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"Círculos Armónicos Interválicos: Diatónicos, Modales y Artificiales" es un libro que explora de manera profunda y accesible el fascinante mundo de la música y su estructura armónica. A través de un enfoque integral, el autor nos sumerge en el universo de los circulos armonicos, revelando los secretos de su construccion y aplicacion en distintos contextos musicales.El libro comienza desvelando los fundamentos basicos de la teoria musical, brindando al lector una base solida en intervalos, tonalidades y escalas. A medida que avanzamos en la lectura, nos adentramos en los circulos armonicos diatonicos, explorando como se forman y como se utilizan para crear progresiones armonicas efectivas y cautivadoras.A medida que nos sumergimos en los circulos armonicos modales, descubrimos como estas estructuras se aplican en diferentes sistemas musicales y generos, revelando su influencia en la composicion de piezas de jazz, musica modal y folklorica. El autor nos muestra como los circulos armonicos modales pueden abrir nuevas posibilidades creativas y expandir nuestros horizontes musicales.Pero el viaje no se detiene ahi. En la ultima seccion del libro, se explora el intrigante mundo de los circulos armonicos artificiales, que van mas alla de los confines de las escalas tradicionales. El autor muestra como estos circulos armonicos alternativos desafian las expectativas convencionales y permiten una experimentacion y expresion musical mas audaz y vanguardista."Circulos Armonicos Intervalicos: Diatonicos, Modales y Artificiales" es una guia esencial para cualquier persona interesada en profundizar en el lenguaje armonico de la musica. Desde principiantes hasta musicos experimentados, este libro desafiara y enriquecera su comprension de la teoria musical y su aplicacion practica, abriendo nuevas puertas a la creatividad y la expresion artistica.

El título de esta obra -Requiem Litúrgico- indica que la parte cantada ha sido concebida tomando en cuenta las prescripciones del Motu Propio de S. S. Pio X, en el cual prohíbe, en la música destinada al templo, desarrollos tales que se necesiten para realizarlos numerosas repeticiones de ciertas palabras o frases, desarrollos que, por otra parte, impedirian el desenvolvimiento del oficio liturgico segun su propio ritmo. La orquesta introduce los elementos musicales con los cuales se ha construido la obra y comenta el sentir del ser humano en presencia de la muerte. Eso, sin llegar nunca a un sentido pagano de la muerte, cuya expresion seria dramatica hasta el paroxismo, sino en una forma cristiana de la interpretacion de la muerte, en la cual el drama se encuentra mitigado por la esperanza en la vida eterna. Escrito en memoria del maestro Antonio M. Valencia, el Requiem Liturgico fue estrenado el 15 de julio de 1955 en el Teatro Municipal de Cali con motivo del homenaje publico rendido al ilustre musico en el tercer aniversario de su muerte.

Curramba es una pequeña suite de danzas sin interrupciones, cuyos motivos principales están tomados de patrones rítmicos procedentes de algunos golpes tradicionales de la música del Caribe. Se trata de la recreacion de esquemas que hacen partes de los "toques" de tambora de los grupos "baile cantao" y de gaiteros, asi como de pequeñas celulas melodicas de cantos ancestrales, cuyos caracteristicos acentos desplazados evidencian su ascendente africano. La pieza esta estructurada a partir de una secuencia ritmica que expone el timbal. Sobre este diseño se citan algunos giros tipicos del canto caribe y de las bandas de la sabana cordobesa

La pieza, articulada en dos movimientos, está escrita como homenaje a la figura del compositor argentino Alberto Ginastera. Por este motivo, su lenguaje está basado en procedimientos técnicos empleados por el celebre creador, tanto en la parte melodico-armonica como en la ritmica. Se trata de un diptico cuya primera parte es una especie de introduccion lenta que anuncia algunos de los elementos que seran desarrollados en la segunda seccion de tempo allegro. Este ultimo movimiento se caracteriza por su constante heterorritmia y el caracter concertante del grupo de solistas y la orquesta. El rol de las placas y la multipercusion , altamente protagonico, exige gran solvencia tecnica de los interpretes y mucha precision ritmica en el ensamble con la orquesta. En el aspecto melodico, esta obra esta construida utilizando una escala heptafona propuesta por el autor.

Marlene Dietrich, Billie Holliday, Freddie Mercury, Little Richard... David Bowie me hizo gay nos habla de la influencia de los artistas LGTB en el nacimiento del jazz y el blues; examina el casi olvidado Pansy Craze del periodo de entreguerras, donde las salvajes fiestas drag de los años 30 iniciaron la vida nocturna gay; la expansiva era Weimar, el ambiente bohemio de las grandes ciudades como Paris, Berlin, Londres y Nueva York antes de que la violencia de las mafias, el nazismo y la homofobia de Hollywood devolvieran a los musicos queer a la clandestinidad. Sin olvidar el rock and roll, el swing de los sesenta, la explosion de musica posterior a Stonewall, el movimiento punk, el glam de los ochenta, la muerte de Bowie, y todo lo que paso en el medio. Un recorrido por la musica que ha permitido a generaciones de personas sentirse mas libres y expresarse sin miedo.

"Quiero destacar el contenido del primer libro de Emilio, dedicado a su primer y más grande amor en la vida: la música. Curiosamente hay una canción que define esta pasión de mi hijo de principio a fin: Music, de John Miles, producida por Alan Parsons y que recomiendo a todos los lectores", del prologo de Jaime Sanchez Cristo, padre del autor La pasion por la musica, llevo a Emilio Sanchez Salamanca a entrevistar a sus grandes idolos, a verlos en vivo, a estar en los principales escenarios del mundo -privilegios como ver a Michael Jackson en el Madison Square Garden de Nueva York para luego escribir sobre esta experiencia- y a vivir de cerca con nombres que realmente han hecho historia: de Lenny Kravitz a Stevie Wonder; de Sting a Earth, Wind & Fire, de Sergio Mendes a Chick Corea, entre tantas otras personalidades que hoy hacen parte de este libro exquisito para melomanos, para degustar mientras se oyen las canciones de protagonistas de las historias aca narradas y asi apreciar cada vez mas esa pasion que nos mantiene vivos: la musica.

El libro Contrapunto modal: Otra perspectiva trata de la ciencia fundamental para la formación musical de los estudiantes de composición, musicología e interpretación musical. En la enseñanza tanto en el conservatorio como en la universidad se mantiene, desde hace 350 años, los preceptos del sistema por especies creado por J. J. Fux. El libro procura una vision diferente metodologicamente; expone un abordaje del lenguaje polifonico del siglo XVI y comienzos del XVII que evite los ejercicios "secos", "construidos formalmente: reemplazandolos por las composiciones basadas en la logica y sonoridad natural del repertorio renacentista, vocal e instrumental, estableciendo la importancia de percibir el contrapunto modal de modo disimil. El enfoque del texto se centra en la textura y formato instrumental, el abordaje estilistico a partir de la investigacion de sus fuentes y el uso en contextos practicos especificos a traves de la escritura e improvisacion de las diferentes formas-estilos en clase y para concierto; se espera con ello contribuir, estimular y enriquecer los ejercicios y composiciones en contrapunto modal.

"Viaje al Fondo de la Voz" es un recorrido por el sentido y la significación de la voz humana. Está basado en largos años de investigación multidisciplinaria; tanto en la formación internacional de diversas artes, como en la etnocultura y el chamanismo americano; bases que dieron forma a la creacion del primer Etnodrama Americano Kwaltaya. A traves de un lente que combina la ciencia y la espiritualidad, el texto ofrece una reflexion sobre el poder de la voz como un reflejo del espiritu humano. El viaje va despertando la conciencia sonora; que nos habla de sus origenes y de una comunicacion esencial que aun vive en nosotros.

Este libro es resultado del proyecto de investigación Música, nación y región: El caso de Agustín Payán Arboleda en el Valle del Cauca (código CI-9065), realizado por Fabio Salazar Orozco, Jaime Andres Ruiz Garcia y Paula Andrea Zabala Garcia, profesores de la Licenciatura en Musica de la Universidad del Valle sede Buga, quienes conforman el grupo de investigacion Pracsomus.El proyecto de investigacion tuvo como eje central analizar las construcciones de identidad nacional que encierran los diferentes factores del quehacer musical, academico y personal del compositor vallecaucano Agustin Payan Arboleda (1890-1969), que influyeron en los aspectos esteticos, formativos, interpretativos y culturales de la region. Se estudio la vida y obra del maestro, su entorno sociocultural y su estetica compositiva dentro de los contextos de la musica nacionalista de su epoca.Se presentan ocho de sus obras adaptadas para el formato musical de trio andino colombiano, con lo que se pretende contribuir a expandir el repertorio de la musica andina de la primera mitad del siglo XX. Este documento puede ser de interes para docentes, musicos, estudiantes y melomanos, quienes pueden encontrar en la obra de Payan Arboleda una variedad en los aires que estan presentes en sus composiciones.

Mediante una grata lectura la autora presenta en este libro las diez cumbias más significativas de los Vikings 5 y realiza un ameno trabajo de carácter etnomusicológico que contempla un análisis que explica los aspectos ritmicos, melodicos, armonicos, timbricos, interpretativos, de orquestacion y estructurales que contribuyen a entender la particularidad de la cumbia de este conjunto musical.El libro finaliza con las transcripciones, en formato de partitura, de las diez cumbias analizadas, con el objetivo de que puedan ser revisadas no solo por investigadores o interesados en conocer las caracteristicas de la cumbia de los Vikings 5, sino que tambien para ser interpretadas por musicos nacionales e internacionales.

Descubre los Fundamentos Esenciales de la Composición Musical con Arnold SchoenbergSumérgete en el mundo de la composición musical con la guía magistral presentada por Arnold Schoenberg y Violeta Hemsy de Gainza en "Modelos para estudiantes de composicion". Publicado en 2019, este libro es una obra fundamental que combina la genialidad pedagogica de Schoenberg con la experiencia academica de Gainza para ofrecerte una comprension profunda y practica de la composicion musical.Desde la coordinacion de melodia y armonia hasta la exploracion de motivos y celulas motivitas, cada capitulo de este libro esta diseñado para profundizar en los principios esenciales de la composicion. A traves de ejemplos musicales cuidadosamente seleccionados, Schoenberg y Gainza te guian paso a paso a traves de conceptos como frases, periodos, secciones contrastantes, reexposicion y mas. Cada tema se aborda de manera clara y accesible, facilitando tu aprendizaje y desarrollo como compositor."Modelos para estudiantes de composicion" esta diseñado tanto para estudiantes de musica que desean profundizar en la teoria de la composicion como para compositores en desarrollo que buscan expandir y perfeccionar sus habilidades. Independientemente de tu nivel de experiencia, este libro te proporcionara las herramientas y la inspiracion necesarias para explorar y expresarte a traves de la musica de manera mas creativa y sofisticada.Al adquirir "Modelos para estudiantes de composicion", te beneficiaras del legado de uno de los compositores mas influyentes del siglo XX. Preparate para elevar tu composicion musical a nuevos niveles de excelencia y expresion artistica. Haz clic aqui para obtener tu copia y dar el siguiente paso en tu viaje musical hacia la maestria.En la dinamica y comunicacion del genial compositor y pedagogo Arnold Schoemberg.Contenidos: Coordinacion de melodia y armonia - motivo y celulas motivitas en incisos de dos compases- Frases - Periodos Secciones centrales contrastantes - Reexposicion - Minue - Scherzo Incisos Semifrases antecedentes y secciones de formas ternarias. Ejemplos musicales, guia y glosario.

Explora las Nuevas Fronteras de la Notación Musical con "La Notación de la Música Contemporánea" de Ana María Locatelli de Pérgamo.¿Te apasiona la música contemporánea y deseas comprender las innovadoras formas de notacion que han surgido a lo largo del siglo XX? "La Notacion de la Musica Contemporanea" de Ana Maria Locatelli de Pergamo es una obra esencial que te proporcionara una comprension profunda y detallada de las nuevas grafias y los signos exclusivos que han redefinido la escritura musical en la era moderna."La Notacion de la Musica Contemporanea" de Ana Maria Locatelli de Pergamo es una obra imprescindible para cualquier persona interesada en la musica contemporanea. Ya seas un compositor, interprete, estudiante o simplemente un aficionado a la musica, este libro te proporcionara una comprension profunda y practica de las nuevas formas de notacion que han redefinido el paisaje musical del siglo XX. Adquiere tu copia hoy y embarcate en un viaje fascinante a traves de las innovaciones y tecnicas que han transformado la escritura musical contemporanea.

El libro de Omar Camino reposa en las centenarias estrategias de escritura del verso clásico español y la improvisación oral en verso, en los más recientes hallazgos sobre técnicas de composición y en la experiencia del autor como creador de canciones e improvisador de versos en constante actividad. El presente texto contiene conceptos, tecnicas y analisis, ademas de ejercicios con ejemplos y detalles de procesos creativos acerca del arte de escribir canciones. Todo su contenido ha sido validado desde hace mas de una decada en cursos y talleres de composicion musical.Tecnicas para escribir canciones es una obra vital para fortalecer la composicion desde el ambito de la lirica y, a la vez, un manual que incluye actividades y analisis de canciones emblematicas de habla hispana.Dejate llevar por la expresion musical de grandes representantes como Natalia Lafourcade, Joaquin Sabina, Andres Calamaro, entre otros.

De la movida sonidera mexicana a la cumbia villera argentina, de la psicodélica chicha peruana al sonido ancestral colombiano, la cumbia es un bien cultural que une e identifica a Latinoamérica.Este libro, producto del trabajo colaborativo con la Red de Periodistas Musicales de Iberoamerica, propone un repaso por las historias de musicos y bandas iconicas, desde los inicios de este genero musical hasta las vanguardias mas recientes.Cumbia somos recupera las peculiaridades geograficas y sociales que inciden en cada una de las aproximaciones y apropiaciones de ese lenguaje tropical expansivo y honra la multiplicidad de sonidos emanados del genero: de artistas, como Toto La Mamposina, Los Angeles Azules, Los Mirlos, Los Palmeras, Celso Piña, Yeison Landero, Gilda o Polibio Mayorga, de sellos emblematicos, como Discos Fuentes, Codiscos y de colectivos, como Zizek, Los Pirañas y Sonido Gallo Negro.La cumbia es una banda sonora transgeneracional y multicultural, un patrimonio musical y bailable de la humanidad. ¡Que viva la cumbia y se baile por siempre!

El Maestro Antonio Rodríguez Delgado es uno de los maestros de la guitarra clásica con una trascendente y reconocida obra pedagógica en las ultimas décadas, y es exponente genuino de las mejores tradiciones de la Escuela Cubana de Guitarra Clasica. Su consagrada labor profesoral la ha alternado tambien como escritor, conferencista, arreglista, compositor, e instrumentista de musica culta y popular. Su alta tecnica y depurado sistema de enseñanza ha formado a celebres instrumentistas contemporaneos, entre los que se encuentran Joaquin Clerch, Marco Tamayo, y Ali Jorge Marcano entre otros. Su nombre aparece en la enciclopedia de la musica cubana del investigador Radames Giro y la Enciclopedia de la Musica Iberoamericana editada por la Universidad Complutense y la Sgae. El libro que sometemos a vuestra consideracion es resultado de mas de 50 años de experiencia y decenas de primeros premios internacionales en los concursos mas exigentes del mundo. Otras obras del maestro son la Biblia del Musico, La huella indeleble del sonido, Elias Barreiro el Hombre Detras de la Guitarra y Los Rostros de la Mediocridad y Otras Tribulaciones.

Multifacético y revolucionario, Erik Satie irrumpió en la música a principios del siglo XX con una sutileza inesperada. Creó piezas para piano, música de mobiliario, para películas mudas y cabarets; solo una arista de su amplia reflexion como compositor. Ademas, escribio sobre la critica y los criticos, de sus contemporaneos y de la musica. Estas reflexiones, cargadas con un ironico sentido del humor y su personalidad libre de toda regla, fueron publicadas en revistas de la epoca como fragmentos que parecieron nunca completar una obra en su totalidad.Ordenados tematicamente, en este libro se reunen textos provenientes de columnas que Satie titulo Memorias de un amnesico, Cuadernos de un mamifero, Observaciones de un imbecil (yo) y Cronica musical, entre otros escritos diversos.

Prólogo de Alberto BlancoCoda de José Agustín RamírezLa nueva música clásica es una exploración personal y profunda sobre el rock: la revolución musical que comenzó en los añoscincuenta con el rockn roll, le dio la vuelta al mundo en los sesenta montada en los hombros de los Beatles y transformo para siempre la musica popular con las experimentaciones del movimiento hippie, mas los que le siguieron.Esta critica-cronica, hoy tan clasica como la musica sobre la que reflexiona, fue escrita por Jose Agustin en dos versiones, ambas con el mismo titulo y el mismo objetivo examinar a detalle la esencia de la musica, pero separadas por el tiempo: la primera en 1968, en el auge de la decada dorada del rock, y la segunda en 1985, cuando su permanencia en el gusto universal estaba mas que asegurada.Con esta edicion integral, revisada y complementada, celebramos la musica como vehiculo de expresion artistica y a Jose Agustin como un autor visionario.

Acaricio la idea de contar con los orígenes y la confirmación del rock, y no se me ocurre nada mejor que dividirlo en etapas y hacer una síntesis progresiva de cada una de ellas. Desde luego, se trata de un intento teorico y una periodizacion muy personal que no siempre coincide con el criterio de los musicologos, sino con mi memoria, mi sensibilidad y mi nivel de informacion. En esta linea puede llegar a ser un criterio documentado, aunque no agote las posibilidades de enfoque. Mi proposito es historiar uno de los generos de la musica popular contemporanea como proceso de la cultura, en el que participan los interpretes, los compositores, los instrumentos, la tecnologia, los medios de difusion y las tendencias artisticas, asi como las circunstancias historicas, las necesidades y carencias de los grupos sociales, el grado de desarrollo de la industria cultural, sus metodos y procedimientos, y las coyunturas politicas , etnicas e ideologicas que intervinieron de un modo decisivo en el fenomeno mientras el rock estuvo en peligro de desaparecer como revolucion o como arte.

El fenómeno de la música salsa en Cali ha sido objeto de controversias, hitos y mitos, que paradójicamente han venido enriqueciendo esta importante tendencia musical que llegó a la ciudad en los barcos, y se quedo para siempre. Justamente, Cali: Salsa Forever despeja esta discusion en el barrio.Partiendo de la pregunta: ¿Por que nuestra ciudad adopto la musica del Caribe que se desarrollo con mayor ahinco en Nueva York?, Rafael Quintero hace un viaje por la musica del Caribe en Cali, desde los años cuarenta hasta los años setenta, y revela aquella tesis que alguna vez dijera el escritor cubano Alejo Carpentier en el sentido de que un pais no se define por sus fronteras geopoliticas sino por sus regiones geoculturales.El libro de Quintero es una deliciosa cronica, facil de leer, que se sustenta en referencias historicas y de sus protagonistas. Es un ajuste de cuentas con aquellos que creen que la salsa llego a Cali y se quedo para siempre.Cali: Salsa Forever es un libro necesario que hacia falta para ponerle punto final a tanta hipocresia y tanta vanidad, como diria Eddie Palmieri. Nos da luces de navegacion para comprender mejor la cultura caleña que hace parte de aquella diaspora musical que se origino en un bohio cubano, viajo hasta Nueva York y retorno a nuestras raices para quedarse para siempre. Cali: Salsa Forever es un homenaje a Cali, a nuestros padres y a nuestros hijos.

Cuando Beethoven nació, Goya tenía veinticuatro años. Ambos murieron con apenas un año de diferencia. En el momento de su muerte los dos habían coronado la cima de la creación artística. Pero, más alla de su talento, entre ellos existe una fuerza invisible que los vincula.Vivieron unos años decisivos en el curso de la historia europea. Nunca se cruzaron, ni siquiera parece que supieran el uno de la existencia del otro, sin embargo, cuando se analizan sus vidas y obras se encuentran coincidencias asombrosas.En estas paginas se presenta el resultado de una concienzuda investigacion en la que se han analizado los fascinantes paralelismos entre los dos artistas, incluso mas alla de su muerte: las consecuencias en ellos y su entorno de la sordera y la Revolucion francesa, su relacion con la alta sociedad vienesa y española, sus romances prohibidos Pero tambien sirve para desmentir muchos de los rumores que han contaminado su memoria en estos dos siglos de legado.Este libro invita al lector a explorar la historia de dos hombres extraordinarios que, con el tiempo, han trascendido lo humano para convertirse en leyendas.