Libros de Teoría y crítica de arte, página 31 de 208

José Ignacio Benito Climent es licenciado en Filosofía en París VIII y doctor en Comunicación y Teoría de los lenguajes por la Universidad de València (UV). Profesor de secundaria de Filosofía y trad

Cibercivitas: arte digital para el fin de los tiempos

A pesar de las vigorosas expresiones que las distintas formas de grabado tienen hoy en día y que dan plena vigencia al trabajo en metal, a la litografía, la xilografía, el linóleo, entre otros, así como las mas variadas formas de impresioncalcografica, desde la prensa directa, la serigrafia, el offset y, hoy por hoy, la estampa digital en sus diversos, y aun experimentales, alcances, la creacion grafica no forma partede las expresiones y publicaciones de arte contemporaneo. El presente libro trata de abrir nuevas vias de interpretacion desde la reflexion teorica, analizando la relacion historica y contemporanea del grabado con algunos motivos centrales de la estetica y la plastica moderna.

De acuerdo con un método hermenéutico y con criterios antropológicos, la autora, desde los presupuestos del lenguaje plástico, analiza los temas esenciales de lo universal y lo particular, es decir, los rasgos diferenciales de las obras artisticas españolas consideradas mas emblematicas. A la vez estudia las tensiones existentes entre la tradicion estilistica y la modernidad, enfrentadas. En su ensayotrata la imagen de España, tal como ha sido estimada y valorada por los exegetas del arte español, tanto nacionales como extranjeros. Elretrato atemporal de un pais retrasado y eminentemente agricola genero una iconografia de paisajes desolados, arquetipos de personajes raciales, epicos y legendarios, o de una humanidad perteneciente a un submundo marginal y excrementicio. La España negra y la España en negro de los pintores que van desde Goya hasta los informalistas de los años50 del siglo xx, pasando por la Generacion del 98 y lasvanguardias historicas anteriores a la Guerra Civil, constituyen la materia nuclear de este excelente texto critico en el cual se reflexiona profundamentesobre las ideas de aquellos que creen que el arte español pertenece a un pais diferente de los europeos. La utilizacion con fines simbolicos de las obras de arte forma parte de esta lucida disertacion, en la cual el casticismo hispano y ultranacionalista es examinado a la luz de la sociologia artistica de la posmodernidad y la ultima cultura visual.

Visitar un museo de arte, antiguo o moderno, puede ser una experiencia conmovedora y estimulante o, por el contrario, ser mortalmente aburrida. Ello dependerá de la calidad de las obras expuestas pero, sobre todo, del conocimiento que uno atesore sobre arte, una disciplina enigmatica, asombrosa y desconcertante que plantea al espectador la dificultad de entender y descifrar aquello que contempla.50 cosas que hay que saber sobre arte es una perfecta introduccion al conocimiento sobre movimientos, simbologia y artistas mas destacados de la historia del arte. Un libro indicado para aquellos incapaces de discernir entre un Degas o un Monet o entre Dali y Duchamp, y que te sumerge de lleno en la historia de la disciplina, desde la prehistoria al tiempo presente.El libro aborda los principales periodos; barroco, renacimiento, arte flamenco, Egipto antiguo, asi como los movimientos mas destacados delarte moderno y contemporaneo; romanticismo, minimalismo, surrealismo o Arte Pop.

Pico della Mirandola, Botticelli, Miquel Àngel, Leonardo o Du Bellay, però també la figura extraordinària de Johann Joachim Winckelmann—que fou clau per a la comprensió moderna de la cultura hel∙lèni

El Instituto Nacional de Bellas Artes de México y el Museo Nacional de Arte, presentan en las salas de esta institución a partir de julio de 2012 la gran exposición Surrealismo. Vasos comunicantes, que propone, desde una renovada perspectiva estética y literaria, una revisión del surrealismo, movimiento artístico fundamental entre las vanguardias históricas del siglo XX, a través de las obras y lenguajes que elaboraron sus más destacados creadores, tanto europeos como latinoamericanos. La muestra recoge una selección de pinturas, esculturas, dibujos, fotografías y objetos de los principales artistas, nacionales o extranjeros, que desarrollaron en México los principios del surrealismo, como Salvador Dalí, Raúl Anguiano, Alberto Giacometti, Manuel Álvarez Bravo o Leonora Carrington, entre otros. La cuidada monografía que se publica como catálogo de esta muestra reúne varios ensayos a cargo de reputados especialistas y estudiosos del movimiento. Serge Fauchereau, Didier Ottinger y Juan Manuel Bonet aproximan el surrealismo desde una perspectiva histórica ligada a su génesis como vanguardia en Europa, el territorio donde apoya uno de sus pilares el eje surrealista París-México, del que, a su vez, se ocupa Philippe Ollé-Laprune. La repercusión que el movimiento encontró en México y el extremadamente rico panorama de obras creadas aquí, son los temas abordados por Fabienne Bradu y Solomon Grimberg. El imaginario surrealista, la teoría, la apreciación de la inteligencia operando en libertad, los lazos tendidos al psicoanálisis, la reflexión sobre los motores del pensamiento y otros elementos que arman el respaldo cultural del surrealismo se recogen en los trabajos de Mónica López Velarde, Helí Morales y Nestor A. Braunstein. Así, esta monografía se revela no sólo como una herramienta precisa para aproximarse al movimiento desde una perspectiva actualizada, sino como un vehículo esencial para recorrer los vasos comunicantes que vinculan aquellos territorios e instantes en los que el surrealismo brilló con la mayor intensidad.

¿Un atardecer tropical es una obra de arte? ¿Una escultura puede emocionarte hasta hacerte llorar? ¿Conocer la vida de un artista ayuda a comprender su obra? ¿El plástico puede considerarse un material noble? ¿Una moto puede ser una pieza de museo? A modo de obra de teatro, con el dialogo entre un afamado pintor de grafitis (Keith) y dos jovenes adolescentes (Marina y Andreas), dirigida a jovenes y adultos que sientan curiosidad por el arte, tanto en los aspectos formales como sociales, el texto abre algunos interrogantes y responde a otros. Se incluye tambien un anexo con propuestas didacticas para el profesorado

Ciclo de conferencias organizadas con motivo de la exposición"La visión impura". Fondos de la Colección Permanente. Ofrece una trayectoria por las diferentes formas de mirar en el arte contemporáneo a lo largo de la segunda mitad del siglo XX

El arte resiste los procesos sociales que intentan convertirlo en un servicio de entretenimiento, un consuelo existencial o en un refugio de valor financiero, e intenta mantenerse a la altura de esa promesa de felicidad que Stendhal habia vislumbrado en el. Dicha promesa quizas se ha revelado excesiva para nosotros. Pero en la epoca del fin de todas las cosas, el arte podria intentar, al menos , convertirse en lo contrario de la infelicidad. Cada uno de los capitulos de este libro discute una dimension estetica particular, pero las cuestiones planteadas reconocen un comun hilo conductor: el destino del arte en la actualidad bajo el espectro de su final, sobre el horizonte de su muerte anunciada ya en el siglo XIX por Hegel. ¿Tiene futuro el arte? ¿Ha caido ya definitivamente en el mundo de los productos? La pregunta por el arte es, desde luego, una pregunta sobre el destino de nuestras sociedades.

Carta a los estudiantes de arquitectura

Schéhérezade necesitó de treinta “sesiones” para contarle una historia al rey Shahriar. Manteniéndolo despierto apaciguaba su pena, adormecía su furia. Por su parte, la gran narradora, noche tras noc

Paul Durand- Ruel (1831-1922) es el único de quien puede decirse que realmente inventó el oficiio de marchante de arte. Reconocerlo no resta misterio al hecho de que este burgués ultraconservador, monarquico, catolico y con prejuicios xenofobos lo arriesgara todo para defender a esos revolucionarios quefueron los primeros impresionistas: Degas, Manet, Renoir, Corot, Sisley y los demas. Puso en peligro su buen nombre, su fortuna y la estabilidad de su familia para sostener a un agitador como Courbet, un anarquista judio como Pissarro y un republicano como Monet. Sus profundas convicciones artisticas le permitieron sacrificarlo todo para mantener sus pintores, ofreciendoles unas condiciones de creacion que resultaban insolitas en aquel momento. Y en cuanto a los coleccionistas, Durand-Ruel, mas que transformar los gustos imperantes, quiso imponer el suyo. Su biografia es un relato con tintes epicos de esos años de arduas negociaciones en las trastiendas del mercado del arte, los salones de los coleccionistas mas prestigiosos y los pasillos de las casas de subastas, los grandes muesos y las galerias mas famosas de Europa y America.