Libros de Teoría y crítica de arte, página 2 de 178

Según la Biblia hebrea, Lilith fue la primera mujer que Dios quiso darle como compañera a Adán, y la hizo, a semejanza de él, del polvo de la tierra. Y Lilith, viéndose su igual, se rebeló un día ante sus constantes exigencias y lo abandono. Huyo a los espacios y tuvo amores con diversos demonios: fue la primera mujer liberada de la historia de la humanidad. Fue la primera "femme fatale".El proposito de este libro es averiguar las causas por las que en el ultimo tercio del siglo XIX surgieron del pincel de tantos artistas no solo desagradables, sino infames, imagenes femeninas. ¿Cuales fueron las razones del surgimiento de aquel relato visual que complacia a los hombres y desagradaba a las mujeres? Evidentemente habia un origen en toda esta iconografia. El principal fue el nuevo despertar de la conciencia en la mujer de su papel secundario en el mundo y, como consecuencia, su protesta formalizada en los primeros y categoricos movimientos de las sufragistas. La sociedad patriarcal observaba alarmada que le surgia una inesperada competidora, insospechada, debido al sometimiento al que, ancestralmente, la habia marginado.Para confirmar la perfidia de la mujer, los artistas de la epoca ofrecieron ominosas epresentaciones de ella, sin darse cuenta de que al mismo tiempo ponian de relieve su miedo y deseo. Para ratificar su denuncia incluso acudieron a imagenes religiosas que corroboraran la maldad innata del ser femenino. Es asi como recobraron, entre otras, la figura de Lilith.

42 pinturas de Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko y otros artistas para observar y entender. ¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostracion,todo se vuelve luminoso y accesible.El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras:Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko...Y el arte se torna limpido.42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDERAnalisis de la obra paso a pasoDetalles puestos de relieve42 PAGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AUN MASContexto historico y culturalCuadros complementarios

Vincent Van Gogh le escribió a su hermano Theo más de seiscientas cincuenta cartas. En este epistolario, un testimonio desgarrado frente a la vida, Vincent no solo volcó sus ideas sobre la pintura sino tambien sobre al realidad que lo rodeaba. Las cartas que Vincent Van Gogh le escribio a su hermano Theo desde 1872 en adelante, constituyen una fuente biografica unica e invalorable para conocer los objetivos, pasiones, esperanzas y desilusiones del pintor. Son un testimonio vivido, casi al modo de un diario, en el que el gran artista da cuenta de su cotidianidad asi como de su inestable salud fisica y mental. Despues de haber inspirado biografias, peliculas, obras de teatro, documentales, estudios academicos y miniseries televisivas, estas cartas extraordinarias y conmovedoras se han transformado, a traves de los años, en un grito desgarrado frente a la vida, en una utopia sobre la comunidad de artistas, en un gran documento humano que muestra al verdadero Van Gogh, por el mismo.

Una exquisita propuesta sobre la relación directa y personal que tenemos con el arte y las exposiciones. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Merce Ibarz sobre cuestiones artisticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relacion directa con las obras. Entre la memoria intima, la observacion culta y el analisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra mas de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.

La colección de vidas de santos que conocemos por el nombre de "La leyenda dorada" es en su mayor parte obra del dominico italiano Santiago de la Vorágine (h. 1228-1298), que llegó a ser obispo de Génova. Lectura de intencion edificante, florilegio, utilizadisimo repertorio iconografico, calendario, pero tambien centon de etimologias, fabulas milagrosas, curiosidades historicas y anecdotas pias cercanas al chisme, constituye una de las mas claras expresiones de una literatura cristiana que, situandose muy lejos del discurso teologico e incorporando narraciones, conectaba con el alma popular mediante la sabia fusion de historia y leyenda. Hoy, sin embargo, como apunta Alberto Manguel, "estas santas vidas casi no pueden ser leidas sino de manera literaria, con connotaciones humoristicas o fantasticas muy lejanas de la intencion de su autor y la vision de sus primeros lectores". Alianza Editorial dispone en su coleccion Alianza Forma de la version completa de la obra: "La leyenda dorada" (AF 29 y AF 30).

Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de dificil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanalisis sea util para las investigaciones historicas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento mas profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras.Se trata, pues, de investigar cuando, donde y por que se creo una imagen tipica del artista en la mente del publico en general y cuales han sido sus rasgos distintivos y fortuna critica. La respuesta se ha buscado en el maremagnum de fuentes historicas: biografias, cartas y documentos, es decir, que la investigacion esta enfocada rigurosamente hacia la documentacion historica.

Extraordinary An intellectual feast as well as a visual one Edmund de Waal author of The Hare with Amber Eyes The world comes to us in colour But colour lives as much in our imaginations as it does in our surroundings as this scintillating book reveals Each chapter immerses the reader in a single colour drawing together stories from the histories of art and humanity to illuminate the meanings it has been given over the eras and around the globe Showing how artists scientists writers philosophers explorers and inventors have both shaped and been shaped by these wonderfully myriad meanings James Fox reveals how through colour we can better understand their cultures as well as our own Each colour offers a fresh perspective on a different epoch and together they form a vivid exhilarating history of the world We have projected our hopes anxieties and obsessions onto colour for thousands of years Fox writes The history of colour therefore is also a history of humanity

21 hitos que, con humor y claridad, nos ayudan a entender lo que ha ocurrido en el convulso mercado del arte en el primer cuarto del siglo XXI. Un ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado. Joan Fontcuberta La periodista y critica de arte Laura Revuelta indaga en las claves para entender por que un platano pegado a la pared con cinta aislante expuesto en un museo, cuya foto da la vuelta al mundo, puede llegar a subastarse por cifras millonarias pese a que casi todos se rien de el. Esta obra de Maurizio Cattelan es heredera directa del urinario con el que Marcel Duchamp nos sorprendio el siglo anterior. Ya es hora de dar replica a la manida frase de esto lo haria mi hijo, a la que un avispado creador una vez contesto con: El arte contemporaneo son los padres. Arte parece, platano es se propone bajar el arte contemporaneo de su pedestal de esnobismo y acercarlo al publico para que se ria con el y no de el. O, al menos, para que sepa de que nos reimos exactamente, y nadie se quede con cara de tonto. En sus paginas no se da nada por sentado y se repasan y explican algunos de los principales acontecimientos de estos veinticinco años: desde la primera cancelacion de Picasso por sus comportamientos machistas hasta la aparicion de los NFTS y la Inteligencia artificial. Revuelta no se olvida de creadores fundamentales que siguen muy vivos, como Duchamp y Warhol, de otros que dan que hablar aunque no pasen por su mejor momento, como Damien Hirst y de quienes han producido las imagenes mas iconicas de lo que llevamos de siglo (Yayoi Kusama, Alicia Framis, Banksy). En ese deseo de no dejar ningun charco sin pisar, tambien se zambulle en temas tan controvertidos como la decolonizacion de los museos o al activismo climatico que pone en el foco mediatico las grandes obras.Criticas:Laura Revuelta nos guia con maestria y precision por las multiples capas que conforman el sistema del arte actual, de las guerras culturales a la omnipresencia de las redes sociales, del feminismo al movimiento decolonial.Manuel Borja-Villel Laura Revuelta ha comprendido enseguida que la gran transformacion del siglo XXI es la incorporacion de la IA en el arte. Este libro es, sobre todo, una herramienta valiosa para los nuevos creadores y las posibilidades del siglo XXII.Alicia FramisUn ensayo vibrante y lleno de sentido que captura el pulso de un arte que ya no quiere ni puede parecerse al del pasado.Joan Fontcuberta Laura ha contribuido a entrenar la mirada, facilitar la comprension del hecho artistico contemporaneo alejandose de la jerga para hacernos participes de la escena e invitarnos a formar parte del entorno y disfrutar plenamente de las manifestaciones artisticas desde sus reflexiones criticas, siempre documentadas, sin apriorismos.Rosina Gomez-Baeza Laura Revuelta se ha acercado a los procesos culturales desde una perspectiva interdisciplinar en la que ha mezclado la alta y baja cultura concualquier manifestacion artistica para defender que la cultura es esencial en la formacion de ciudadanos criticos.Gloria Moure

Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su coleccion.El catalogo propone un exhaustivo analisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y autentico heredero de Tiziano. Ahonda en las lineas de investigacion en torno a Veronese desarrolladas en las ultimas decadas, como el afan por situarlo en contextos mas amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relacion con la clientela (publica o privada), con la arquitectura y la escenografia, el interes por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artistico.Para el Prado, Veronese es mas que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabon fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primo el color sobre el diseño y que constituyo el ADN de la antigua coleccion real y del actual museo.El catalogo se abre con una introduccion a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Universita di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas estan Francesca Trivellato, Ana Gonzalez Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuacion, una extensa seccion dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposicion y que recorren cronologicamente la trayectoria del pintor, situando a este ademas en relacion con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronologia, una Bibliografia y un indice onomastico.

Descubre la historia del arte contemporáneo como nunca antes te la habían contado. ¿Cómo se convirtió en arte una lata de sopa de tomate? ¿Y una tienda de campaña? ¿Y una cama deshecha o un tiburón

Por primera vez se presenta en lengua española una obra clave en la historiografía artística, que se encuentra en la raíz de algunas de las principales corrientes que han marcado el desarrollo de la disciplina en el último siglo, de la iconología de Panofsky a los modernos Estudios Visuales. "Mnemosyne" es el gran proyecto al que Aby Warburg dedicó los últimos años de su vida y que debía resumir y coronar toda su obra. Para ello, recopiló unas 2.000 imágenes articuladas en 60 tablas en un magno atlas que quedó sin terminar a su muerte. A pesar del interés que había despertado entre sus contemporáneos y de los intentos llevados a cabo por los colaboradores de la Biblioteca Warburg después de su traslado a Londres, el material no vio la luz hasta la edición de la Akademie Verlag llevada a cabo por Martin Warnke, uno de los más prestigiosos historiadores del arte de las últimas décadas. Dicha edición, que respeta escrupulosamente la obra tal como la dejó Warburg, es la que se recoge en el libro que el lector tiene ahora entre sus manos. Además, la versión española, bajo la supervisión de Fernando Checa Cremades, recoge, junto a nuevos textos escritos para la ocasión por el mencionado autor y por Karin Hellwig, varias conferencias inéditas de Warburg relacionadas directamente con su obra póstuma, que ponen de manifiesto la complejidad y grandeza de un pensamiento que no sólo no ha perdido un ápice de su interés, sino que se muestra más vigente que nunca.

Piezas sobre arte reúne los textos de Paul Valéry (1871-1945) sobre artes plásticas, textos en modo alguno académicos en los que se cruzan la literatura, la música y en los que se configura un mundo tan complejo como brillante. Alguno de ellos se ha convertido en un clasico, asi sucede, por ejemplo, con el que dedica a Degas, pero no le van a la zaga aquellos que escribe sobre Corot, Manet o Berthe Morisot, sin olvidar los que se ocupan del aspecto material del arte, sea este la escultura o la ceramica.

Un clásico del arte que nos permitirá despertar nuestra capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas.Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estetico que desemboca en la practica de la abstraccion no figurativa. Lejos de ser un texto pragmatico no pretende apelar a la razon y al cerebro, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogias, y busca resolver las dificultades de la expresion escrita por medio de asociaciones sensoriales y linguisticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.

Illuminating reflections on painting and drawing from one of the most revered artists of the twentieth century'Thank God for yellow ochre, cadmium red medium, and permanent green light'How does a painter see the world? Philip Guston, one of the most influential artists of the twentieth century, spoke about art with unparalleled candour and commitment. Touching on work from across his career as well as that of his fellow artists and Renaissance heroes, this selection of his writings, talks and interviews draws together some of his most incisive reflections on iconography and abstraction, metaphysics and mysticism, and, above all, the nature of painting and drawing. 'Among the most important, powerful and influential American painters of the last 100 years ...

Arte y naturaleza. Un siglo de biomorfismo”, brinda una oportunidad extraordinaria de reflexionar sobre el pasado y el presente de la relación entre el arte y la naturaleza, entre la cultura y la cie

En la obra de Walter Benjamin, fundamental para comprender el siglo EE, destaca esta breve pero contundente reflexión en torno al objeto artístico y la comunicación de masas. Sostiene aquí el pensador que, con las nuevas posibilidades tecnicas para su reproduccion, el arte puede transformarse en un poderoso instrumento para la revolucion politica. Una innovacion que, a la vez, hara que la obra pierda su caracter unico, el "aura", y abrira, asi, una nueva dimension para el objeto artistico. Un texto fundamental en torno al arte, la reflexion estetica y la filosofia de la imagen.

Tres palabras, mujeres, arte y tecnología, raramente parecen haber ido de la mano en nuestro pasado reciente. Si a esta rara tríada le añadimos la dimensión cultural y abordamos el estudio de esta interseccion desde nuestros referentes hispanos, observamos un espacio falto de documentacion al que este libro contesta dando voz a una genealogia de creadoras que han desarrollado su trabajo en una reflexion constante sobre la tecnologia. Este volumen esta dedicado a mujeres del ambito hispano que han desarrollado su universo creativo en constante dialogo con los medios tecnologicos disponibles, haciendo gala de un talante pionero y critico en relacion con el papel de la tecnologia en nuestras vidas y su potencial artistico, politico y transformador. Su practica artistica cuestiona los roles e identidades determinados por el nuevo orden economico y social que ha traido consigo la era digital y pone de manifiesto las narrativas que subyacen en la evolucion tecnologica. Nuestro interes principal ha consistido en ofrecer un espacio en el que sus voces encendidas, atravesadas por la electricidad, sean escuchadas, pues es en su quehacer artistico y en la reflexion que de el se deriva donde observamos la particular identidad que se gesta cuando se combinan los factores mujer, arte y tecnologia. Esta interseccion, lejos de ser un conjunto vacio, es una fuente de creatividad y conocimiento, un lugar de enunciacion desde el que explorar el potencial que ofrece el uso de la tecnologia para la creacion, asi como las condiciones y dificultades con las que se encuentran las mujeres artistas que abogan por esta exploracion en el contexto actual. Este libro reune las contribuciones de dieciseis autoras provenientes de ambitos muy diversos, como son la critica literaria y artistica, la arquitectura, la danza, la escultura, la plastica, el videoarte, la performance, la poesia con codigo, los videojuegos, el teatro jugable y la literatura electronica. Pertenecientes a distintas generaciones, sus reflexiones y obras son testimonio de una inquietud que las ha hecho escoger territorios poco transitados, tomar caminos inesperados, a veces virgenes, donde confluyen los aparatos, los cuerpos, las relaciones y donde, a menudo, se subsanan los dialogos imposibles y las genealogias inexistentes con busquedas de referentes lejanos. Con el proposito de reparar la carencia de referentes cercanos para generaciones de artistas futuras, esta coleccion de ensayos contribuye a trazar una genealogia de mujeres creadoras que han reflexionado sobre el impacto que ejerce la tecnologia en el terreno de la produccion artistica y literaria e indaga sobre nuestras raices y realidades, no solo desde el estudio historiografico y el ensayo critico, sino, especialmente, desde el relato de la practica artistica en primera persona.

En las reflexiones de los filósofos sobre la belleza y el arte, desde la Antigüedad hasta nuestros días, late una pasión que nos lleva a ver su tarea como una aventura. El encuentro con lo bello es,

Aunque la ilustración es una disciplina que se puede enseñar siguiendo unas pautas, la simple resolución de ecuaciones que pueden dar como resultado ideas visuales no garantiza un buen trabajo. Por muchas normas que se sigan, una ilustracion no tendra exi