Libros de Teatro contemporáneo extranjero del XIX al XXI, página 4 de 34

El novembre de 2025 se celebren 50 anys de l'assassinat de Pier Paolo Pasolini. El teatre de Pasolini té molt de vincle amb la poesia, les seves obres estan escrites en vers i en llengua culta. El s

Sinopsis Personaje pendenciero, jugador, libertino y libre pensador, materialista y poco romántico, célebre por su desproporcionada nariz, Rostand convirtió a Cyrano de Bergerac en mito y héroe nacional, haciéndole pasar de la historia a la leyenda. Esta edición presenta la magistral traducción realizada por Jaime y Laura Campmany respetando escrupulosamente la métrica en que había sido escrita la obra original. Con ella disfrutaremos, en toda su fuerza y viveza, de la musicalidad y el ritmo del verso francés.

Eugéne lonesco nació en Rumania el 31 de noviembre de 1912 y murió en París en 1994. Con sus padres, al año de su nacimiento viajó a París, donde vivió hasta los trece años. En 1925 volvió a Rumania y siguió la carrera de letras. Enseñó francés en el Liceo de Bucarest durante tres años, y en 1938 regresó a Francia para establecerse allí definitivamente. Se empleó en una editorial, luego en un banco, y dejó sin terminar una tesis de doctorado sobre el tema de la muerte en la poesía francesa. Su primera pieza, La cantante calva, estrenada en el Théátre des Noctambules en mayo de 1950, lo lanza a la fama. Al compás del rotundo posterior éxito de Rinoceronte, ya incorporado a esta colección, los sucesivos estrenos de lonesco fueron constituyendo otros tantos logros de resonancia internacional. Por eso es que se incluyen en este volumen El Rey se muere y otras tres piezas de indudable fortuna en los escenarios del mundo.

A ciento cincuenta años del nacimiento de Chéjov, queda mucho por descubrir de nuestro mundo en sus dramas, de allí la relevancia de la publicación de este Teatro completo, traducido directamente del ruso. - Jorge Dubatti No puedo leer sus obras sin una embobada sonrisa de felicidad. Hay algo sorprendente y gozoso en la solvencia con la que compone esos personajes de expresividad insólita. [...]. Ante el libro como ante el escenario, Chéjov me hace llorar, y eso me da una alegría irreparable. - Mauricio Kartun Chéjov, que veía cómo era el mundo, tenía inagotable amor y piedad, y por eso su ironía nunca es ácida. - Ernesto Sabato Chéjov tiene una forma propia, como los impresionistas. Uno mira y tiene su impresión de que el artista pone sus colores tal como le van a parar a las manos y como si sus pinceladas no tuvieran ninguna relación entre ellas. Pero si uno se aleja un poco y lo mira mejor, recibe una impresión extraordinaria, la de encontrarse frente a un cuadro claro e indiscutible. - León Tólstoi

Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramaticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Figaro (1781). En El barbero de Sevilla, como nos explica en su introduccion Mauro Armiño, el genio del autor consiguio hacer de una intriga y unos personajes trillados una comedia absolutamente original en la que destaca la fuerza que supo imprimir a todos los personajes, pero sobre todo al conde Almaviva y especialmente a Figaro, heredero del criado de la comedia clasica que alcanza la categoria de protagonista en igualdad de condiciones que su antiguo amo, y en el que cristaliza una de las grandes creaciones de la tradicion dramatica europea.Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramaticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Figaro (1781). En El barbero de Sevilla, como nos explica en su introduccion Mauro Armiño, el genio del autor consiguio hacer de una intriga y unos personajes trillados una comedia absolutamente original en la que destaca la fuerza que supo imprimir a todos los personajes, pero sobre todo al conde Almaviva y especialmente a Figaro, heredero del criado de la comedia clasica que alcanza la categoria de protagonista en igualdad de condiciones que su antiguo amo, y en el que cristaliza una de las grandes creaciones de la tradicion dramatica europea.

Tolstói describe al final de su vida con veinte años de antelación en Y la luz luce en las tinieblas. Es el clamor de quien no puede seguir callando. Saryntsev, el personaje principal, dotado de muchos rasgos de la personalidad de Tolstói, incapaz de continuar viviendo en las tinieblas del lujo e ignorando el bien verdadero, idea un programa gracias al cual parece posible alcanzar la luz. Lo idea e intenta llevarlo a cabo. Pero el mundo no se encuentra preparado para renunciar a los ejércitos, denunciar la mentira de la iglesia, desprenderse de los bienes materiales, vivir sin oponerse al mal con el mal y caminar con la Verdad por delante. El mundo no entiende las ideas de Saryntsev: las desfigura, las altera, las ridiculiza. Las castiga. Tolstói se da cuenta de que su prédica de la Verdad no solo no ayuda al prójimo, sino que lo confina a la soledad y al sufrimiento. La lectura de esta obra nos lleva a participar de un misterio. El misterio tolstoiano..CONTINÚA

El asesinato de Thomas Becket, arzobispo de Canterbury, por orden de su amigo, el rey Enrique II de Inglaterra, en 1170, es el punto de partida histórico que tomó Anouilh para construir Becket o el amor de Dios, una de sus obras mas intensas, donde el vigor dialectico se mezcla con el analisis de sentimientos. El vals de los toreros -pieza que el mismo autor ha llamado "chirriante"- sacude las bases mismas de las convenciones sentimentales e ideologicas que simulan sostener la sociedad humana. Jean Anouilh (1910-1987) logro el milagro de permanecer durante decadas en un lugar eminente e indiscutible, aunque desafiantemente personal, del teatro frances contemporaneo. Su obra, lejos de inmovilizarse en sus formas mas celebradas, se renovo constantemente dentro de la fidelidad al talento que la animaba.

Cuando leemos Los últimos días de la Humanidad, que es un Apocalipsis cómico y patético del horror de la Primera Guerra Mundial, reír es... una forma de llorar y, así mismo y sobre todo, de tomar conciencia de la gravedad de estos problemas; y mas cuando se hace una lectura actual de la obra, desde el conocimiento historico de que la humillacion que sufrieron los alemanes en el Tratado de Versalles fue una causa muy importante de que naciera el huevo de aquella serpiente del nazismo que definitivamente estallo en 1939 con el comienzo de unos nuevosultimos dias de la Humanidad(Segunda Guerra Mundial), que acabaria en el doble espanto de Hiroshima y Nagasaki, ya profetizado de algun modo en la obra de Karl Kraus.Kraus nos introduce su obra con palabras como estas:Los actos mas inverosimiles aqui presentados ocurrieron realmente ... Los dialogos mas increibles que aqui se mantienen fueron dichos palabra por palabra ... Dejes y acentos recorren rechinando el tiempo y se van inflando hasta convertirse en el coro de este sacrificio cruento ... La gente que vivio entre la humanidad y la ha sobrevivido termina reducida a sombras y marionetas, larvas y lemures, mascaras de este carnaval tragico.... ¿De que se trataba en aquella guerra y en todas las habidas desde entonces? El drama, dice Kraus,ha sido ideado para s...

Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el regimen nazi, a su regreso a Alemania fundo y dirigio la compañia Berliner Ensemble, donde llevo a la practica, a traves de sus multiples experiencias innovadoras, su teoria del teatro epico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observacion critica a traves del distanciamiento. Este octavo volumen de la serie que recoge su Teatro completo incluye tres piezas escritas entre 1939 y 1949: "El interrogatorio de Luculo", "El alma buena de Sezuan" y "El señor Puntila y su criado Matti".Traduccion de Miguel Saenz

En "La señorita Julia" el dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912) lleva a las últimas consecuencias el enfrentamiento de caracteres y la despiadada crueldad que presiden las relaciones humanas, elementos presentes siempre en su teatro. Este intenso drama naturalista en el que, mediante la reduccion temporal y espacial y una admirable economia de recursos expresivos, se desarrolla el conflicto entre una aristocrata y su criado, convierte a Strindberg, como advierte Eugene O'Neill, en el precursor de cualquier forma de modernidad en nuestro teatro presente. En el prologo a la obra, el autor expone, con gran precision, sus ideas teatrales.Traduccion de Francisco J. Uriz

VARIOS

“Sea la publicación de este volumen la ocasión para descubrir a un autor singular y sus fascinantes aproximaciones al misterio del entusiasmo amoroso; la invitación también a incursionar en espacios

Teatro clásico

Las numerosas referencias que pueden encontrarse en los ensayos de Albert Camus (1913-1960) a personajes de “Los demonios” revelan con claridad que sintió siempre especial fascinación y aprecio por e

Si Dante pren Virgili com a guia per a la seva travessia poètica, Pinter s'endinsa en el particular descens als inferns contemporanis que es "Terra de Ningú".

Drama estrenado en 1949, “Los justos” desarrolla, en el ámbito histórico de la Rusia zarista, algunos de los temas que obsesionaron a Albert Camus (1913-1960) a lo largo de su vida y que atraviesan c

H. C. Andersen transformó por su cuenta toda la prosa nórdica. No en sus novelas ni en sus piezas dramáticas. Lo hizo en sus cuentos. Ese estilo a sacudidas, rítmico, lógicamente irracional, peligroso, extraordinariamente vivo, nacido de la lengua hablada, rompio toda la gran tradicion de la prosa nordica Andersen fue el genial pionero que abrio el camino a una nueva prosa. Tendria muchos discipulos. August Strindberg aprendio a escribir su prosa en Hans Christian Andersen: muchas veces lo ha testimoniado y es facil comprobarlo si se observa con atencion. El a su vez creo nuestra prosa sueca moderna. Habia elegido el mejor modelo posible. El señor Andersen tenia dos idiomas. Uno sacado del pueblo, de su propia vida, de la lengua hablada, y de su inimitable sentido del ritmo. Ese idioma lo convirtio, para su asombro, en una celebridad mundial. El creia que los cuentos no eran literatura de verdad. No eran arte. El otro idioma, el del buen gusto, el elegante, era el que utilizaba en sus tozudos intentos de ser mundialmente conocido. Un idioma, si, eso es, completamente muerto.. Fragmento de "De la vida de las lombrices"

Teatro

When young Phoebe asks Sir Philip Freewit, the man who has got her with child, to fulfil his promise and marry her, he replies with shock: "My wife! Then I should never love thee more". Thomas Durfeys The Marriage-Hater Matched (1692) pokes fun at the figure of the libertine rake, which had become a favourite dramatic type with Restoration theatregoers, and forces him in the end to make up for his past recklessness. Besides the marriage- hater and the two women that vie for his affections, a remarkable gallery of secondary characters people this amusing comedy: a Frenchified lady fawning on her lap-dog, a fat clownish Dutchman laughing at his own jokes, an impertinent match-making widow obsessed with food, a peevish old-fashioned courtier, a pert lisping ingenue and two rude boobies bearing the names of Greek philosophers. This first modern critical edition offers a fully annotated text in addition to an introduction that situates the comedy in its literary and theatrical contexts. The editors discuss at length how Durfey drew upon successful comic modes while at the same complying with the moral values advocated by the new monarchs, William and Mary (1688-1702).

Ediciones Irreverentes publica por primera vez a Botho Strauss, y para celebrarlo ha elegido El beso del olvido, una obra brillante que exige un compromiso del lector o del espectador. Es un texto hermetico, desasosegante, que trata del paso del tiempo y como nuestra memoria tiene una clara tendencia a deformar la realidad. Ricarda, la protagonista, rememora la relacion que mantuvo con el señor Jelke como si hubiera sido algo extraordinario, pero lo que descubrimos en este collagede escenas es que atravesaron momentos muy malos y que apenas se entendieron. Botho Strauss cree que el tiempo es un niño entretenido con un juego de tablas, un niño en el trono. Ese niño deforma, destruye y reconstruye la historia vivida entre Ricarda y el señor Jelke y al presentarnos su vision vamos descubriendo que la realidad es siempre otra.