Libros de Teoría y crítica de arte, página 22 de 208

Partiendo del estudio de los mitos fundacionales acerca del origen y la naturaleza de la luz, de la visión y del invento de la imagen figurativa, el autor analiza con agudeza las principales manifestaciones practicas en que se ha plasmado la expresion iconica en la cultura de la modernidad occidental, para desembocar finalmente en un nuevo mito, en el de penetrar en el interior de las imagenes, una aspiracion arcaica que hoy tiene su manifestacion mas popular y expansiva en la tecnologia de la Realidad Virtual Inmersiva.

El propòsit d'aquest breviari és el d'oferir una tria d'articles que l'il·lustre ceramista Llorens Artigas (1892-1980) va publicar com a crític d'art, bàsicament des dels anys que era professor i se

A la infància, Enric Canadell, químic teòric, i Àlex Nogué, artista visual, comparteixen pupitre i jocs de carrer a Castellfollit de la Roca, un poble de la Garrotxa, Girona. Segueixen trajectes vita

¿Qué entendemos por lo español? ¿Cómo el arte de los siglos XIX y XX ha intervenido en la configuración de la visualidad e identidad españolas? Y, en todo caso, ¿no es la identidad una construcción? ¿No implica eso que no se puede fijar en el tiempo, sino que supone siempre la diferencia de una repeticion? ¿No es por eso por lo que las identidades nacionales son procesos que van mutando como tambien mutan los conflictos que genera? ¿Cual es el papel y la agencia de los pueblos en estos procesos de construccion de los imaginarios? ¿Es solo un papel institucional? ¿Cuales son los usos que se hacen de nuestras tradiciones en la produccion de ciertos imaginarios? ¿Que se pierde en el proceso de institucion de una expresion que es popular?Estas son algunas de las cuestiones que se han explorado en las XVIII Jornadas Internacionales de Historia del Arte del CSIC que dan origen a este libro. En ellas se propuso analizar la construccion del imaginario de lo español a la luz de conceptos como el estereotipo, la otredad, lo popular, lo autentico, el apropiacionismo... y, al mismo tiempo, se planteo como determinados artistas, criticos, teoricos o instituciones han interpretado, proyectado y fomentado la idea de lo español, tanto dentro como fuera de España en la Edad Contemporanea.

Cualquier objeto construido es como la figura de un tapiz hecho con hilos que van de un lado a otro de la urdimbre. Por leyes generativas, de conexión, y por el orden de elaboración, se crean figuras, cuya naturaleza revela un conjunto de variables: los hilos. Tiendo a pensar que un objeto no tiene principio ni fin.La apreciacion de la obra de arte cuenta siempre con un objeto externo y unas reacciones que se desencadenan en lo interno. Es una articulacion de dos aportaciones de origen opuesto. La nocion de postimagen me parece paradigmatica y sirve como metafora que cubre muchas ocasiones en la experiencia de la arquitectura o de cualquier obra de arte. La postimagen destila, condensa y representa el modo en que actua la obra al vivirla. Ese objeto real ante nosotros brilla subitamente y parece emitir una luz propia. La obra percibida resplandece en una especie de transfiguracion. Algo de fuera suscita unos mensajes que solo se comprenden si contamos con una memoria de sensaciones y la excitacion de unos organos, en varios niveles de profundidad, que son activados al unisono de la entrada de informacion por los sentidos. Cualquier obra de arte reside en ese espacio intermedio o hibrido. Se instala en una conexion intermitente, oscilante en un ir y venir, entre lo que recibimos y lo que damos.La vivencia de la ...

La movilidad es uno de los temas centrales de nuestra época. En un mundo globalizado, es un modelo de vida, domina la economía y el comercio, y se manifiesta en los movimientos migratorios, las estructuras sociales y el cambio ecologico. Es un concepto que impregna todos los ambitos de nuestras vidas. Para entender a una sociedad, es necesario confrontarse con los aspectos e implicaciones de su movilidad

Features the brightest stars of today's art world, and the art that has most inspired them A surprising and engaging personalized tour of a world-renowned cultural institution that draws more than six million visitors each year Based on T

La exposición se fundamenta en un trabajo histórico y teórico que Georges Didi-Huberman, filósofo e historiador del arte, realiza desde hace años, principalmente a través de la serie de libros titulados Loeil de lhistoire.Desencadenadas por el deseo de libertad y enfrentadas al poder, las sublevaciones son uno de los temas centrales en la moderna pintura de historia y de cronica social, asi como en el arte contemporaneo. La muestra cuestiona la representacion de los pueblos, en el sentido estetico y politico de la palabra representacion. Trabajos que son fruto de episodios historicos inconexos encuentran en esta exposicion un hilo conductor que facilita el establecimiento de relaciones entre ellas y que en algunos casos pueden leerse como arquetipos universales.El sentimiento de rebeldia es uno de los ejes vertebradores del recorrido expositivo, que sigue un camino sensible e intuitivo en el que la mirada puede focalizarse sobre ejemplos concretos a lo largo de cinco ambitos: por elementos (desencadenados); por gestos (intensos); por palabras (exclamadas); por conflictos (encendidos); o por deseos (indestructibles).

Oscar Masotta (Buenos Aires, 1930-Barcelona, 1979) es una figura crucial en la modernización del campo cultural hispano-americano entre los años cincuenta y los setenta. Su intensa labor como ensayista lo lleva a territorios diversos: escribio sobre arte, literatura, comic, politica y psicoanalisis. Es reconocido como el introductor del pensamiento de Lacan en America Latina y España.

La obra trata sobre un estudio de todo el proceso constructivo de la Iglesia Prioral de Santa María de la Asunción de Aroche, partiendo de una excavación previa a su última restauración en el año 2000, estudio arquitectonico desde los restos existentes del siglo XIV y como va evolucionando el edificio hasta la actualidad.Al estudio arqueologico y arquitectonico se complementa con todo el ajuar artistico (Retablos, imagenes, orfebreria, etc) con el que se pretende dar una imagen global de la larga historia del edificio. Se completa el estudio con un anexo documental donde queda reflejada la importancia de arquitectos y artistas que pasaron por el edificio.

El problema de la muerte del arte es un falso dilema, propagado y difundido por todos aquellos que no quieren comprender o que están insertos en la retórica de unas teoría acabadas, que han fulminado la reflexion y no se han detenido a pensar la funcion que este desarrolla, tanto en su vertiente testimonial, historica, cultural, como de ideas fruto del ejercicio critico del pensamiento y de su vision emocional y clarificadora. Sin el arte la humanidad estaria subyugada por la barbarie y el desconocimiento de lo que es y de lo que deberia constituirla, se encontraria huerfana del convencimiento - como dijo un autor- de que es el unico antidoto viable contra la inexorabilidad de la muerte. Por eso, estos textos no expresan ninguna claudicacion, al contrario significan y manifiestan que el es una proyeccion de lo mejor de nosotros mismos: la creacion.

Cada ciudad tiene sus propios rasgos significativos. Algunas incluso tienen una tipografía propia que las distingue. En la base de la columna de Trajano, en el centro de Roma, se encuentra uno de los ejemplos de tipografia mas refinados e influyente en la escritura occidental, un tipo de letra que, con el paso del tiempo, se ha dado en llamar Trajana. En Londres, la tipografia Johnston y su secuela la Gill Sans se encuentra en multitud de rotulos. Nueva York se asocia con la tipografia Helvetica que utilizo Maximo Vignelli para la señalizacion de su Metro. Salamanca pertenece a ese selecto grupo de ciudades con una tipografia propia, que se ha utilizado tanto en la rotulacion de edificios y locales comerciales como en empresas. Pero Salamanca posee ademas otro rasgo significativo: el vitor. A medio camino entre una palabra y una imagen, el vitor es un ejercicio que aporta datos de un interes notable. Con ocasion de los actos de celebracion del VIII Centenario de la Universidad de Salamanca se publica este libro, que trata del vitor, pero que tambien ha planteado el reto a distintos creadores contemporaneos (diseñadores graficos y artistas) de recrearlo. Interpretan el vitor en clave contemporanea Andreu Bernal, Pepe Gimeno, Lorenzo Gomez, Grafica Futura, Fernando Gutierrez, Enric Jardi, Luis Mayo Vega, Sonia S...

Este número de la revista "Cuadernos de la Alhambra" presenta un conjunto de estudios sobre la labor restauradora emprendida por el Patronato de la Alhambra y Generalife, en colaboración con otras instituciones, y las tareas de gestión necesarias para la correcta administración del Conjunto Monumental. A estos trabajos hay que sumar distintas investigaciones históricas que abordan el periodo hispano-musulmán desde diferentes perspectivas.

Pablo Palazuelo fue uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX en España. Conocido como pintor, también destacó en escultura y la obra gráfica. Sus formas abstractas son más el fruto de un proceso de indagación y descubrimiento que un libre acto creador. Desplegó una intensa labor pedagógica en la que citaba a autores cuyas obras leía con avidez. Además de sus textos escritos, muchos inéditos, también compartió sus investigaciones a través de conferencias y cursos. Entre ellos, los Talleres de arte actual que dirigió en el Círculo de Bellas Artes de Madrid durante los años 1984 y 1985. Los talleres tuvieron una vocación predominantemente teórica, lo que hace enormemente interesante su edición, realizada a partir de las transcripciones sonoras conservadas.

Este ensayo analiza las transformaciones que la obra de arte sufrió a mediados de los años sesenta.

A collection of inspiring essays by the photographer Robert Adams, who advocates the meaningfulness of art in a disillusioned society In Art Can Help, the internationally acclaimed American photographer Robert Adams (b. 1937) offers over two-dozen meditations on the purpose of art and the responsibility of the artist. In particular, Adams advocates art that evokes beauty without irony or sentimentality, art that "encourages us to gratitude and engagement, and is of both personal and civic consequence." Following an introduction, the book begins with two short essays on the works of the American painter Edward Hopper, an artist venerated by Adams. The rest of this compilation contains essays-more than half of which have never before been published-that contemplate one work or a small group of works by an individual artist. Many of the objects discussed are by noted photographers such as Julia Margaret Cameron, Emmet Gowin, Dorothea Lange, Abelardo Morell, Edward Ranney, Judith Joy Ross, John Szarkowski, and Garry Winogrand. Several essays beckon the words of literary figures, including Virginia Woolf and Czeslaw Milosz. Adams's voice is at once intimate and accessible, and is imbued with the accumulated wisdom of a long career devoted to making and viewing art. This eloquent and moving book champions art that fights against disillusionment and despair.

"Preguntando a los géneros clásicos de la pintura, este ensayo propone un camino de entendimiento de la experiencia artística como crítica propia de la visualidad y su historia. Recuperar la experien

Bajo la denominación Azuda 40, se agruparon ocho artistas nacidos en los años cuarenta, que con planteamientos plásticos y estéticos diversos, tenían en común la coincidencia generacional, su origen aragones, y semejantes planteamientos ante la problematica del arte del momento. Azuda 40 estaba formado por los pintores Natalio Bayo (1945), Pascual Blanco (1943-2013), Jose Ignacio Baque (19412017), Jose Luis Cano (1948), Vicente Dolader (1943), Antonio Fortun (1945-1999), Pedro Giralt (1943) y Jose Luis Lasala (1945). El grupo contaba como impulsor y mentor con el profesor Federico Torralba. En el origen de Azuda 40 estaba la reflexion sobre la necesidad de interrelacionar todas las disciplinas artisticas territoriales con intencion de concienciar a la poblacion de la identidad cultural; realizar numerosas actividades con el fin de estimular en el publico su interes por el arte y dar a conocer el arte aragones fuera de la region. Vigente entre 1972 y 1975, fue una experiencia breve en el tiempo, que desaparecio en la medida que bajo la fuerza del empuje colectivo. Pero estuvo ahi, proclamando un nuevo tiempo, pregonando las virtudes del arte moderno, sacando a la luz el arte innovador de jovenes artistas que, con el andar de los años, cruzaron sus caminos o caminaron en paralelo.