Libros de Teoría y crítica de arte, página 27 de 204

¿Qué papel cumple la razón en su relación con la creatividad artística? Desde el inicio de la modernidad hasta nuestros días, se analiza aquí esta cuestión, tras constatar que existe en el arte contemporaneo un elevado indice de racionalizacion instrumental y tecnologica, que puede haber llevado a una creatividad artistica enajenada de su elemento plastico. A partir de esta evidencia, se revisa la creciente influencia de la razon sobre el arte moderno a traves de sus principales etapas y estilos historicos, al hilo del desarrollo y triunfo de un modelo cognitivo de naturaleza cientifico-tecnologica frente al cual se defiende el concepto humanista de razon plastica, en el que se reconoce la imprescindible compenetracion de ambos terminos en el fenomeno creativo. Esta obra no se centra en un discurso basado en los contenidos iconograficos e historiograficos de la obra artistica, sino en los problemas que plantean la genesis, el desarrollo factico, formativo y material e, incluso, las condiciones de recepcion de la obra, pues es precisamente en ellos donde radica uno de los principales dilemas que presenta la creacion artistica contemporanea: la mayor o menor adecuacion entre promesa y realidad, entre un a priori racional, pragmaticamente llamado proyecto artistico, y su plasmacion efectiva en terminos plasticos.

Defensa de l'avantguarda, una nova selecció de textos de Montanyà, que el recupera com un dels crítics literaris més ben informats de la seva època i com un dels cronistes culturals catalans més atents als diferents llenguatges artístics

Los Itinerarios de la colección son un conjunto de materiales que permiten al visitante realizar un recorrido de forma autónoma a través de un serie de obras seleccionadas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia sobre una tematica concreta. El objetivo es activar el potencial de La Coleccion para sugerir y cuestionar temas diversos. En este caso el teatro.

La melancolía es, en nuestra cultura, un mito inmortal. Nacida como una enfermedad de invención griega causada por los desajustes de la bilis negra un espeso líquido oscuro, vehículo de padecimientos y manias, pero asociado tambien a la fineza espiritual, el talento artistico y la vocacion heroica, desde muy pronto desbordo el campo medico y se convirtio en el sello autentificador del genio creador. Es asi como llega al siglo xx, despojada del lastre retorico pero conservando intacto su sentido existencial: como la mejor respuesta interior al espiritu de crisis y vertigo, pero tambien de ambicion, con que se afronta el nuevo siglo; como la experiencia inseparable de cierto sentimiento doloroso de la modernidad''. Una modernidad, en lo artistico, atravesada de narcisismo, exaltacion y desconcierto. Se adivina en los escritos mas personales de algunos artistas: las memorias de De Chirico, los diarios de Klee, las cartas de Mondrian; pero tambien en su obra: en la paleta sombria de Vlaminck; en los polvorientos cuadros de Schwitters; en el mundo solar de Matisse, en el genio incansable de Picasso, en la busca de lo absoluto de Malevich, en la carcajada estridente de los dadaistas. Todos ellos hablan en un idioma en el que es dificil no reconocer el cortejo de sintomas que siempre ha flanqueado esta enfermedad atavica que solo existe en la imaginacion de poetas y pintores: desdoblamiento ironico, narcisismo y furor creativo, desazon ante lo absoluto y fragmentacion de la experiencia, murria y excentricidades, inclinacion por lo residual y lo minusculo, el gusto de tomar las cosas por su lado inasequible, la paralisis como fuente de energia y, sobre todo, un entendimiento problematico, oscuro y nada complaciente del hecho artistico.

Es un relato fascinante, tanto desde el punto de vista histórico como de la profesión, de cómo Sami Tarica llega a ser uno de los marchantes más reconocidos en el olimpo parisino de la segunda mitad del siglo XX. Descubridor de pintores como Jean Fautrier e Yves Klein, defiende su modernidad den forma de reinterpretacion de los clasicos.

¿Por qué un cineasta como Godard eligió el dispositivo videográfico para sus historias de cine? ¿Qué le ofrece este dispositivo a él y a aquellos artistas que, desde los inicios del vídeo hasta la actualidad digital, lo han utilizado? En este libro se comprueba, por medio del analisis de obras desde los inicios del video hasta las videografias de final de los noventa y la actualidad, de que manera este dispositivo es utilizado por numerosos artistas como instrumento de estudio de la imagen en movimiento, y promueve un tipo de relacion con esta imagen basada en el analisis critico de sus fundamentos, de sus regimenes de produccion y recepcion, de sus diversas areas de creacion.

"Arte e investigación 2007 Proyectos seleccionados en la Convocatoria Arte e Investigación 2007 Catálogo resultado de los proyectos seleccionados en la convocatoria Arte e Investigación Montehermoso

Presenta una amena selección de los mejores escritos del profesor Gombrich, así como sus ideas y argumentos con relación a cuestiones fundamentalesIncluye pasajes de La historia del arte, Arte e Ilusion y El sentido del orden, ademas de textos y reseñas imprescindiblesConstituye una introduccion ideal a la vasta y profunda contribucion de Gombrich al estudio del arte y la culturaSir Ernst Gombrich (1909-2001) fue uno de los historiadores de arte mas importantesy menos convencionales de su tiempo. Adquirio popularidad en tres ambitos distintos: por su trabajo como erudito, por dar a conocer el arte al gran publico y por serel primero en aplicar la psicologia de la percepcion al estudio del arte. Su libro mas conocido, La historia del arte, que se publico hace 50 años y va por su decimosexta edicion, es uno de los libros de arte mas influyentes de los publicados hasta la fecha.Richard Woodfield es catedratico de estetica y teoria del arte en la Universidadde Nottingham Trent y editor de Reflections on the History of Art, una recopilacionde los textos de E. H. Gombrich.

Este libro es el material básico de la asignatura Arte y Poder en la Edad Moderna de los grados de Historia del Arte, Geografía e Historia y Lengua y Literatura Española. No obstante, y más allá de esta funcion didactica concreta, sus autores ofrecen un recorrido sintetico por el tema que pudiera interesar a cualquier lector curioso.

August L. Mayer (Griesheim, 1885-Auschwitz, 1944) fue el primer historiador del arte en abordar desde una metodología moderna el análisis de la pintura española, contribuyendo así de forma decisiva a su reconocimiento internacional. Sin embargo, víctima de la terrible campaña de desprestigio que un grupo de catedráticos y directores de museo emprendió contra él en 1930, su figura había quedado injustamente oscurecida. Este libro reconstruye su biografía y evalúa su aportación al estudio de la pintura española analizando su fundamental labor sobre cuatro maestros de nuestro arte.

Los textos de este libro son trascripcines de las conferencias dictadas en la sesiones del seminario Memorias y olvidos del archivo, la correspondiente a 2008, celebrada en el Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM de Las Palmas de Gran Canaria, y la de 2009, en el museo de Historia y Antropología de Tenerife, MHAT, del Organismo Autónomo de Museos y Centros del Excmo. Cabildo Insular de Tenerife, OAMC. Estas dos primeras ediciones fuero organizadas por los mencionados CAAM y MHAT y por el Máster en Museología y Gestión Cultural de la Universidad de La Laguna. Colaboraron también el Observatorio de Prospectiva Archivística de la Universidad Carlos III de Madrid y el Centro de Documentación de Canarias y América, CEDOCAM, del OAMC

Este libro debe entenderse a partir de la ambigüedad de su título. Así, La comedia de lo sublime remite, por supuesto, a esa tradición, de estirpe idealista y romántica, que explora la dialéctica entre lo sublime y lo cómico. Pero, simultáneamente, quiere señalar la conversión en pura comedia de muchas de las sublimidades contemporáneas o en mera banalidad de algunas de las pretensiones cómicas. Es, por tanto, un libro de inversiones, que se despliega en cuatro secciones. La primera comienza con la inversión de lo sublime en lo cómico, para concluir en la actual inversión de ambos; la segunda parte de un posible neopintoresquismo en las prácticas artísticas contemporáneas, para acabar en el grotesco y truculento pintoresquismo del parque temático; la tercera se inicia con lo siniestro [Unheimlich] y su carácter amenazante, para finalizar en un siniestro fingido y simulado que sólo muestra la nostalgia de su ausencia; la cuarta y última sección está dedicada a investigar esas propuestas artísticas que intentan acercarse a lo real a través del dolor y la violencia, y que, en ocasiones, suelen obtener como resultado justamente lo contrario de lo que se proponen.