Libros de Teoría y crítica de arte, página 44 de 207

Este libro debe entenderse a partir de la ambigüedad de su título. Así, La comedia de lo sublime remite, por supuesto, a esa tradición, de estirpe idealista y romántica, que explora la dialéctica entre lo sublime y lo cómico. Pero, simultáneamente, quiere señalar la conversión en pura comedia de muchas de las sublimidades contemporáneas o en mera banalidad de algunas de las pretensiones cómicas. Es, por tanto, un libro de inversiones, que se despliega en cuatro secciones. La primera comienza con la inversión de lo sublime en lo cómico, para concluir en la actual inversión de ambos; la segunda parte de un posible neopintoresquismo en las prácticas artísticas contemporáneas, para acabar en el grotesco y truculento pintoresquismo del parque temático; la tercera se inicia con lo siniestro [Unheimlich] y su carácter amenazante, para finalizar en un siniestro fingido y simulado que sólo muestra la nostalgia de su ausencia; la cuarta y última sección está dedicada a investigar esas propuestas artísticas que intentan acercarse a lo real a través del dolor y la violencia, y que, en ocasiones, suelen obtener como resultado justamente lo contrario de lo que se proponen.

El patrimonio cultural arquitectónico es una de las formas en las que se materializa la memoria y, por ello, la preservación de su autenticidad se ha convertido en la piedra angular de todas las intervenciones de conservacion y restauracion monumental. Salvaguardar la autenticidad de la herencia arquitectonica supone legar a las generaciones futuras una parte fundamental de nuestra memoria. Hay un acuerdo universal respecto a esta idea, pero no en cuanto al concepto de autenticidad, que no es universal ni univoco. El debate en torno a la autenticidad es, por tanto, fundamental para poner en marcha las politicas, los metodos y la praxis de la conservacion del patrimonio cultural y, al mismo tiempo, esta reflexion supone introducir en el ambito de la conservacion y la restauracion monumental los valores de tolerancia, respeto y dialogo entre las culturas y el concepto del desarrollo sostenible, aspectos que usualmente no se tienen en consideracion en los textos cientificos de esta disciplina. Basandose en la experiencia de los expertos y tecnicos de muchos paises de America, Africa o Asia y el propio trabajo de campo de la autora en diversos paises, este ensayo sobre la verdad o la mentira de lo que vemos, de aquello que identificamos con nuestro pasado y con nuestra memoria, se propone una lectura distinta de lo que supone salvaguardar lo autentico de nuestro patrimonio cultural y una reflexion sobre el sentido que tiene dedicar esfuerzos a preservar ese patrimonio, sobre el respeto a la diversidad cultural como condicion necesaria de esa conservacion y sobre la relacion causa-efecto entre la conservacion del patrimonio y el desarrollo economico y social. Occidente busca de forma desesperada recuperar la autenticidad y esta se ha convertido en un valor en alza, desde lo mas sencillo, como que comemos, hasta lo mas complejo que podemos valorar en las personas. Pero lo autentico es interpretado de manera anomala, superficial o sencillamente frivola. El mundo se ha convertido en un gran escenario donde la miseria y la marginacion se entienden como

El objeto de este libro son los fenómenos estéticos que trascienden lo artístico y los desarrollados a partir de los medios de masas. Se parte de la idea de que comprender dichos fenómenos exige abandonar los limites que a lo largo de la Edad Moderna fueron reduciendo la Estetica hasta convertirla en una peculiar Teoria del Arte. Hoy en dia la reflexion sobre las tendencias artisticas o sobre los limites del concepto de Arte, no es suficiente para dar cuenta, ni siquiera aproxiamdamente, de las condiciones, las potencialidades, los fundamentos y las servidumbres del universo estetico en el que nos movemos. En este sentido, es preciso volver a una concepcion pre-moderna de los estetico, donde la identificacion con el Arte quede definitivamente superada.

Páginas llenas de visiones, explicaciones, críticas, autocríticas de la realidad actual en la que vivimos. La superación del género de opinión. Porque ni siquiera el miedo es lo que era. Porque un fanatico es un nihilista y un creyente un desalmado. ALBERTO ADSUARA. Mas que una vision de aquello que llamamos realidad. La seriedad de la vida, tomada mucho mas en serio, que aquellos que aseguran tomarsela en serio. Alberto Adsuara rescata con este Blog uno de los valores perdidos en la literatura, el sentido comun. ENRIQUE BADER

"¿Y no iríamos al Japón, al espejo del Japón, al Sur? Creo que el futuro del arte nuevo se halla aún en el Sur".Esta frase de Van Gogh fue decisiva para que dos mundos, dos formas de entender la vida, el arte, el amor o la muerte, en inquietante paralelismo, se enfrentaran en las páginas de este libro. De un lado, lo recóndito y ancestral de la cultura española; de otro, lo esencial y resguardado del Japón. Entre ambos espejos, el autor sitúa a creadores de Europa occidental, del Japón y de la isla de Cuba que buscan ese espacio propicio donde formularse la pregunta trascendental sobre la vida -la pregunta que abre El mito de Sísifo, de Albert Camus-, y en el epílogo reseña su propio paso por Sri lanka, la India y el Nepal.

Pese al título, este libro no ofrecerá ni consejos ni recetas para saborear la pintura, es más, el deseo del autor es sembrar o mejor dicho consolidar una duda, la duda sobre la capacidad de poder “s

A finales de este mes Mono Azul editora publica el libro Una Bofetada al gusto del Público, del poeta y escritor soviético Vladimir Maiakovski, Junto a este título Mono Azul lanza al mercado la Segunda edicion de Soy Apache, de Geronimo. Maiakovski, Geronimo y Lucini, con sus Apacherias del Salvaje Oeste, llegan juntos a las estepas de la nieve previas a los fastos navideños. Desde Arizona hasta Moscu pasando por Sevilla y Madrid.

En 1890, cuando ya goza de una brillante fama como escritor, Oscar Wilde publica la primera parte de su ensayo El crítico como artista, que titula La importancia de no hacer nada. Dos meses después aparece La importancia de discutirlo todo. En ambos propone, con un lenguaje desenfadado y mordaz, que la labor del critico es mas meritoria que la del artista y aprovecha para escandalizar a la sociedad de su epoca con provocaciones y epigramas. Esteblece que la diferencia entre periodismo y literatura radica en que el periodismo es ilegible y la literatura no se lee y afirma que solo las teorias peligrosas tienen algo de valor intelectual. Una idea que no sea peligrosa no merece llamarse idea.

El Tema Central de mayo de EXIT Express, perfila la situación actual del videoarte, un medio que desde su surgimiento en los años 60 ha demostrado infinitas posibilidades narrativas. Hoy en día, poco o nada queda ya en el videoarte del carácter autorreferencial y experimental de sus inicios, afirmándose como un territorio de enorme complejidad que permite a los artistas experimentar en los límites de la realidad y la ficción, rompiendo géneros y soportes. En la Entrevista Central, Luis Camnitzer, coincidiendo con su retrospectiva en Daros Exhibitions (Zúrich), nos habla de sus orígenes, de su visión del arte contemporáneo en Latinoamérica y de su situación como artista ajeno a las corrientes del mercado. En su trayectoria, ética y práctica se dan la mano para componer un relato apasionante, capaz de desmontar buena parte de las mentiras del sistema del arte internacional: "Me interesa el problema de la educación, y sobre todo, saber cómo el pensamiento artístico se puede integrar a otra forma de pensar. Si logras cambiar eso, todo puede cambiar. Entonces no estaríamos hablando sólo de obras colgadas en la pared." Luis Camnitzer, artista

Este libro constituye una propuesta hermenéutica enfocada a las obras de arte. Se refiere a las artes visuales y, dentro de éstas, específicamente, a la pintura. Toma como punto de partida la obra de Erwin Panofsky, a partir de la cual el autor amplió los límites históricoconceptuales del modelo interpretativo iconológico y actualizó el enfoque teórico y sus categorías. El modelo hermenéutico que propone Julio Amador Bech se sustenta en el análisis formal de la obra de arte, aquel que corresponde al estudio de los elementos abstractos básicos del mensaje visual puro. Incluye no sólo las categorías que permiten este análisis, sino que aborda también los problemas de la representación, es decir, la lógica imaginaria específica que rige la producción de imágenes en cada época, cultura y artista, así como el problema del estilo, tanto desde una perspectiva conceptual como histórica.

Mucha gente mira el arte moderno y cree que este tipo de creaciones estan realizadas por artistas que no tienen suficiente talento.Piensa que estan intentando ocultar su incapacidad de hacer obras mas realistas ¡Cualquiera podria pintar o esculpir asi! Pero muchas personas noe stan de acuerdo con estas opiniones.Dicen que el arte mdoerno se ha desarrollado para poder representar la realidad de distintas maneras, y por tanto, que no deberia juzgarse por su grado de realismo...porque no pretende ser realista.Se viene discutiendo sobre el arte moderno desde hace muchos años.Es un debate que no tiene fin.¿Has pensado alguna vez sobre esto? Este libro no va a decirte lo que debes pensar,pero te ayudara a participar en el debate.

La melancolía es, en nuestra cultura, un mito inmortal. Nacida como una enfermedad de invención griega causada por los desajustes de la bilis negra un espeso líquido oscuro, vehículo de padecimientos y manias, pero asociado tambien a la fineza espiritual, el talento artistico y la vocacion heroica, desde muy pronto desbordo el campo medico y se convirtio en el sello autentificador del genio creador. Es asi como llega al siglo xx, despojada del lastre retorico pero conservando intacto su sentido existencial: como la mejor respuesta interior al espiritu de crisis y vertigo, pero tambien de ambicion, con que se afronta el nuevo siglo; como la experiencia inseparable de cierto sentimiento doloroso de la modernidad''. Una modernidad, en lo artistico, atravesada de narcisismo, exaltacion y desconcierto. Se adivina en los escritos mas personales de algunos artistas: las memorias de De Chirico, los diarios de Klee, las cartas de Mondrian; pero tambien en su obra: en la paleta sombria de Vlaminck; en los polvorientos cuadros de Schwitters; en el mundo solar de Matisse, en el genio incansable de Picasso, en la busca de lo absoluto de Malevich, en la carcajada estridente de los dadaistas. Todos ellos hablan en un idioma en el que es dificil no reconocer el cortejo de sintomas que siempre ha flanqueado esta enfermedad atavica que solo existe en la imaginacion de poetas y pintores: desdoblamiento ironico, narcisismo y furor creativo, desazon ante lo absoluto y fragmentacion de la experiencia, murria y excentricidades, inclinacion por lo residual y lo minusculo, el gusto de tomar las cosas por su lado inasequible, la paralisis como fuente de energia y, sobre todo, un entendimiento problematico, oscuro y nada complaciente del hecho artistico.