera representacion de una escena mitologica de compleja interpretacion. En el presente libro, las dos obras mas celebres de Giorgione (La Tempestad y Los Tres Filosofos) no seran consideradas prodigiosas fantasias sino mas bien incluidas en una serie iconografica puntualmente establecida. El conocimiento de las diversas fases de su elaboracion ayuda a recorrer en sentido inverso un proceso creativo que no es simple elaboracion iconografica, sino verdadera preocupacion por esconder el asunto de la obra, haciendolo comprensible solo a pocos.

La principal poetica no fragmentaria del Romanticismo alemán. A ella corresponde el establecimiento moderno de la categoría del Humorismo, en contrapunto a la de lo Sublime.