Libros de Artistas modernos, página 14 de 67

El libro contiene un CD con una selección musical de la época de autor

Is a self-portrait of an artist a medium of reflection—or is it merely a black void, the “false mirror,” as the surrealist René Magritte entitled his 1928 painting of an eye? Do self-portraits reveal

El libro contiene un CD con una selección musical de la época de autor

Ningún nombre brilla tanto en los anales del arte y de la ciencia como el de Leonardo da Vinci. En vano se buscarán, en los muchos volúmenes a él consagrados, detalles sobre la génesis de sus pinturas, sobre el proceso por el que pasó cada una de ellas, desde los primeros croquis hasta la última pincelada. Vinci no alcanzaba la perfección más que al precio de una labor enorme: gracias al hecho de que sus esbozos fueron preparados con un esmero tan minucioso, con esa sed insaciable de perfección. El examen metódico de documentos, como los de los investigadores Richter, Charles Ravaisson-Mollien, Beltrami, Ludwig, Sabachnikof y Rouveryre, así como los generados por la academia romana de los "lincei", le ha permitido al autor penetrar más profundamente que sus predecesores en la intimidad del héroe.

Esta obra examina detenidamente, tomando como punto de partida un importante caudal de aportaciones documentales inéditas, la estancia en Roma de cerca de 40 pintores españoles, los más desconocidos hasta la fecha, entre 1527 y 1600. A Pedro Rubiales y Gaspar Becerra, sus dos principales protagonistas, se dedican sendas monografias centradas en su actividad italiana.Pedro Rubiales, Gaspar Becerra y los pintores españoles en Roma, 1527-1600

Es imposible hablar de Leonardo da Vinci, el gran genio del Renacimiento, sin tocar el tema de la Mona Lisa, su cuadro más célebre y la encarnación más completa de su admirable talento. En la presente obra, Da Vinci y la Mona Lisa, Eulalio Ferrer nos ofrece, con su vigoroso estilo, tanto un retrato de la vida y obra de Leonardo como un apasionante relato sobre esta obra maestra de la pintura, en el que nos muestra su origen, el significado que ha tenido en las diferentes epocas: para los renacentistas, los romanticos, los vanguardistas y la cultura pop, y las metamorfosis que ha experimentado, con el paso del tiempo, al transformarse en simbolo cultural, arquetipo de la belleza femenina, alegoria mistica, simbolo perenne del mundo occidental y fetiche de la cultura de masas.

La exposición cuenta con un conjunto de setenta y cinco piezas, entre dibujos, planos arquitectónicos, acuarelas, óleos y estampas, con los que se pretende ilustrar la pintura del artista en el Casón, su historia, significado, iconografía, así como su técnica de ejecución y sus sucesivas restauraciones. Además, a través de este conjunto -considerado por sus contemporáneos la obra más perfecta de las realizadas por Giordano en España-, el Museo quiere abordar también el estudio de toda la producción mural española del artista: la escalera y las bóvedas de la Basílica de El Escorial (1692 # 1694), el despacho y dormitorio (este último destruido) del monarca en el Palacio de Aranjuez; el Casón del Buen Retiro (c. 1697); la sacristía de la catedral de Toledo (1698); la Real Capilla del Alcázar (destruido) y San Antonio de los Portugueses (1699). La presentación de esta muestra en el Casón, en la que se incluyen 56 pinturas del artista napolitano, constituye el último capítulo de una larga investigación comenzada en 2001, momento en que se inició la restauración de la bóveda de Giordano. Dicha investigación ha estado dirigida por Andrés Úbeda de los Cobos, Jefe de Área de Conservación de Pintura Italiana y Francesa hasta 1700 del Museo y ha sido orientada hacia dos aspectos fundamentalmente: por una parte, la historia de la bóveda y su significado. Por otra, el uso del fresco por parte de Giordano, sus variantes y heterodoxias, que permiten proponerlo como un pintor empeñado permanentemente en la experimentación de nuevos soportes materiales y en la aplicación de novedosas soluciones obligadas por el carácter específico de la arquitectura española.

« Mon métier est celui de peintre. Quand je dis qu''un homme a du talent, je veux dire qu''il réussit dans son art ; ainsi, un peintre de talent est un peintre qui peint bien, et qui imite bien les c

Para comprender el alcance de ese gesto colectivo de protesta contra la historia que realizaron durante un breve período de tiempo estos artistas en Viena, conviene no olvidar que son los hijos del horror nacionalsocialista. Fruto de los años sesenta, el Accionismo Vienés, su extremismo, resulta en nuestra opinión un fenómeno artístico de alto interés contemporáneo cuando de un modo sutil comprobamos que la violencia se instaura por doquier tras una aparente y falsa paz universal. Surgido en un entorno cultural marginal, representó el convulso y virulento reencuentro del arte experimental con la destrucción.

Este catálogo recoge la magna exposición sobre Goya celebrada en el Museo Nacional del Prado entre abril y julio de 2008 con motivo del 200 aniversario del 2 de mayo de 1808 y el inicio de la Guerra de la Independencia y con la idea de continuar anteriores proyectos dedicados a Goya por el Museo.Goya en tiempos de guerra plantea una amplia reflexion sobre un periodo de extraordinaria creatividad en la larga trayectoria artistica de Francisco de Goya, que abarca desde 1799, año en que fue nombrado primer pintor de camara, hasta 1819, fecha en que cae enfermo y se retira de la vida publica, y, aunque la Guerra de la Independencia es parte central del argumento de esta obra, el arco temporal se amplia para englobar otras guerras y acontecimientos de esa epoca fundamentales para una total comprension del entramado de fondo ante el que se perfila la vida y la obra del pintor. La figura de Goya se analiza a traves de los estudios en profundidad de casi doscientas obras esenciales de este periodo, en los que se presentan las novedades descubiertas en una investigacion previa que incluia la reunion de nuevos datos documentales y la realizacion de analisis tecnicos y restauraciones de una parte de las obras expuestas, principalmente de los cuadros del Dos y Tres de Mayo de 1808.

The Arnolfini Portrait, depicting the wedding of a young couple, is one of the most famous paintings of the Early Renaissance. With its unprecedented precision and masterful use of color (down to the most minute details reflected in the background mirror), the painting is a testament to the mastery of Flemish painter Jan van Eyck (c. 1390-1441), leader of the Early Netherland School. Though he cannot be credited, as many have claimed, as the inventor of oil painting, his use of the medium was highly innovative, allowing for great intensity and depth of color. Often imitated but never equaled, van Eyck left an indelible impression on Renaissance art and paved the way for future realist painters.

El catálogo más completo de los grabados de Goya en una edición de lujo.Esta edición recoge, en un solo volumen, la obra gráfica completa de Goya. Se reproducen 287 grabados y litografías, lo que representa una publicacion fundamental y unica dentro de la historiografia del pintor. El libro incluye las cuatro famosas series de grabados de Goya Los Caprichos, Los desastres de la guerra, La tauromaquia y Los disparates, asi como todas las estampas sueltas que realizo a lo largo de su vida. Una guia imprescindible y rigurosa; toda una referencia para los especialistas en la materia.Edicion de lujo de los grabados de Goya. Incluye textos de un reputado especialista en la obra del pintor.

El libro contiene un CD con una selección musical de la época del autor