Libros de Teoría y crítica de arte, página 36 de 207

Este texto fue escrito durante el período de florecimiento del romanticismo temprano, en la época en la que Friedrich Schlegel y su círculo instalaban en el centro del debate teórico sus renovadoras ideas sobre el arte y la literatura. Gran parte del contenido de Las pinturas fue redactado por Caroline Schlegel, la mujer mas famosa del grupo de los primeros romanticos. Si bien ya desde fines del siglo XVIII las mujeres se dedicaban a la produccion literaria, se manifiesta en este escrito, publicado en abril de 1799 en la revista Athenaeum, un profundo interes filosofico. En contraposicion con los rigidos criterios de los Salones, se defiende un papel mas libre y creativo del critico de arte, que ya no evalua la obra desde afuera sino que es, el mismo, tambien un creador. Se diluyen los limites entre filosofia, pintura, poesia y critica, dado que todos ellos forman parte del progreso continuo e inagotable de la poesia romantica.

"Un texto agudo y provocador sobre la repolitización del arte" Nicolas Bourriaud, Página 12 "Este libro es la teorización de una tendencia de las artes visuales de la década de los noventa. Escrito desde el punto de vista del curador, esta dedicado a una vertiente del arte que incluye metodos de intercambio social y de interactividad con el espectador." Jorge Lopez Anaya, La Nacion

Las ciencias humanas contemporáneas han multiplicado los trabajos sobre nuestra "civilización de la imagen", pero la parcelación de sus métodos las ha llevado a menudo a desconocer que las imágenes -tanto las individuales, como las colectivas- constituyen mundos vivientes autoctonos, dotados de propiedades internas y de sus propias leyes de transformacion. Esta obra se propone entonces establecer, en el ambito de la hermeneutica simbolica, principios de investigacion de la profundidad y el conocimiento de estas imagenes (en particular mitos), de descubrir su potencia de animacion interior y de proponer algunas figuras de transformacion historica del imaginario. "La vida de las imagenes" propone una verdadera antropologia simbolica cuyas orientaciones acrecientan el interes de disciplinas tan diversas como la literatura, la filosofia, la psicologia, la sociologia o, entre otras, las ciencias de la comunicacion.

Arte y postfordismo. Notas desde la Fábrica Transparente es un ensayo que propone una reflexión sobre el arte a través de su relación con las formas del trabajo surgidas del orden económico contemporaneo. Partiendo de un ejemplo que es a la vez metafora de los desplazamientos aparecidos en esa relacion -una teatralizada fabrica con paredes de cristal y suelos de parquet que la marca Volkswagen inauguro en Dresde en 2001-, el autor esboza un escenario de mutaciones e interrogantes con los que lidia simultaneamente el espacio artistico y el pensamiento politico. Un trayecto que viene trazado aqui desde la imagen, como produccion y como critica de la imagen que nuestra epoca produce de si misma.

En el libro Recuerdos y Bellezas de España, ideología y estética, se dan la mano la literatura y el arte, la historia y el costumbrismo. Tres décadas del siglo XIX están reflejadas en doce volúmenes y en más de quinientas litografías, dibujadas del natural por el artista barcelonés Francisco Javier Parcerisa. Todo un hito para una época difícil y controvertida. El libro es sólo un modesto acercamiento a esta serie documental redactada por Pablo Piferrer, José María Quadrado, Francisco Pi i Margall y Pedro de Madrazo. Estos escritores románticos y realistas intentan rescatar del pasado y de las consecuencias de los conflictos - guerra carlista y desamortización de Mendizábal - los monumentos artísticos de España más representativos de las épocas medieval y renacentista.

Da Vinci busca la caída ligera de un pie que se posa, el esqueleto silencioso de la carne, las coincidencias al caminar, todo el juego superficial del calor, y la frescura rozando la desnudez..., fundidos sobre un mecanismo. Y la cara, luminosa e iluminada, la mas particular de las cosas visibles, la mas magnetica, la mas dificil de mirar sin querer leerla, lo posee. En la memoria de cada uno, existen vagamente centenares de rostros y sus variaciones. En la de Leonardo estaban ordenados y las fisonomias se siguen unas a otras; de una ironia a la otra, de una sabiduria a otra menor, de una bondad a una divinidad, por simetria. Da Vinci hace decirlo todo, la mascara en la que se confunde una compleja arquitectura con distintos motores, debajo de una piel uniforme.

Los autores reflexionan aquí sobre el enigma del artista, el misterio y la magia que siempre le han acompañado, y lo hacen desde una perspectiva no psicológica sino sociológica, sin duda más novedosa y atrayente por su estrecha relación con las investigaciones y los testimonios históricos. En diversas épocas se han creado leyendas y perjuicios que tienen un origen común y condicionan las biografías que de ellos han llegado hasta nosotros. Los temas básicos tratados son la conversión del artista en héroe en esas biografías, el artista como mago y la posición especial del artista en la biografía.

Esta obra inaugura un nuevo campo de la historia de la pintura: el detalle, visto inopinadamente o poco a poco descubierto, identificado, aislado, separado de su conjunto, pone en cuestión las categorias de la historia del arte que parecen haber sido establecidas de antiguo. Estudiando los diferentes estatus del detalle, Arasse propone otra historia de la pintura: una historia mucho mas cercana a las practicas del pincel y a la mirada.

En la actualidad, el arte puede liberar al hombre de su confusión devolviéndole lo que ha perdido: éste fue el mensaje de Kandinsky, fundador de la pintura abstracta. No se trata de representar el mundo de los objetos, sino nuestra vida interior. ¿Como pintar y hacer ver las emociones ocultas de nuestras almas, como mostrar lo invisible? Considerada dificil, la pintura abstracta abre paradojicamente el camino hacia una cultura verdaderamente popular y confluye con el arte preocupado por lo sobrenatural, con el arte sagrado, como nos explica Michel Henry.

En 1929 la revista Varietes publicaba un insólito "Mapa del mundo en la epoca de los surrealistas", cuya cartografía dislocada, de fronteras sorprendentes, anunciaba otras futuras puestas en cuestión de las practicas narrativas consensuadas en nuestra cultura. Y es que transgredir el mapa equivale a revisar el mundo, porque el mapa no es sino el producto de cierto diseño "a la carta" que se propone e impone desde el poder. El cartografo no es el ser ausente y omnisciente que ha tratado de presentar la tradicion: la geografia es combativa. Siguiendo el rastro de las cartografias codificadas, el presente libro plantea el uso de los mapas entre los artistas actuales como un arma arrojadiza contra las narrativas impuestas y sus trampas, implicitas y heredadas. Se trata de abordar el analisis de las metaforas espaciales, mostrando la imposibilidad de que puedan presentarse como formulaciones neutrales, apoliticas.

En los escritos, surgidos un tanto al albur de la ocasión, van apareciendo personajes y lugares tan variados como Manet, Velazquez, Breton, Carlos Franco, Baudelaire, Picasso, Bonnard, Gutiérrez Solana, Freud, Giacometti, Jaime Lorente, Marquet, Juan Navarro Baldeweg, Matisse, Blinky Palermo, Seurat, Gomez de la Serna o Kandinsky, entre otros cientos, ocupando territorios tan ajenos como el Museo del Prado y Liliput, el Rastro y la Bauhaus. Entre todos ellos, sin embargo, se teje una trama comun que reivindica la naturaleza esencialmente carnal de la experiencia artistica.

Warhol ha marcado la escena artística y social de los últimos treinta años. Nombre señero del Pop-Art en los sesenta, impulsor de aventuras vanguardistas en su célebre Factory –desde bandas de rock c

Premio Internacional de Ensayo 2008 Circulo de las Artes. Presenta las preguntas clave de novelistas, poetas, filósofos y artistas acerca del lugar de la imagen y la imaginación en un mundo convulso.