Libros de Teoría y crítica de arte, página 34 de 204

Vimos una niña herida de guerra. Con su muñeco de trapo entre las manos y su venda en la cabeza. Nos propusieron un número sobre el Apocalipsis pero elegimos la supervivencia. Porque nunca recordaremos el final sino el trayecto. ¿Vivimos la tercera guerra mundial, librada en cuotas? ¿Nos infecta la peste del consumo, administrada por via endovenosa? ¿Se acabo la lucha de clases? ¿Somos nativos o anfibios digitales en un mundo global de pequeños relatos? ¿Se nos murio primero Dios y despues la Ideologia? Como sea, vamonos. Al margen, al extremo de la pista polar. Para eso Joseph Beuys nos dio un trineo, donde cargamos las herramientas minimas: una manta de fieltro, una lata de grasa animal, una linterna, todo anudado con tus sogas. Las sogas son tuyas, no hay viaje sin ellas.

Un libro único en el mundo: se publican por primera vez los textos de Edvard Munch (ficción, poesía, diarios...) ilustrados por su pintura. Como una lluvia torrencial, se desatan las palabras de Edv

Arte kritika eta flamingoak zeru berdean Mikel Onandia Garatek 2009 eta 2015. urte bitartean BERRIA egunkarian eta DEIA egunkariko “Ortzadar” kultura-gehigarrian argitaratu dituen arte kritiken antologia da. Liburu honetan 100 kritika biltzen dira guztira eta, aukeraketa oro ezinbestean arbitrarioa izanik ere, egileak ahalik eta museo, areto, diziplina eta arte-korronte ezberdin gehien jorratu nahi izan ditu, euskal giro artistiko anitza islatzea helburu. Artikuluok Euskal Herrian barrena antolatutako erakusketen informazio nagusia eskaintzen dute, argazki ugarirekin lagunduta. Horiekin batera, Haizea Barcenilla kritikari eta komisarioaren sarrera mamitsua aurkituko du irakurleak, azken urteotako euskal arte sistemaren eta kritikaren egoera aztertzen duena.

The first book to celebrate the beautiful and provocative ways artists have represented, scrutinized and utilized the body over centuries.Examines art through that most accessible and relatable lens: the human body.There are no directly comparable titles in the market; this is the only book to examine the subject in such depth and scope.Diverse and multi-cultural, it explores the manifestations of the body through time, cultures and media.Visually arresting, this book will surprise, inspire and inform art lovers everywhere.Over 400 artists featured: works range from 11,000 BC hand stencils in Argentine caves to videos and performances by contemporary artists such as Marina Abramovic, Joan Jonas and Bruce Nauman.

La evolución de los conceptos de COMPLEJIDAD Y SOSTENIBILIDAD ha sido transcendental y ha viajado en los últimos años: de lo único-unitario se ha pasado a lo dicotómico, de lo dual a lo múltiple, y de lo multiple a lo complejo (pensamiento y produccion). Hemos habitado desde siempre en un mundo complejo y es desde la comprension de ese concepto de complejidad de una manera responsable donde hallaremos la clave para la sostenibilidad futura del sistema.

"Después de Fidias y Rafael, nada de esencial queda por descubrir en el arte; sólo nos queda la obligación de preservar el culto de lo verdadero y perpetuar la tradición de lo bello."

Manuel Álvarez Junco es un artista gráfico y profesor de Bellas Artes en la Univ.Complutense de Madrid. Su pasión por el Quijote y su experiencia teórica y práctica en el campo del humor y la gráfica le lleva a reflexionar en este libro sobre la imagen e imagenes del Quijote

Comprender y aprehender el desarrollo de la cultura desde los años sesenta -la Posmodernidad- es también inventar un nuevo método de acercamiento epistemológico a este período histórico en el que vivimos, aunque tal acercamiento se produzca aquí sobre todo a través de una reflexión crítica sobre la música y lo musical.

La autora, es una artista plástica austríaca residente en España desde 1965. Se caracteriza por una preocupación central que desde diferentes ángulos rastrea la imbricación entre materia y lenguaje.

This lavishly illustrated, bilingual art book presents drawings by Ramon Casas in the Charles Deering McCormick Library of Special Collections at the Northwestern University Library and oil paintings by Casas from private collections and the Art Institute of Chicago."Charles Deering and Ramon Casas" follows the development and dramatic dissolution of a three-way friendship that connected the Spanish painter Ramon Casas (1866-1932); the Chicago industrialist Charles Deering (1852-1927), who was a collector and admirer of Casas''s work as well as a patron of Northwestern University; and the Spanish artist Miguel Utrillo (1862-1934), Casas''s lifelong friend and the father of the French painter Maurice Utrillo.Casas introduced Deering to Sitges, a beach town near Barcelona, Spain, where the latter created a palatial estate with a museum to house his art collection. Miguel Utrillo served as director of the museum. The text explores the treasures housed at Maricel and what happened among the three men that led Casas to abandon Utrillo and Deering to depart Spain, taking his art collection with him.

Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de dificil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema pues no consideran que el psicoanalisis sea util para las investigaciones historicas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento mas profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos, como de sus obras.Se trata, pues, de investigar cuando, donde y por que se creo una imagen tipica del artista en la mente del publico en general y cuales han sido sus rasgos distintivos y fortuna critica. La respuesta se ha buscado en el mare magnum de fuentes historicas: biografias, cartas y documentos, es decir, que la investigacion esta enfocada rigurosamente hacia la documentacion historica.

Este libro presenta un estudio comparativo que pone de relieve las profundas diferencias entre la producción artística occidental cada vez más autónoma, individualista e independiente de todo contexto y aquellas prácticas estéticas que expresan los contenidos de largas tradiciones y cuya realización es el ritual de revivir y conservar la memoria colectiva de todo un pueblo.

Desarrollada desde la década de los años 60 del siglo pasado como un subgénero de la performance, la conferencia performativa es un formato artístico que está experimentando un fuerte desarrollo hoy en dia. Denominada en ingles lecture-performance, y en castellano 'conferencia dramatizada' o 'conferencia performativa', se trata de una practica artistica expandida, un tipo especifico de presentacion que va mas alla del formato academico de conferencia y que los artistas (y todo tipo de agentes culturales) emplean para hacer de la conferencia un espacio performativo que, al aunar aspectos de la dramaturgia a la educacion, facilita la participacion intelectual, emotiva y afectiva de la audiencia. Se trata, por un lado, de un formato educativo o de mediacion, pero por otro se acerca a las artes escenicas y al espectaculo. Por ello, usualmente es un trabajo experimental e hibrido que quiere ir mas alla de formatos ya codificados como la instalacion, la performance o el happening y en consecuencia asume un caracter promiscuo y heterogeneo. En relacion con este caracter hibrido, las conferencias performativas incorporan elementos del mundo del espectaculo, los contadores de cuentos, los medios de comunicacion, internet e incluso de la publicidad. A traves de la practica de la 'conferencia dramatizada' se busca reflexionar sobre algunos temas centrales en la agenda de la cultura contemporanea, topicos relevantes para el arte y preocupaciones que definen nuestro presente (la informacion, generacion y distribucion de conocimiento, las plataformas y formatos para distribuirlo y acceder a el, la busqueda de nuevos marcos de trabajo y de acceso publico al mismo, etc.).

Este ensayo trata sobre las imágenes y la estética del nazismo, de la importancia que tuvieron en los terribles años en los que estuvieron vigentes, de qué fuentes se alimentaron y sobre cuál es su legado y su permanencia hoy en el arte y en la cultura visual. Para hacerlo se apoya principalmente en las imagenes, en lo visual y en las coincidencias temporales, es decir, en la aparicion recurrente de determinados cliches en diferentes momentos de la historia que hacen pensar en algo mas que meras casualidades en la creacion, el desarrollo y la pervivencia de las imagenes del nazismo. El objetivo es arrojar luz sobre la relacion entre la belleza y el horror, la cultura y la barbarie que conocio Europa en el siglo xx y cuyos germenes aun infectan nuestro pensamiento actual.

El sistema de flotas y rutas terrestres de la monarquía hispánica configuró una extensa red de comunicación entre Europa, a través de la península Ibérica y de los virreinatos americanos y el Pacífico. Esta telaraña de rutas permitio la transferencia de modelos artisticos y culturales entre los virreinatos americanos y los territorios asiaticos de la monarquia. El presente volumen aborda estas transferencias a traves de numerosas investigaciones desde la historia del arte, la historia y la literatura de instituciones de todo el mundo que ofrecen una vision global del fenomeno cultural iberoamericano.El sistema de flotes i rutes terrestres de la monarquia hispanica va configurar una extensa xarxa de comunicacio entre Europa, a traves de la peninsula Iberica i dels virregnats americans i el Pacific. Aquesta teranyina de rutes va permetre la transferencia de models artistics i culturals entre els virregnats americans i els territoris asiatics de la monarquia. El volum aborda aquestes transferencies a traves de nombroses investigacions des de la historia de l''art, la historia i la literatura d''institucions de tot el mon que ofereixen una visio global del fenomen cultural iberoamerica.