Libros de Teoría y crítica de arte, página 18 de 204

El presente proyecto recoge la trayectoria de una de las iniciativas pioneras dedicadas a la manifestaciones emergentes de arte y vida artificial. Las obras premiadas de VIDA, junto con las merecedoras de los incentivos a la produccion en America Latina, España y Portugal, ofrecen una amplia muestra de la evolucion del discurso arte-vida, profundamente marcado por las ciencias de la vida y por los avances en los ambitos de la robotica, la informatica y las telecomunicaciones. A los proyectos artisticos de VIDA no les une la pregunta ¿que es la vida?, sino ¿como es y como podria llegar a ser? ¿Como influyen los avances cientificos y tecnologicos en nuestro modo de entender a modificar la vida? El texto curatorial Vida artificial: mitos, leyendas y realidades parte de una breve incursion en el mundo del gran simio tecnologico. Indaga en la evolucion de la percepcion y comprension de la vida en el arte y la ciencia. Conecta con el discurso arte-vida del siglo pasado y su hibridacion en el campo de la vida artificial. Mas alla de la base formal y material, el arte explora las relaciones y los procesos, las estructuras internas de los sistemas vivos, sean estos naturales, artificiales o simbioticos en su configuracion organica y tecnologica. Los artistas trabajan con materia viva geneticamente modificada, con neo-organismos semivivientes y otras formas de sub-vida. La exposicion VIDA cuenta con la participacion de algunos de los artistas pioneros en el ambito de arte y vida artificial y, junto a ellos, otros artistas emergentes en los nuevos campos de la investigacion y la creacion. Tanto la muestra como el proyecto editorial rinden homenaje a los grandes hitos, pero tambien ofrecen claves para entender la relaciones profundas entre las actuales manifestaciones de vida artificial y sus precedentes historicos en los diversos campos de las artes y de las ciencias.

La publicación de esta cuidada edición en español de los Escritos más relevantes de Marcel Duchamp (1887-1968) supone todo un acontecimiento editorial. Jose Jimenez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revision y anotacion de los textos, fijando la terminologia para su mejor comprension en nuestra lengua. Se trata de una cuestion decisiva, ya que si hoy se suele considerar a Duchamp como uno de los artistas mas importantes de nuestro tiempo, no pocas veces se habla de el sin conocer suficientemente la complejidad de su trabajo, en el que la representacion visual y la escritura constituyen un entramado indisociable. Duchamp planteo de modo radical el interrogante acerca de la especificidad del arte en un mundo caracterizado por la sobreabundancia de imagenes, resultado de la aplicacion de la tecnica a la produccion de objetos, la comunicacion y el consumo. Nos enseño a ver, a comprender, que en la era de la configuracion tecnologica de la vida, las propuestas artisticas se articulan como juegos de lenguaje, cuyos sentidos no son aprehensibles de forma inmediata o directa en la representacion visual. En definitiva, Marcel Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes del arte en el mundo actual. En su trabajo: las obras, las imagenes y objetos elegidos, los textos,y su de

Civilización y barbarie. El mito como argumentoen los mosaicos romanos ofrece una nueva perspectiva de aproximación a la mitología y su reutilización a lo largo de la historia, incluida la presente, como resultado de un fenomeno de resemantizacion consciente e interesado, y arrojar luz sobre el autentico significado de episodios y leyendas, objeto de recuerdo en los mosaicos, en virtud de los principios y valores rescatados del pasado, pero siempre acordes con el contexto historico propio de la adaptacion y creacionde las obras musivas.Para ello cuenta con la intervencion de los mejores especialistas españoles y de algunos de los mas prestigiosos estudiosos extranjeros, que como especialistas en la musivaria romana han tratado, desde diversos enfoques y temas, la compleja y sutil representacion de la citada concepcion romana acerca delbinomio civilizacion y barbarie.

Este libro abre un novedoso diálogo con tres interlocutores: Miguel de Cervantes, Francisco de Goya y Frederick Wiseman. Explora algunas representaciones que inciden en el tema de la locura dentro del lapso temporal que va desde el Barroco hasta el siglo XX, y en el marco de los lenguajes artisticos comparados: la literatura, la pintura y el cine. Las tres voces conforman un triangulo cuyos vertices estan separados por mas de un siglo de distancia: el idealismo erasmista de Cervantes, la critica a la razon de Goya y los postulados proximos a la contracultura que se desprenden del documental de Wiseman Titicut Follies (1967). Sin embargo, a pesardel tiempo, muestran asonancias y disonancias muy significativas. El enfoque interdisciplinar y su prosa agil hacen que estemos ante una obra original, dirigida no solo al publico universitario, sino tambien a lectores interesados en la literatura, la estetica, la psiquiatria, el cine y la historia de las ideas.

¿Cómo llegó el boceto a ser aquel dibujo rápido que a todos nos conmueve por la sensación de libertad que origina? ¿Qué camino tuvo que recorrer el boceto y la expresión fragmentada o no terminada de la obra de arte para ser reconocido como tal? Seducida por aquellas expresiones del arte que son espontaneas, rapidas, intuitivas o incluso nomadas, la autora se embarca en su propio viaje por conceptos de la historia del arte, de la filosofia y de la literatura que llevan al lector de la mano a traves del nacimiento y posterior auge de un tipo de dibujo u obra artistica que por su informalidad suele pasar inadvertido en los grandes textos de la historia del arte.

Un recorrido didáctico y profusamente ilustrado a través de una selección de la colección Ella Fontanals-Cisneros sobre el arte abstracto en Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, México, Uruguay y Venezuela. Comprende la mas extensa y reconocida coleccion de fotografia vinculada a la abstraccion. Tiene una serie de esquemas conceptuales, cronologias, ensayos y una cuidada seleccion de documentos historicos que contextualizan y explican el trasfondo y sentido de esta corriente artistica.En Pulsos de la Abstraccion en Latinoamerica encontramos algunas de las experiencias e investigaciones mas sugerentes de toda la historia del arte.

En este primer estudio exhaustivo sobre el proceso creativo de Martínez Celaya, Mary Rakow y Matthew Biro iluminan aspectos anteriormente no atendidos de su práctica del artista, incluyendo su tendencia a destruir su propia obra, sus materiales, sus influencias literarias, y los cambios que marcaron momentos clave en su carrera. Enrique Martínez Celaya es uno de los artistas más interesantes y reconodidos de Estados Unidos de los últimos años. Formado como artista y físico, su práctica abarca pintura, escultura, fotografía y escritura. Sus proyectos suelen tomar forma de entornos multidisciplinares que sostienen imágenes con la inmediatez de la experiencia material, y sus ideas, así como su enfoque, estan influenciadas por fuentes que van desde la poesía nórdica a la física cuántica. Su temprana formación como científico y su interés por la filosofía se hacen evidentes en su trabajo con múltiples lecturas: cerebral, directamente emocional y profundamente ligado a la vida. Este libro recoge tanto fotografías nuevas, como imágenes de archivo, y una serie de obras inéditas. También se incluye una entrevista de Mary Rakow con el artista que revela su práctica única, así como una cronología biográfica, una bibliografía y un historial de sus exposiciones.

Los juguetes de construcción han tenido una estrecha relación con la historia de la arquitectura moderna. Y este libro muestra en imágenes, precisamente, el cruce de ambas historias, la de los juguetes y la de diferentes episodios de la arquitectura desde el siglo XIX. La difusión de estos juguetes, simultánea a las creaciones de vanguardia, divulgó la nueva arquitectura, convirtiéndola en sueño y aspiración de niños y adolescentes, lo que produjo una educación arquitectónica en sucesivas generaciones de los arquitectos modernos que ha sido poco valorada. Esta historia, expuesta primero de forma analítica y después en un catálogo cronológico que agrupa las principales cajas de construcciones por los materiales de fabricación, se ordena a través de los tres conceptos con los que Vitruvio definió la arquitectura: «firmitas», «utilitas» y «venustas», resumiendo así la teoría arquitectónica que contienen estos juegos. El escultor y doctor arquitecto Juan Bordes es profesor en la Escuela de Arquitectura de Madrid y miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En esta editorial ha publicado «La infancia de las vanguardias» (2007), así como «Las teorías artísticas de la figura humana» (2003).

La siesta del fauno presenta una selección de los más de doscientos dibujos realizados por el artista español Francisco Bores (Madrid, 1898-París, 1972) para una edición del célebre poema de Stéphane Mallarme LApres-midi dun faune, programada por E. Teriade en 1943 como una de las primeras entregas de las editions de luxe de Verve, el sello editorial que creo y en el que se produjeron algunos de los libros de artista mas extraordinarios del siglo XX. El trabajo para aquella edicion del poema de Mallarme quedo en un estado muy avanzado de realizacion pero no llego a completarse. Los dibujos preparatorios del inconcluso libro de litografias se dan a conocer ahora por primera vez y revelan una maestria cautivadora en la interpretacion de un tema que hace excepcion en su obra. Este libro, publicado con motivo de la exposicion de tan valiosa obra inedita, se presenta a los lectores como restauracion imaginaria del poema de Mallarme ilustrado por Bores. A esta recreacion impresa de un libro que no llego a existir, en la que los dibujos de Bores encuentran su expresion mas propia es decir, junto a los versos de Mallarme y en una secuencia completa acompaña en este volumen una traduccion del poema al castellano realizada para la ocasion por Antonio y Amelia Gamoneda, asi como un estudio del profesor y critico de arte Javier Arnaldo sobre este proyecto de edicion de Teriade y sobre los dibujos de la serie.

En tono didáctico unas veces, crítico otras y nostálgico en ocasiones, Eduardo, a través de estos artículos, nos acompaña en un largo paseo por el tiempo, nos da las pautas de lo que puede ser el verdadero arte, nos habla del arte actual, nos desvela los entresijos de todo lo que lo rodea y nos acerca a su propia intimidad hablandonos de sus recuerdos entre algunos de los artistas mas relevantes.

La muestra, organizada por Casa del Lector y Acción Cultural Española (AC/E) y comisariada por Francisco Jarauta, cuenta con obras de Gema Álava, Theo Angelopoulos, Eugeni Bonet, Jorge Luis Borges, Constant, Julio Cortazar, Roso Cuso, Daniel Garcia Andujar, Adolph Gottlieb, Ramon Llull, Josue Moreno, Robert Morris, Antoni Muntadas, Jaume Plensa, Santiago Ramon y Cajal, Charles Sandison, Robert Smithson e Imogen Stidworthy Son diversas las literaturas que han construido la imagen del laberinto como simbolo de la perdida de transparencia, lo que Borges llamo la opacidad del mundo. El hilo de Ariadna sugiere no solo el modo de liberarnos del laberinto sino tambien un recurso poetico que permite seguir tejiendo -ya en el espacio abierto- ese tapiz de formas y signos. Esta exposicion ofrece al espectador el posible viaje de los saberes a traves de la lectura mostrando distintos laberintos y dibujando un recorrido desde el territorio del mito a las redes de comunicacion actuales, pasando por otras formas como las estructuras biologicas creadas por la Naturaleza. Y si antes el itinerario del lector era recorrer el tapiz que la Ariadna liberada iba tejiendo a lo largo de los tiempos, es ahora un nuevo lector, navegante por excelencia de otros universos, el que traza las rutas de mundos posibles cuya articulacion y sintaxis se definen a partir de los procesos de interaccion e intercambio de los discursos. La exposicion incluye obras que han sido concebidas especificamente para la muestra y se construiran in situ como las de Daniel Garcia Andujar, Antoni Muntadas, Imogen Stidworthy, Gema Alava, o una espectacular instalacion interactiva sobre el laberinto de la Casa de Lucrecio en Pompeya.

Este libro se publica con motivo del XX aniversario del Museo Thyssen- Bornemisza, presenta algunas de las obras maestras de la colección desde una perspectiva nunca vista a través de excelentes foto

De manera sencilla y atractiva, a través de la narración acerca de las experiencias de un grupo de amigos que inician la Universidad, nos introduce la autora, doctora en Filosofía, en una materia que trasciende lo puramente intelectual para imbuirnos de lleno en dos campos que domina de pleno: el arte y su concepcion filosofica. El arte no solo es arte, sino que es vida, es todo y nada. Y su ciencia, la estetica, pretende provocar en nosotros un desocultamiento de lo que la obra de arte encierra y abre en si misma, es el camino que nos permite acceder al secreto mas recondito de la verdad, del conocimiento del ser y de la nada.

El arte en el tiempo crítico de la globalización ha encontrado su refugio dorado en las bienales y las ferias de arte, que convierten la experiencia estética en una entrega absoluta a la espectacularizacion. Desde el reality-show a la violencia expandida mediaticamente se impone un imaginario cruel y, al mismo tiempo, banal que deriva en tendencias artisticas como la estetica relacional, las letanias del conceptualismo institucional o la obsesion por el archivo. En un mundo delirante proliferan actitudes delirantes y da la impresion de que los freaks toman el mando de las operaciones en un carnaval ininterrumpido y, finalmente, tedioso.Contra el Bienalismo traza una serie de aproximaciones a la cultura contemporanea abordando cuestiones como el pretendido antifetichismo de ciertas obras artisticas, las contaminaciones con lo arquitectonico, la dimension humoristica o parodica de ciertos planteamientos esteticos o la obsesion escatologica. Este mapa fragmentario ofrece posicionamientos criticos para pensar los regimenes de visualidad hibrida actual.

El factor grotesco reúne más de 270 pinturas, esculturas, dibujos, grabados, libros, documentos y fragmentos de películas, obras de 74 artistas reconocidos entre los que se encuentran Francis Bacon, Louise Bourgeois, Otto Dix, James Ensor, Max Ernst, Jose Gutierrez Solana, Victor Hugo, Paul Klee, Willem de Kooning, Roy Lichtenstein, Rene Magritte, Man Ray, Franz Xaver Messerschmidt, Juan Muñoz, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Richard Prince, Juan Sanchez Cotan, Antonio Saura, Thomas Schutte, Cindy Sherman, Leonardo da Vinci, Bill Viola y Franz West. La exposicion incluye una seccion de imagenes en movimiento, que incluye fragmentos de las peliculas El botones (1918, Buster Keaton y Fatty Arbuckle), El jorobado de nuestra señora de Paris (1923, Wallace Worsley) y Bedlam (1946, Mark Robson), asi como algunos metrajes de Georges Melies. La seleccion muestra como desde sus inicios el cine incluyo lo grotesco (lo burlesco) en su modo moderno de contar historias y varios directores participaron de esta mentalidad. Comisariada por Jose Lebrero Stals, director artistico del MPM, la exposicion cuenta con el asesoramiento de Luis Puelles, profesor titular de Estetica y Teoria de las Artes de la Universidad de Malaga. El proyecto es posible gracias a la generosidad y prestamos concedidos por colecciones privadas, galerias de arte, asi como la gran implicacion instituciones museisticas de Europa y Norteamerica, entre las que se encuentran The British Museum de Londres, el Museo Belvedere de Viena, el Museo del Louvre de Paris, el Museo Nacional del Prado de Madrid, The Museum of Modern Art de Nueva York, The Royal Collection de Londres y Victoria & Albert Museum de Londres.