eBooks de Teoría y crítica de arte, página 10 de 247

En este libro se muestra como la casa mediterránea está asociada a su paisaje, que constituye una frontera natural teatro de hechos históricos. La constante presencia de la naturaleza y la configuracion interior de la vivienda son las caracteristicas comunes que definen la casa mediterranea.En aplicacion de esta teoria, mostraremos los dos modelos habitacionales que se repiten (las viviendas que se desarrollan en un volumen unico y las que se distribuyen en torno a un patio interior) y donde podemos encontrar la casa mediterranea.

Ser creativo no solo expresa un deseo en las sociedades contemporáneas, sino que se ha convertido en un imperativo y en un modelo cultural universal. ¿Cómo la idea minoritaria y elitista de la creacion estetica del artista, asociada a la realizacion de un potencial natural e innato, ha llegado a forjar un modelo social de la creatividad universalmente vinculante? Andreas Reckwitz analiza criticamente como este imperativo se ha desarrollado desde los años setenta del siglo pasado hasta la actualidad, extendiendose a los mas diversos ambitos de una manera tan contradictoria y conflictiva como eficaz, en un marcado proceso de estetizacion social: en el arte de vanguardia y el posmodernismo, en la psicologia de la creatividad y del crecimiento personal, en la economia de la innovacion y las industrias creativas, en los medios de comunicacion y el star system creativo o en el urbanismo de las ciudades creativas. Indaga asi en como la transformacion de los viejos ideales emancipadores de la creatividad ha traido consigo nuevos tipos de coerciones basados en la innovacion estetica permanente, en un ciclo interminable y nunca satisfactorio de actos creativos.Andreas Reckwitz es profesor de Sociologia en la Universidad Humboldt de Berlin. En su obra ha analizado la genealogia de la creatividad como imaginario social tardomoderno y la singularidad como rasgo distintivo de la epoca actual. Die Gesellschaft der Singularitaten [La sociedad de las singularidades] fue galardonado con el Premio Bavaro del Libro (2017). En 2019, obtuvo el Premio Leibniz de la Sociedad Alemana de Investigacion (DFG). Colaborador frecuente de Die Zeit y Der Spiegel, las obras de Reckwitz han sido traducidas a mas de quince idiomas. Entre sus ultimos ensayos publicados en español, se encuentran El fin de las ilusiones (2022) y Tardomodernidad en crisis. Por un horizonte social alternativo (2022), junto a Hartmut Rosa.

Un ameno y sugerente recorrido por los secretos del arte dentro del arte. «La mirada de Óscar Martínez siempre nos sugiere nuevas perspectivas para observar las obras de arte. Las inusuales relacione

Bienvenidos a la Edad de Oro de Hollywood, una celebración de las películas y las personas involucradas en esas películas, desde la década de 1920 hasta la década de 1960.Nuestra intención es publicar esta revista electronica trimestralmente: invierno, primavera, verano, otoño, etcetera. Nuestra superestrella de invierno de 2022 es Gene Tierney. En nuestro articulo sobre Gene puedes leer sobre sus peliculas, su vida personal y sus luchas con su salud mental. El coraje, la fortaleza y la franqueza de Gene al hablar de sus problemas de salud mental son dignos de admiracion, y esperamos que nuestra funcion le haga justicia a la actriz y a la persona.En este numero tambien encontraran reportajes sobre las principales actrices y actores, las peliculas mas taquilleras, peliculas clasicas, carteles de peliculas y mucho mas.¡Esperamos que disfruten del contenido.

Este libro reúne escritos sobre la voz, la escritura y el decir en los que Ixiar Rozas ha trabajado desde hace años. Durante este tiempo la autora se ha acompañado de una investigación trans —arte, f

El presente libro está orientado a ampliar el estudio del arte mexicano de los siglos XX y XXI desde perspectivas interdisciplinarias, que en el marco de los estudios recientes sobre memoria cultural, teoria de genero, y psicoanalisis contribuyan a profundizar en el conocimiento y en la difusion de procesos creativos relacionados con la memoria, el olvido y los encuentros con las huellas de traumas de caracter colectivo, especialmente en su potencial para la transformacion social

Este libro ofrece claves para esclarecer el papel que desempeñaron las artistas en España, Italia, Francia o Reino Unido, entre 1804 y 1939. Promovido por el proyecto I+D+iMujeres artistas en España, 1804-1939,el libro plantea una reflexion sobre la participacion y consideracion de las artistas en la escena cultural, asi como sobre los lenguajes plasticos que desarrollaron. Se trata de un libro que contribuye a la construccion de un nuevo relato historiografico, que valora, de forma justa, las aportaciones de las creadoras a la Historia del Arte.

El arte participa de nuestra manera de ver, sentir, percibir y pensar. Las personas nos conmovemos, hallamos consuelo o sublimamos nuestras emociones más intensas ante las grandes obras maestras, que desempeñan un papel vital en el entramado de convicciones, certezas y saberes practicos que intervienen en nuestra vision del mundo.Los ensayos reunidos en este volumen ponen el acento en el modo en que el arte actua en nuestras vidas, individual y colectivamente, configurando nuestro mundo simbolico y proporcionandonos, al mismo tiempo, las claves para interpretarlo y transformarlo. Asi, Ricardo Ibarlucia aborda aqui temas diversos: desde la funcion cultural y social de las llamadas "obras maestras", hasta la secularizacion de la belleza en una tela de Rafael Sanzio, la erotizacion de la maquina en Marcel Duchamp y las vanguardias de principios del siglo XX, la poesia de Paul Celan y la musica de los campos de concentracion, y las resonancias biograficas y filosoficas de una frase del historiados Jules Michelet, conocida a traves de una cita de Walter Benjamin.Ibarlucia sostiene que, aun cuando no tengamos conocimiento de ellas, las obras maestras urden secretamente la trama de nuestra vida psiquica mucho mas de lo que creemos, puesto que participan no solo en la elaboracion de los criterios con los que valoramos el arte, sino tambien, y en no menor medida, en la construccion de nuestra identidad individual y colectiva. De este modo, apunta: "Este libro aspira a dar testimonio de una esperanza irrenunciable en la creatividad humana".

El rito y la historia. La configuración de la memoria en el mundo andino reúne una serie de trabajos de Antoinette Molinié, que en su conjunto ofrecen un panorama amplio y articulado de cómo los andinos recuerdan su pasado y forjan su memoria historica y cultural, y por ende su misma identidad, a traves de celebraciones y fiestas. Mediante un refinado analisis antropologico de rituales clave del Estado inca y de un acervo de precisos y novedosos datos etnograficos recogidos durante años de trabajo de campo en la region del Cuzco y el altiplano boliviano, la autora evidencia cuan cargados de historicidad pueden estar determinados ritos andinos del pasado y del presente, asi como las conexiones profundas entre los unos y los otros. Ademas, siguiendo los pasos de grandes antropologos del pasado como Jose Maria Arguedas y Julian Pitt-Rivers, Molinie coteja sus observaciones sobre rituales en los Andes con la informacion levantada en sus investigaciones etnograficas en España. Lo que le permite establecer fecundas comparaciones entre la tradicion iberica y la andina. Asimismo, los ritos de historicidad descritos y analizados en este libro no quedan circunscritos a las sociedades indigenas tradicionales y al aporte colonial del campo hispanico, sino que llegan a abarcar tambien fenomenos contemporaneos urbanos como el neoincaismo y el neoindianismo. Es asi como El rito y la historia termina siendo un fascinante estudio completo, a la vez estructural y diacronico, de la configuracion de la memoria en el mundo andino en sus diferentes y dinamicas manifestaciones en el tiempo y el espacio

El giro educativo en las artes es un tema clave para concebir los programas expositivos de los museos y centros de arte. Esta cuestión, que resulta evidente para la mayoría de los profesionales de la educacion en museos es, sin embargo, mucho mas compleja desde posiciones curatoriales y de gestion institucional. Si bien enunciar el valor pedagogico de las practicas artisticas genera gran consenso entre todos los agentes del arte, su aterrizaje discursivo y su concrecion a nivel formal, organizativo y de procedimientos conlleva muchas diferencias y matices. Bajo la premisa de esta heterogeneidad y su riqueza, este volumen recoge una serie de textos que analizan el llamado comisariado pedagogico, una aproximacion a la practica curatorial que se formula desde el potencial educativo de la exposicion y que pretende activar el dialogo con los publicos en distintos momentos del proceso expositivo siendo este un itinerario que no comienza ni termina necesariamente en la exposicion. Esta propuesta trata de evaluar de manera colectiva la pertinencia de este enfoque a partir de las experiencias, conocimientos y posiciones de distintos artistas, profesionales del comisariado y la educacion en museos y abordar la educacion/mediacion desde una perspectiva holistica, intentando entender la curaduria y la educacion como actividades complementarias.

"¿Qué puede decirnos la fotografía contemporánea chilena de nuestrarelación con el paisaje? Y ¿qué hacemos ahora con las imágenes quehan contado históricamente esa relación?Rosario Montero propuso estas y otras preguntas a un grupo depersonas dedicadas a la investigacion y la creacion del campo de lafotografia chilena, reuniendo asi respuestas que, a partir deexperiencias subjetivas y como en una conversacion, trajeron casos yreflexiones diversas, nuevas preguntas y algunas certezas. Entre estas,se reconoce el uso de fotografias de naturaleza como soportes a losque se fijan sentidos de nacion e identidad que luego determinannuestra relacion con los territorios. Se reconoce tambien el poder deapropiacion que tiene la imagen fotografica que, imbricado a valoresneocoloniales y patriarcales, ha determinado los modos con que seconstruyeron los paisajes fotograficos de Chile.Una linea marca el horizonte es un libro de teoria sobre la fotografiaescrito desde una mirada situada, consciente de su alcance y abierta aldialogo. Es tambien un ensayo fotografico y un repaso por lecturasfundamentales del pensamiento decolonial en relacion al arte yla naturaleza."

Publicado originalmente en 1980, Historia, ¿para qué? se ha convertido en un clásico sobre el quehacer de la historia pensado desde México con alcance universal. Los acercamientos que ofrecieron no solo historiadores, sino tambien filosofos, politologos e intelectuales de diversa indole y variados registros enriquecieron con su mirada aguda la comprension del lector acerca de los fundamentos de esta disciplina y plantearon la necesidad de repensar criticamente el discurso historiografico hasta entonces poco cuestionado.Con un tono que combina desafio y goce intelectuales, los autores horadan el monolito de la historia oficial a partir del analisis de la relacion entre discurso y poder politico y academico. Por ejemplo, destacan los planteamientos de Guillermo Bonfil Batalla sobre la inexistencia de las historias de los pueblos indios de Mexico, hasta entonces borradas por la historia oficial; la invitacion de Carlos Monsivais para, desde la historia, fortalecer y ampliar la conciencia colectiva y asi resistir a fenomenos como la corrupcion; el recordatorio de Jose Joaquin Blancoque defiende que en el acto de historiar hay algo de material rebelde; y la reflexion de Hector Aguilar Camin que nos confirma que "la sabiduria historica se impone a las colectividades como saber util y necesario en epocas de sacudimiento y malosagueros, de incertidumbre o cambios de destino". Las propuestas de todos los textos aqui presentados no han perdido vigencia yson un referente para nuevas generaciones de historiadores.

Tres festivales escénicos en Lima. De 1998 a 2022 presenta una investigación de Carina Moreno Baca sobre los procesos integrales de gestión de tres propuestas de artes escénicas construidas desde el particular formato del Festival. Para reseñar cada una de dichas experiencias la autora nos remite a la voz de sus principales gestoras y gestores, permitiendonos conocer los conceptos, objetivos, motivaciones e incluso preocupaciones detras de su labor.Asi, el libro nos permite descubrir diferentes miradas de lo que se puede entender por festival, la profesionalizacion artistica, los publicos, el espacio publico, la gestion cultural, las politicas culturales y el rol del Estado, entre otros temas. Ademas el libro funciona como un completo archivo de esos procesos, permitiendo conocer la programacion de aquellos eventos, los artistas nacionales y extranjeros que participaron, algunas de sus principales propuestas, sus afiches, y otros detalles. Estos aspectos, unidos al relato de las y los gestores, dan cuenta de las propuestas curatoriales detras de los festivales, y permiten analizar la relacion entre los objetivos y conceptos que sentaron las bases de dichas plataformas y sus programaciones. Es decir, como las ideas tomaron forma precisa en los espectaculos que se ofrecieron y como se presentaron ante el publico.

Este libro nace de una empatía con el discurso de mi amiga y en coherencia con mi percepción de la búsqueda del sentido en lo cotidiano.Hace un tiempo me encontré con sus textos, que me inspiraron a desarrollar una nueva manera de expresarme. La conexion que se creo entre nosotras a traves de sus palabras devino en este resultando, un libro creado con un nivel de empatia y percepcion tan subjetiva como global.Despojandome de la idea de tiempo que percibe la mente lineal asumo que el ser es atemporal y puede manifestarse fisicamente solo si existe un contexto para ello. De esta manera en mis obras pongo de manifiesto la expansion de las diversas esencias del Ser en el espacio. Es asi, como nace este nuevo formato de obra.

Examinar las creaciones artísticas en cuanto trabajo, así como la vida intelectual desde la perspectiva de sus transformaciones recientes, es el tema de conversación que proponen los ensayos de este libro. Ya sea mediante el analisis de obras o a traves del aporte a los grandes debates teoricos, se consideran temas tan variados como los oficios de la creacion, las figuraciones autorales, el impacto de las redes sociales o la economia de la atencion. Considerando la genesis e historia del trabajo inmaterial o el presente de la universidad y la precarizacion del ejercicio investigativo, se discuten asuntos que atañen al mundo editorial, a la produccion independiente, al mercado del arte y al pendulo que va de la explotacion a la auto explotacion. Se trata de una obra que, en su proposito unitario, logra sumar aportes de diferentes tradiciones e ilumina una problematica que interesa a todos aquellos que se ocupan del acto de crear como profesion fundamental de la cultura.

Vehemencia y respeto con sobradas razones. José Delarra, artista que, desde hace mucho, llegó para incluirse en la extensa galería de los grandes escultores cubanos —Agustín Cárdenas, José Sicre, Rit

El libro que el lector sostiene en sus manos aborda cómo las deidades prehispánicas fueron transformadas en demonios, proceso analizado desde la pintura mural conventual. A diferencia de otros estudios, el problema de la demonizacion de los dioses prehispanicos esta centrado en las imagenes pintadas en varios conventos de la Nueva España. Durante la evangelizacion, el Diablo fue una figura clave en la conversion de los indigenas, para inculcar el amor a Dios los frailes utilizaron el miedo al castigo diabolico en el infierno. En la pintura mural de los conventos abundan las imagenes de demonios, pero en algunos casos las figuras de los diablos incorporan elementos propios de la iconografia prehispanica: los evangelizadores decidieron que todos los dioses de los nativos eran demonios y los indigenas habian vivido engañados, de no aceptar la nueva religion sus almas arderian en el infierno, atormentadas por aquellos que habian tenido como divinidades, de alli la necesitad de presentar a los demonios con algunas de las caracteristicas de los dioses indigenas. El tema del Diablo en la pintura mural no solo tuvo importancia en territorio novohispano, en el sur del continente tambien fueron utilizados; por esta razon el ultimo capitulo esta dedicado a una somera comparativa de algunos de estas imagenes con las elaboradas en la Nueva España. Este trabajo esta dirigido al sector academico, pero tambien al publico en general interesado en el arte virreinal de los indigenas bajo dominio español.

Este libro tiene como finalidad dejar un registro de obra y de los textos que surgieron con motivo de la intervención in situ que hice a la Celda de Sor Juana en abril de 2017. La intervención, curada por la Dra. Ma. Cristina Rios Espinosa, estuvo inscrita en el coloquio franco-mexicano El poder de los sueños (2017). Este reunio a importantes especialistas en Sor Juana Ines de la Cruz con el objetivo de aproximarse desde diferentes miradas al gran poema Primero sueño. Despues de la clausura de este acto academico, la rectora de la Universidad del Claustro de Sor Juana, la Mtra. Carmen Lopez-Portillo Romano, inauguro la exposicion De somno et insomniis integrada por una video-instalacion, pintura, grabado y arte objeto. Con motivo de dicha intervencion a la Celda de Sor Juana, se organizaron dos mesas de dialogo en las que participaron destacados sorjuanistas y teoricos del arte que nos dejaron un valioso material para esta publicacion. En esta obra se compilan dos ensayos academicos sobre Primero sueño y la obra poetica de Sor Juana realizados por dos expertos sorjuanistas: la Mtra. Roxana Elvridge y el Mtro. Daniel Santillana y un texto en coautoria de los hermanos Fernando y Gustavo Hugo Chico Ponce de Leon; y por otro lado, cuatro de los textos versan sobre la obra visual de mi autoria; en esta categoria se encuentran los escritos de la Dra. Ma. Cristina Rios Espinosa, curadora de la obra, el Dr. Napoleon Camacho, la Mtra. Barbara Tyner y uno redactado por mi y prologado por el Dr. Arnulfo Herrera del Instituto de Investigaciones Esteticas de la unam. Esperamos que esta publicacion abone en algo a la lectura del gran poema.

Ezequiel Gabrielli, pintor y arquitecto, gravita con rigor entre la ciencia y el arte para investigar y analizar la arquitectura en distintos contextos, como el amazónico o el francés, desde el trabajo del urbanista Claude-Nicolas Ledoux. Esta obra se divide en cuatro partes. En la primera hay una aproximacion al entendimiento del pensamiento del maestro mediante su hoja de vida, documento que en si mismo es una obra de arte y describe a grandes rasgos su rica experiencia y su valioso aporte a la arquitectura y las artes. La segunda parte se denomina "Asentamiento cultural amazonico, rios Guaviare, Atabapo y Bajo Inirida", region selvatica en la que Gabrielli convive para investigar los modos de habitar de las comunidades alli establecidas. En la tercera parte se publica la coleccion denominada "Las barrieres de Ledoux de la mano de Gabrielli", creada inicialmente en formato A0, A1 y A2 y, por consiguiente, de dificil difusion masiva, debido a su extension y a los cuidados que se deben dar para proteger esta obra. Por primera vez se edita en un libro, como un aporte riguroso al estudio de la obra de Ledoux. En la ultima parte, denominada "Gabrielli", se presentan una serie de imagenes que sirven para entender en mayor profundidad al ser humano, al arquitecto y al artista que es el maestro Ezequiel Gabrielli.

Del autor de Emocionarte, con más de 100.000 lectoresCarlos del Amor va un paso más allá en el viaje a través de los cuadros que emprendió con Emocionarte. Esta vez se centra en el retrato, un género que le permite recrear las vidas de los retratados y de los artistas, y como estos ultimos tambien se retratan en su forma de pintar. La eleccion de sus modelos o los retratos de encargo, la fidelidad realista al retratado o la percepcion de este por parte del artista, el autorretrato que tantos practican, quienes eran los modelos y que vidas llevaban, las dificultades de acogida de la obra por parte de quien la encarga o por el publico, forman parte de la historia intima de estas obras que iremos descubriendo en el libro.Con su caracteristico estilo literario, Carlos del Amor nos muestra un mundo detras de cada cuadro y, de nuevo, nos revela que han sido muchas las mujeres artistas, y muy poco conocidas hasta ahora.