Libros de Artistas modernos, página 17 de 67

El dibujo fue fundamental como parte del proceso creativo de alonso Cano. Ya sus coetáneos destacan su gran habilidad, su extraordinaria inventiva y su exquisita técnica, a lo que se añade la cualidad de saber dibujar cualquier cosa, desde un motivo arquitectónico a una figura. Alonso Cano (1601-1667). Dibujos. Catálogo razonado permite descubrir, a través de sus dibujos, a uno de los artistas más completos del Siglo de Oro español: pintor, dibujante, grabador, retablista, diseñador, arquitecto, escultor... Cultivó las artes en sus más variadas manifestaciones y se constituyó en figura central del siglo XVII español.

La vida y la obra de Leonardo: la edición definitiva Leonardo da Vinci (1452-1519) poseyó una de las mentes más formidables de todos los tiempos: su importancia e influencia son inestimables. Este es

La Exposición Primitivos. El siglo dorado de la pintura portuguesa (1450-1550), concebida y organizada por el Museu Nacional de Arte Antiga, nos introduce en el periodo áureo de la pintura portuguesa. Coincide con la gesta expansionista de Portugal y con la afirmación de un ideario cultural, social y cortesano que propició la riqueza así lograda.

Coord. Ana María Herrero Pascual. El presente corpus documental en dos tomos, sobre Francisco Salzillo es de gran importancia por su novedad y oportunidad. Novedad, porque aunque existen importantes trabajos sobre este escultor en los que se han aportado numerosas citas documentales, ninguno de ellos incluye, como en esta publicación, todas las imágenes digitalizadas de los documentos originales y su transcripción, acompañada de la catalogación y datos para la localización de cada documento. Oportunidad, porque con este libro conmemoramos dos acontecimientos relevantes para la Región de Murcia: el quincuagésimo aniversario de la inaguturación del Archivo Histórico Provincial de Murcia y el tricentenario del nacimiento de uno de los artistas más significativos del panorama español del siglo XVIII.

José de Ribera nació en Játiva (Valencia) en 1591. Sin embargo, su carrera se desarrolló en Parma, Roma y Nápoles, donde cultivó un estilo que deriva del que había difundido Caravaggio. La etapa en la que estudió y reelaboró el lenguaje naturalista abarca sus estancias en Parma, Roma y los primeros años de su residencia en Nápoles. Este período, en el que se advierten diferentes fases desde el punto de vista de la escritura pictórica y de los intereses temáticos evidenciando cómo estilo e iconografía interactúan profundamente, es el objeto de esta muestra. Durante su estancia en Roma, la precisión descriptiva y el claroscuro fueron utilizados por Ribera para renovar la presentación de asuntos tradicionales como los Sentidos, los Apóstoles o los Filósofos mientras que en Nápoles, estos mismos instrumentos proporcionarán a su pintura devocional una inconfundible carga de intensidad, rigor y drama. El recorrido de la exposición se ha organizado en torno a distintos ámbitos que agrupan conjuntos de obras relacionadas entre sí o con períodos concretos de la estancia de Ribera en Roma y sus primeros años en Nápoles.

Pocos pintores han gozado de una consideración tan elevada como la que alcanzó Bartolomé Esteban Murillo en vida y en los dos siglos posteriores a su muerte. Debido a ese renombre, su obra, ávidamente buscada por los coleccionistas, se encuentra muy repartida luego de haber experimentado los avatares de un inusitado proceso de dispersion que no se concluiria sin perdidas. En la actualidad muchas pinturas se conservan en museos de todo el mundo, mientras que otras, en colecciones particulares, son poco conocidas por el publico y apenas accesibles a los estudiosos y han tenido escasa fortuna critica en la literatura artistica -de hecho, hasta ahora algunas han permanecido ineditas- o bien su presencia en la historia del Arte ha acabado por diluirse en el silencio. Por este motivo, historiadores, expertos y tambien cualquiera que sienta interes por la obra del maestro sevillano acogera con satisfaccion la edicion de este libro que, muy probablemente, sera durante años la principal fuente de informacion basica sobre la pintura de Murillo.Este volumen es tambien la ocasion de acceder no solo a la totalidad de la produccion conocida del pintor ordenada con claridad, razonada y cuidadosamente reproducida, sino a numerosas obras de las que hasta ahora solo existian noticias documentales o que se conocian nada mas que por antiguas fotografias en blanco y negro y pobres ilustraciones. Hoy no cabe albergar duda alguna sobre la grandeza del arte de Murillo. En su apreciacion publica, que habia declinado casi verticalmente durante el siglo XX, se ha experimentado desde hace unos años el comienzo de una lenta pero segura restauracion. Sin embargo, su estimacion aun permanece sometida en parte a la prevalencia de algunos topicos sobre el estilo y los temas de su pintura; y el conocimiento general de su obra se ve reducido a las limitaciones de unos pocos modelos iconograficos que en absoluto ofrecen la dimension verdadera y total de su arte. Es imprescindible un acercamiento a otros aspectos menos conocidos de su pintura y estos ya se encuentran justamente representados en este libro junto a las obras que cimentaron la fama del artista. Murillo. Catalogo razonado de pinturas es asi una publicacion necesaria que actualiza, completa y esclarece el conjunto de la obra de Murillo y anticipa una serie de estudios especializados dedicados al maestro que van a ver la luz durante los proximos años y a cuya preparacion esta obra contribuira decisivamente.

Destacado pintor de la tradición barroca española, junto a El Greco, Velázquez y Zurbarán, José Ribera fue el más tenebrista de todos ellos y el primero en ser llamado «artista y grabador». Su primer estilo, unas veces inspirado en Caravaggio y otras en el método empleado por Guido Reni, refleja indicios del estudio de los maestros españoles y venecianos. Junto a enormes y predominantes sombras, Ribera siempre confirió una gran fuerza al colorido local. A principios de la década de 1630, su estilo se alejó de los fuertes contrastes de luz y oscuridad para adoptar una iluminación más difusa y dorada. En esta obra, Javier Portús, jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Museo del Prado, nos presenta la trayectoria de Ribera desde una nueva perspectiva, centrando su investigación en los primeros años del artista, que son los que los historiadores de arte menos han abordado hasta la fecha.

La historia de Séraphine Louis, conocida como Séraphine de Senlis, cuya obra se copara con la de Arcimboldo y Van Gogh.

Interpretar el trabajo artístico de Gabriel de la Mora es como buscar la huella de un crimen con la sospecha de que este nunca tuvo lugar: En sus obras, la precisión y la ejecución parecen contornar maniobras conecptuales a la vez que formales, en procedimientos inmanentes que no dejan ningun cabo suelto.

This book provides an illuminating and superbly written exploration of the work of Jose de Ribera, a leading figure in Spanish art. A leading figure in the baroque Spanish tradition - alongside El Greco, Velazquez and Zurbaran - Jose de Ribera's style was the most markedly Tenebrist (a style of painting in which the vivid and often violent contrasts between light and dark is one of the dominating features of the image) of his contemporaries. He was also one of the first artists of his time to be both a painter and printmaker. This gloriously illustrated book, written by Javier Portus - chief curator of the Spanish Baroque art department at the Museo del Prado in Madrid - takes a fresh look at Ribera's career, with a focus on his earlier work.

¿Fue Caravaggio un producto de la cultura de la Contrarreforma? ¿Se debió el rechazo de muchos de sus cuadros a razones ideológicas, o más bien a la acusación de no respetar el principio ético-estético del decoro? ¿Debemos considerar su pintura como un acto intelectualmente subversivo o como el fruto de una toma de conciencia radical de los valores ideales de la tradicion catolica? Tamizando las inexactitudes y contradicciones de biografos e historiadores, el investigador Marco Bona Castellotti profundiza sobre la vida y obra del artista mas influyente y controvertido del Seicento italiano, y arroja luz sobre los juicios, muchos falsos y sin fundamento, que rodean a un pintor aun considerado polemico. Un libro que entra de lleno en un debate vivo desde hace tiempo y nos desvela, con la ayuda de cuarenta y siete laminas a color, la obra un maestro sin igual en la edad moderna, por la intensidad de su vida y su busqueda de una verdad que llega hasta la paradoja.

Coord. Miriam López Fernández. Catálogo de la exposición. Las obras del pintor cretense están fechadas entre 1600 y 1614, su última etapa de producción pictórica desarrollada en la ciudad de Toledo. Destacan en el conjunto un Apostolado completo; Las lagrimas de San Pedro, magnifico ejemplo de pintura devocional para oratorios particulares, y el esplendido San Bernardino, deposito del Museo Nacional del Prado en el Museo del Greco, pintado para el retablo que presidia la capilla del Colegio toledano. La exposicion se completa con los retratos de los hermanos Antonio y Diego de Covarrubias, personajes destacados del Toledo de su epoca, hijos del arquitecto Alonso. Del hermano mayor, Diego, se expone otro retrato pintado por Alonso Sanchez Coello en 1574, que posiblemente El Greco utilizo como modelo para la ejecucion del suyo, puesto que no conocio personalmente al ilustre obispo, que fallecio en 1577. La exposicion muestra estas obras en el contexto del ambiente historico de la ciudad de Toledo a principios del siglo XX, momento en que se crea el Museo del Greco y se recupera la figura del artista gracias a distintas conmemoraciones; asi, junto a los lienzos del pintor se exhiben fotografias historicas dedicadas a sus obras.

El 8 de junio de 2008 se cumplió cien años del nacimiento de Leandre Cristòfol, uno de los artistas más singulares y significativos de la escultura de vanguardia a España. Este catálogo que recoge la exposición, enmarcada en los actos de celebración del centenario del nacimiento, pretende destacar los rasgos esenciales que caracterizan su legado. De esta forma, lejos de incidir en los discursos cronológicos y en la presentación exhaustiva de su labor -cuantitativamente hablando-, la muestra tiene la voluntad de remarcar, a través de cada uno de los diferentes ámbitos expositivos que la componen, los itinerarios por los cuales transitó el universo creativo de Leandre Cristòfol, dejando constancia de la excepcional singularidad que caracteriza el conjunto de su obra, un corpus escultórico que trasciende los límites de una trayectoria personal y artística frecuentemente poco conocida, o conocida parcialmente, y que se ha convertido en un referente ineludible de la renovación de la escultura española del siglo XX.