Libros de Teoría y crítica de arte, página 3 de 204

La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sino facultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocacion pedagogica que siempre lo caracterizo, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vez al castellano, algunos de los secretos de estas tres capacidades basicas que hoy englobariamos bajo la palabra creatividad.La fantasia, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invencion y la creatividad nacen, en cambio, de la funcion y la necesidad. Pero a la hora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginacion juegan un papel crucial. ¿Que mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Como podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Como fomentar la elasticidad del pensamiento para que este no se quede estancado en formulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudicion y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.

La historia moderna es una historia de estetizaciones, y cada estetización plantea una demanda de protección. Estetizamos y queremos proteger casi todo, incluyendo la Tierra, los océanos, la atmósfera, especies raras de animales y plantas exoticas. Los humanos no son la excepcion. Tambien se presentan como objetos de contemplacion que merecen admiracion y cuidado. Durante el siglo XX, artistas e intelectuales lucharon por el derecho soberano de exhibirse en sociedad a su manera: convertirse en obras de arte creadas por ellos mismos. Hoy todo el mundo tiene no solo el derecho, sino tambien la obligacion de practicar el autodiseño. Somos responsables por el modo en que nos mostramos ante los demas, y no podemos deshacernos de esta responsabilidad estetica.Sin embargo, sostiene Groys, no somos capaces de controlar nuestra imagen. La produccion de nuestros cuerpos publicos es un proceso colectivo que no depende exclusivamente de la propia voluntad. Hacemos libros y obras de arte, diseñamos sitios web y cuentas de Instagram. Junto con ello, se estan creando de forma permanente documentos, fotos, videos y copias de correos electronicos que son extensiones de nuestros cuerpos y constituiran los cadaveres publicos destinados a sucedernos en un mas alla material que no se detiene con la muerte.

Una exquisita propuesta sobre la relación directa y personal que tenemos con el arte y las exposiciones. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz

Recuperamos no de los libros más significativos del filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, una crítica radical de la naturaleza del arte de nuestro tiempo.Hace más de dos decadas, Arthur C. Danto anuncio que la llegada del fin del arte se habia dado en los años sesenta; y fue precisamente tras esa declaracion cuando se situo a la vanguardia en la critica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Esta obra presenta la primera reformulacion a gran escala de esta original percepcion y muestra como, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vasari definio para el en el Renacimiento.

Un fascinante recorrido a través de la nueva ciencia de la neuroestética, que demuestra cómo el contacto con el arte transforma nuestro cerebro, mejora nuestra salud mental y física y nos permite construir comunidades mas fuertes y unidas.Hay una extendida creencia de que las artes son solo entretenimiento, un lujo. En Tu cerebro quiere arte, las autoras Susan Magsamen e Ivy Ross muestran como actividades que van desde la pintura y el baile hasta la escritura expresiva o la arquitectura son esenciales para nuestras vidas.Estamos en el linde de un cambio cultural en el que las artes pueden ofrecernos soluciones contrastadas, potentes y accesibles que nos beneficien todos. Magsamen y Ross nos presentan las investigaciones que demuestran como, sin importar tu nivel de habilidad, dedicando solo cuarenta y cinco minutos a un proyecto artistico podemos reducir el cortisol, la hormona del estres, y que una experiencia artistica al mes puede extender tu vida diez años. Hay medicos que incluso prescriben visitas a museos para abordar la soledad, la demencia y muchos otros problemas de salud fisica y mental.Aprenderemos asimismo que tocar un instrumento desarrolla habilidades cognitivas y mejora el aprendizaje; las vibraciones de un diapason crean ondas sonoras que contrarrestan el estres; la realidad virtual puede proporcionar beneficios terapeuticos de vanguardia; y las exhibiciones interactivas disuelven los limites entre el arte y los espectadores al involucrar todos nuestros sentidos y fortalecen nuestra memoria.Tu cerebro quiere arte es una guia sobre neuroestetica que, a traves de conversaciones con artistas como David Byrne, Renee Fleming y el biologo evolutivo E. O. Wilson, nos descubre un rico tapiz de investigaciones pioneras y casos concretos de personas de todo el mundo que utilizan las artes para mejorar sus vidas. Gracias a esta obra, abriremos un portal hacia una nueva comprension de como las artes y la estetica pueden ayudarnos a transformar la medicina tradicional, a construir comunidades mas saludables y a reparar un planeta en crisis.

En este "Pequeño diccionario visual" el lector encontrará de forma sencilla, accesible y manejable un conjunto de términos relacionados con el arte y las disciplinas básicas que lo componen: arquitectura, pintura, escultura. Junto a las principales disciplinas mencionadas aparecen otras como la alfareria, la ceramica, la heraldica, la gliptica, la orfebreria, la ebanisteria, la eboraria o el grabado. Las voces aparecen traducidas al ingles, frances, aleman e italiano. Este libro nos ayudara a comprender mejor el arte, las tecnicas artisticas en sus distintas manifestaciones y servira como punto de partida para posteriores estudios y profundizar en los distintos significados de los vocablos que aqui aparecen.

Esta obra resulta básica para entender las obras maestras de la historia del arte, ya que pone bajo la lupa algunos de los lienzos más famosos del mundo para descubrir sus elementos más pequeños y sutiles, y todo lo que pueden llegar a revelar sobre una cultura, un lugar y una epoca ya pasados. Dirigiendo nuestra mirada a los mas minimos detalles y al simbolismo que hay tras las obras, Rose-Marie y Rainer Hagen permiten que las imagenes mas conocidas cobren de nuevo vida a traves de sus complejidades e intrigas. ¿Esta embarazada la novia? ¿Por que lleva gorra el hombre? ¿Como se cierne la sombra de la guerra sobre una escena de baile? Asi, viajamos desde el antiguo Egipto hasta la moderna Europa, desde el Renacimiento hasta los alocados años veinte. Conocemos a heroes griegos y poetas alemanes sumidos en la pobreza. Visitamos catedrales y clubes de cabaret, el jardin del Eden y un banco en un jardin de la Francia rural. Cuando descomponemos una pintura y luego la recomponemos como un gran rompecabezas, estos famosos lienzos no solo cautivan por su gran riqueza de detalles, sino tambien por el testimonio que ofrecen de las modas y las tendencias, las gentes y los politicos, los amores y los estilos de vida de su epoca.

Surrealismo : sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervencion reguladora de la razon ajeno a toda preocupacion estetica o moral.

El miedo al futuro, la angustia ante el presente, la cultura de la culpa, la textura ilusoria de la realidad, los laberintos de la identidad, son algunos síntomas atrabiliosos que observamos en el mundo actual. Este ensayo los deshila, a la par que ausculta el latido social a traves de un pensamiento critico salpicado de metaforas artisticas y paseos literarios. La meta del arte, escribia Michel Leiris, es explorar los demonios interiores. ¿Y que hay de los demonios exteriores? Lo cierto es que se engendran unos a otros, los sintomas individuales y los signos culturales de malestar se entrelazan como una doble helice en el ADN de la humanidad.

Publicado con motivo de la exposición Del lapicero al buril. El dibujo para grabar en tiempos de Goya, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 17 de octubre de 2023 y el 14 de enero de 2024.En la segunda mitad del siglo XVIII España se libero de la dependencia que habia tenido del extranjero en el ambito del grabado. La formacion de dibujantes y grabadores cualificados, encabezados por Manuel Salvador Carmona, permitio acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y cientificos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epilogo sera la publicacion de los Caprichosde Francisco de Goya en 1799. Si las estampas de esa epoca son bien conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto de partida. Su caracter utilitario los ha relegado a un segundo plano en la historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la calidad del grabado; sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa. En Del lapicero al buril dos de los instrumentos mas utilizados por dibujantes y grabadores se muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el proceso de creacion del grabado, desde los que realizaban los artistas que inventaban las imagenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus talleres. La variedad de tecnicas utilizadas asi como su adecuacion a los temas que representan sirven tambien para ofrecer un recorrido sobre el dibujo español en tiempos de Goya

La historia del color azul en la cultura occidental es la de una auténtica transformación. Para los griegos y los romanos, este color contaba poco e incluso era desagradable a la vista; se le conside

¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberiamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relacion que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona como conciliar nuestra indignacion y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va mas alla: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es tambien madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran exito de critica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una epoca en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razon de serlo, pero plantea tambien importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepcion misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos mas oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es mas, ¿que ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo victima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.

La Historia del Arte con uno de los grandes divulgadores de España: @ElBarroquista. Cualquiera que haya visitado un museo o haya hojeado un libro sobre arte habrá escuchado o leído frases rimbombantes y categoricas como Nos encontramos ante la gran obra maestra del siglo XX, Este artista es un genio o Aquella pintura cambio el mundo. Esta concepcion de la creacion artistica -basada en la aceptacion de un canon preestablecido que privilegia unos estilos especificos y encumbra unas firmas concretas-, lejos de favorecer el aprendizaje y hacer el arte mas accesible, ha encorsetado el placer del publico general y ha condicionado su gusto. En este libro, el historiador del arte Miguel Angel Cajigal Vera -conocido como El Barroquista en su labor divulgativa- propone una nueva manera de acercarnos a esta disciplina y nos invita a disfrutar del arte sin prejuicios y con total libertad. Otra historia del arte es un ensayo estimulante que nos abre las puertas al museo particular del autor, donde conoceremos historias fascinantes y obras personalisimas, como las de Maurizio Cattelan, Teresa Margolles, Piero Manzoni o Fiona Banner, junto a piezas muy reconocidas de Guo Xi, Frida Kahlo o Artemisia Gentileschi. Y tras finalizar la lectura comprenderemos por que no pasa nada si no nos gustan Las meninas.

Con un estilo literario y profundamente divulgativo, seductor y personal, Carlos del Amor nos ofrece un viaje por treinta y cinco obras de todos los tiempos, con especial atención a la pintura femenina y a la española. Un viaje a traves de texturas, colores, claroscuros, historias, miradas, vidas, abrazos, besos?, que nos descubre un caleidoscopio donde se aunan verdad y ficcion, historia del arte, imaginacion y emocion. El arte es una celebracion. Un cuadro no se acaba en lo que encierra su marco, un cuadro vive antes y despues de que lo miremos. El marco lo acota y nosotros debemos cruzar esa frontera para hacer que su existencia siga saltando siglos y vidas, y se renueve con cada mirada. Cada cuadro es un cuento, una novela, un relato, y eso he pretendido reflejar en estas paginas: romper el marco y expandir el lienzo hasta donde sea posible.

La teoría del color de Johannes Itten puede considerarse una referencia universal para todas aquellas personas —artistas, diseñadores, historiadores del arte, estudiantes— interesadas en el color y s

Un libro literalmente deslumbrador. David Hockney estaría de acuerdo con Jean Dubuffet cuando dice que el arte es tan necesario como el pan para los seres humanos. Sin el pan, dice Dubuffet, se mueren de hambre; sin el arte, se mueren de tedio.Antonio Muñoz Molina, Babelia, El PaisLa historia de las imagenes se inicia en las cavernas y finaliza, por ahora, en la pantalla del ordenador. ¿Quien sabe hacia donde ira en el futuro? No obstante, el desafio sigue siendo el mismo: como representar el mundo tridimensional sobre una superficie de dos dimensiones.David HockneyCon la experiencia y el entusiasmo de toda una vida dedicada a pintar, a dibujar y a crear imagenes con camaras, David Hockney ;en una estimulante conversacion con el critico de arte Martin Gayford; explora como y por que se han creado las imagenes a lo largo de los milenios. Con la yuxtaposicion de una rica variedad de imagenes, los autores cruzan las habituales fronteras entre la cultura elevada y el entretenimiento popular y establecen unas relaciones inesperadas a traves del tiempo y de los diferentes medios. Con un capitulo final revisado donde figuran algunas de las ultimas obras de Hockney, este libro tan elogiado por la critica nos dara pie a ver esos cuadros que ya conocemos como si los contemplaramos por primera vez.

Jordi Teixidor es un pintor abstracto. Y, en este sentido, extremadamente realista, si concebimos lo real como lo opuesto a la consigna, a la normalización tranquilizadora, al runrún megalómano del "statu quo". Es un pintor abstracto y, en consecuencia, concreto y preciso. Porque solo de la maxima claridad puede nacer lo oscuro. De la confusion solo nacen lo confuso y el simulacro de transparencia que deriva de confundir la realidad con las formas mas burdas y adocenadas de realismo. Este es un libro sobre arte, es decir, sobre politica, es decir, sobre los tiempos que corren y el futuro que prometen.

Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dolares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por que parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerias y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos economicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronomicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tapies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicologia y los intereses que mueven el mercado artistico para recordarnos que en el arte contemporaneo, como en tantos otros campos, la linea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.

Del autor de Emocionarte, con más de 100.000 lectoresCarlos del Amor va un paso más allá en el viaje a través de los cuadros que emprendió conEmocionarte. Esta vez se centra en el retrato, un género que le permite recrear las vidas de los retratados y de los artistas, y como estos ultimos tambien se retratan en su forma de pintar. La eleccion de sus modelos o los retratos de encargo, la fidelidad realista al retratado o la percepcion de este por parte del artista, el autorretrato que tantos practican, quienes eran los modelos y que vidas llevaban, las dificultades de acogida de la obra por parte de quien la encarga o por el publico, forman parte de la historia intima de estas obras que iremos descubriendo en el libro.Con su caracteristico estilo literario, Carlos del Amor nos muestra un mundo detras de cada cuadro y, de nuevo, nos revela que han sido muchas las mujeres artistas, y muy poco conocidas hasta ahora.