Libros de Teoría y crítica de arte, página 6 de 207

La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sino facultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocacion pedagogica que siempre lo caracterizo, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vez al castellano, algunos de los secretos de estas tres capacidades basicas que hoy englobariamos bajo la palabra creatividad.La fantasia, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invencion y la creatividad nacen, en cambio, de la funcion y la necesidad. Pero a la hora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginacion juegan un papel crucial. ¿Que mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Como podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Como fomentar la elasticidad del pensamiento para que este no se quede estancado en formulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudicion y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.

En ningún otro movimiento artístico de la historia han coexistido dos artistas tan diferentes como Magritte y Miró. La razón es que, en su origen, el surrealismo no era un movimiento artístico, sino una estrategia filosofica. Se trataba de un modo de vida, de una rebelion contra el sistema que habia sido capaz de producir la espantosa masacre de la primera guerra mundial.El arte surrealista era espectacular e internacional, moldeado por los mas oscuros e irracionales mecanismos del inconsciente, y la narracion de Morris, cautivadora, ingeniosa y siempre entretenida, pone de manifiesto la impresionante variedad de enfoques de la filosofia surrealista, tanto en la obra de los artistas como en su vida.

Michaux escribió, viajó, dibujó, pintó. Escribió como se odia, con la fuerza del «contra» para sobrevivir y, después, para vivir más intensamente, para vibrar más alto. Pero hallo la escritura demasiado convencional, henchida la palabra con demasiada cultura, demasiado lastre, así que empezó a pintar. Pintó para «descondicionarse». Pintó como se grita, para gritar mejor, y para expresar aquellas vibraciones del espíritu que no tienen correspondencia adecuada con el lenguaje. Los infinitos son lugares demasiado intensos para la palabra.

Para Fernando Castro Flórez, autor del exitoso ensayo Mierda y catástrofe, repasa en este nuevo libro los hitos del arte contemporáneo: Cattelan, Broodthaers, Warhol, Manzoni, Michals, Jaar, o Creed. Vivimos atrapados en el exhibicionismo delirante de la propia nulidad, con una extraordinaria falta de pudor y un singular servilismo de las victimas que participan, de una forma aparentemente gozosa, en el espectaculo de la humillacion. La "estetizacion de lo peor" carece de limites. Toda esa vertiginosa proliferacion de "anomalias salvajes" puede ser la suma de una estetizacion perversa de lo anodino y la politica del miedo, que tambien provoca un aburrimiento atroz. Buscamos experiencias singulares y lo que nos acecha desde el "marco" de nuestro muro "narcisista-computacional" no son otra cosa que los rastros de la parametrizacion hiper-panoptica, ese virtual tobogan deslizante hacia toda suerte de naderias.

T'agrada l'art? T'encanten els gats? Aquest és el teu llibre! Què tenien en comú Picasso, Monet i Georgia O’Keefe? Exacte: tots tres van ser grans artistes… i grans amants dels gats. Ara, de la mà (o

Completa y clarificadora initroducción a los problemas tratados en el campo de los Estudios visuales, con aportaciones de algunos de los más reconocidos autores en este ámbito emergente, como Susan Buck-Morss, Micholas Mirzoeff, Keith Moxey o W. J. T. Mitchell.¿Que son los Estudios visuales? Surgidos en torno al cambio de milenio como un entrecruce de disciplinas ?la Historia del arte, la Estetica, la Teoria filmica, los Estudios culturales, la Teoria de los medios, la Cultura visual, los Estudios poscoloniales y de genero ??, responden a la necesidad de analizar un ambito de importancia creciente en las sociedades contemporaneas: el de la visualidad, en el que intentan dar cuenta, sin restricciones disciplinares, de los procesos de produccion de significado cultural que tienen su origen en la circulacion publica de las imagenes. Podriamos, asi, describirlos como aquellos estudios que tratan de la vida social de las imagenes, analizando los procesos de la construccion cultural de la visualidad. Los ensayos reunidos en este volumen constituyen un conjunto trabado de reflexiones tanto sobre el origen y la constitucion del campo de los Estudios visuales, como sobre sus desarrollos y aplicaciones al estudio de las politicas identitarias condicionadas por las practicas de produccion de visualidad, en el marco de la globalizacion. Con aportaciones de algunos de los mas reconocidos autores en este ambito emergente de estudios ?Susan Buck-Morss, Nicholas Mirzoeff, Keith Moxey o W. J. T Mitchell entre ellos?, ofrecen una muy completa introduccion al tipo de problemas tratados por los Estudios visuales y una puesta a prueba efectiva de sus potenciales criticos.

Hace un siglo, la belleza era considerada de forma unánime como meta suprema del arte y hasta como sinónimo de excelencia artística. Hoy, en cambio, algunos la contemplan como algo parecido a un delito estetico. En nuestros dias, determinada critica increpa a los artistas cuando sus obras parecen aspirar a la belleza. En los ultimos años, sin embargo, algunos artistas, criticos y comisarios de exposiciones han empezado a contemplar la belleza de distinta manera. A menudo el debate resulta confuso: en ocasiones los especialistas ven la belleza como una traicion frente al verdadero rol del artista, mientras que en otras se esfuerzan por encontrar belleza en lo aparentemente grotesco o repulsivo. El gran critico de arte y filosofo Arthur Danto explica en este libro como se gesto la revolucion contra la belleza y como fue derrocada por la vanguardia moderna. Danto sostiene que los modernos tenian razon al negar que la belleza fuera consustancial al arte; al mismo tiempo, sin embargo, la belleza es esencial para la vida humana y no siempre debe ser desterrada del arte.

Jardín y belleza son dos conceptos inseparables. Este libro habla de jardines de diferentes tiempos que muestran la belleza en todas las formas posibles, desde la más resplandeciente a la más íntima, jardines que el autor ha visitado y que recrea para disfrute del lector que recorrera espacios sorprendentes cargados de cultura, de memorias y simbolos, de placeres y enigmas, de mitos y fantasias. El libro compone en si mismo un jardin, un pequeño universo que abre infinitas puertas al lector para que se deje llevar y se pierda por un laberinto entre real e imaginario.

Harry Bellet desvela los entresijos de ocho escándalos notorios, algunos de ellos cómicos, otros tristes o incluso trágicos. Si alguna lección podemos sacar de estas historias es que el falsificador infalible, de existir, aun no ha sido descubierto y que,

Vincent Van Gogh le escribió a su hermano Theo más de seiscientas cincuenta cartas. En este epistolario, un testimonio desgarrado frente a la vida, Vincent no solo volcó sus ideas sobre la pintura sino tambien sobre al realidad que lo rodeaba. Las cartas que Vincent Van Gogh le escribio a su hermano Theo desde 1872 en adelante, constituyen una fuente biografica unica e invalorable para conocer los objetivos, pasiones, esperanzas y desilusiones del pintor. Son un testimonio vivido, casi al modo de un diario, en el que el gran artista da cuenta de su cotidianidad asi como de su inestable salud fisica y mental. Despues de haber inspirado biografias, peliculas, obras de teatro, documentales, estudios academicos y miniseries televisivas, estas cartas extraordinarias y conmovedoras se han transformado, a traves de los años, en un grito desgarrado frente a la vida, en una utopia sobre la comunidad de artistas, en un gran documento humano que muestra al verdadero Van Gogh, por el mismo.

El folklore de lo sobrenatural japonés conforma un universo insólito. Toda clase de criaturas fantásticas danzan en un baile de máscaras donde lo mistérico, pleno de terror y maravilla, articula un mundo de extraordinaria riqueza. Unas criaturas, sean demonios, espectros o traviesos monstruos, que encarnan creencias ancestrales a la vez que marcan la huella de la psicologia humana bien enterrada en nuestro sotano particular, el subconsciente. No obstante; ¿que es lo que se encierra tras la figura del monstruo en Japon? ¿Existe una llave para el imaginario fantastico? Este libro aborda estas preguntas y otras muchas a traves de un viaje apasionante por el mito y la leyenda en su plasmacion en las artes.

L’artista Sergi Mas s’acosta en aquest volum a l’art de musicar la fusta o, dit d’una altra manera, a l’art popular de decorar objectes quotidians mitjançant la tecnica de gravar i tallar principalment figures geometriques a la seva superficie. Un tema sobre el qual s’ha escrit ben poc i que, malgrat ser una forma d’expressio artistica popular, no ha gaudit de l’interes dels estudiosos. I, tanmateix, les musicadures —d’origen remot, pero universals i compartides per moltes cultures— son part de l’art del poble, sobretot del d’aquelles persones mes en contacte amb la natura. Tot i que han arribat a l’actualitat, la produccio industrial en serie les ha fet practicament desapareixer. D’aqui ve l’interes de l’autor per fer un estudi el mes ampli possible sobre les musicadures a Andorra, al Pirineu i al mon europeu a traves de la documentacio i les lamines que ha recopilat durant anys. Amb mes de dues-centes il·lustracions del mateix artista, Mas recull els principals tipus de musicadura i fa una aproximacio a la seva presencia en objectes quotidians com salers, escudelles, esclops, formatgeres o collars d’ovella, entre d’altres. E

Un dels llibres d''''art més estimulants i influents que es poden trobar en qualsevol llengua Està basat en una sèrie de televisió de la BBC sobre la qual els crítics del "Sunday Times" van comentar:

Aby Warburg y el pensamiento vivo presenta un coro de voces de filósofos, filólogos e historiadores de la cultura, que aparecen juntos por primera vez como elementos de una misma constelación de pensamiento: Giorgio Pasquali, Mario Praz, Gertrud Bing, Arsenio Frugoni, Giorgio Agamben, Guglielmo Bilancioni, Alessandro Dal Lago, Gianni Carchia, Salvatore Settis, Kurt W. Forster y Maurizio Ghelardi, cuyos ensayos fueron publicados originalmente en revistas o en ediciones ahora inaccesibles, y abarcan un arco cronologico que va desde el inicio de la decada de 1930 hasta los primeros años del siglo XXI. Once aportaciones, todas surgidas en ambito italiano (incluidos Gertrud Bing y Kurt Forster, italianos de eleccion), que representan la linea del pensamiento vivo de Warburg. Asi, vinculados en el nuevo marco interpretativo que propone Monica Centanni, muestran con claridad un trazado que mitiga tantos equivocos y mistificaciones para recuperar y revalorizar la importancia metodologica de Aby Warburg en la historia de la cultura europea. Este libro impulsa el verdadero sentido, inedito hasta el momento, de su metodo y de su herencia; sobre todo, la organizacion revolucionaria de su Biblioteca, trasladada en los años treinta de Alemania a Londres, y el Atlas de la Memoria (Atlas Mnemosyne), la pionera machine a penser, instrumento esencial e inagotable que estimula infinitas conexiones entre forma y contenido.

Con su estilo personal y provocador, a traves de estos pequeños ensayos el filósofo ingles Timothy Morton nos invita a reflexionar sobre ecología, arte y antropocentrismo y apela a nuestras emociones y experiencias como base para la construccion de un compromiso filosofico con el medio ambiente.

La historia del color azul en la cultura occidental es la de una auténtica transformación. Para los griegos y los romanos, este color contaba poco e incluso era desagradable a la vista; se le conside

* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmosfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas mas grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, politicas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta que extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A traves de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporaneas, a lo largo de estas paginas podra navegar por puntos de inflexion de mayor y de menor importancia, asi como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a traves de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino tambien el secreto fundamental de su exito.

Revista del Gran Vortice Ingles

En este libro se reºnen las conferencias de la tercera edición de la Cátedra Museo del Prado, dirigida por Jonathan Brown. Al hilo de su biografía y de su experiencia personal en el ámbito de la historia del arte, el autor reflexiona sobre pintores como Ribera, el Greco o Velazquez, ocupandose ademas de cuestiones relacionadas con la historiografia, la nocion de taller, el arte de corte de los Austrias o el contexto artistico de los territorios de Nueva España.