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Hablar de la prestigiosa marca y su historia es mucho más que referirse a uno de los mayores exponentes de precisión, elegancia y sofisticación en el mundo de la relojería. Desde sus orígenes, Rolex se ha involucrado en los grandes desafios deportivos y de exploracion, ademas de ligarse de manera muy directa al mundo de la cultura, el arte y la arquitectura, demostrando que la corona en su emblema es mas que merecida. Un fantastico recorrido por la historia, la tecnica y los modelos mas representativos de este gran gigante de la relojeria.

El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intencion de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-politicos hegemonicos en las practicas artisticas contemporaneas. El libro analiza como la agenda politica ha invadido el ambito artistico diluyendo su autonomia y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideologicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inutil; su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el titulo juega con la ambiguedad de fin, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexion con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prologo, Juan Soto Ivars afirma que la traicion intelectual,directamente ligada con la honestidad, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellan transita entre la narrativa, la exposicion y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironia y la provocacion, con el unico proposito de reivindicar el pensamiento libre.

En los años cuarenta del siglo XX, la Dirección General de Regiones Devastadas organizó una serie de exposiciones para mostrar los progresos que el régimen franquista estaba haciendo en la reconstruccion del pais tras la guerra civil, mientras que la Direccion General de Bellas Artes se centro en la propaganda mediante la arquitectura, los museos, los monumentos y las exposiciones. Seria a partir de 1951 cuando tuviera lugar una nueva vision politica y cultural en España, ya que la dictadura queria entrar en sintonia con las corrientes internacionales. La renovacion museografica que se llevo a cabo a lo largo de varias decadas del franquismo (de 1940 a 1965), fue un instrumento propagandistico clave que sirvio para cambiar la imagen de España dentro y fue ...

Conozca al artista cuyo majestuoso influjo se difundió por todo el mundo. Hokusai (1760-1849) no es sólo uno de los gigantes del arte japonés y una leyenda del periodo Edo, sino también uno de los fundadores de la modernidad occidental. Su prolifica gama de grabados, ilustraciones y pinturas conforma una de las expresiones mas completas del genero artistico ukiyo-e, y es una de las referencias fundamentales del japonismo. Su influencia alcanzo al impresionismo, el Art Nouveau y el Jugendstil, entre otros, y cautivo a autores de la talla de Claude Monet (que compro 23 de sus grabados), Berthe Morisot, Edgar Degas, Mary Cassatt y Vincent van Gogh. Hokusai fue siempre un hombre activo. A lo largo de su vida cambio de domicilio mas de 90 veces y sustituyo su propio nombre por al menos siete seudonimos profesionales. En su arte mostro la misma inquietud, cubriendo el espectro completo del ukiyo-e japones (la pinturas del mundo flotante), que es un genero pictorico y de grabados realizados mediante xilografia en el que se encuadran desde estampas sueltas con paisajes y actores hasta libros eroticos, albumes de grabados e ilustraciones para antologias poeticas y novelas historicas. Hokusai tambien realizo surimono, estampas de caracter privado que se imprimian en ocasiones especiales. La serie de grabados de Hokusai Treinta y seis vistas del monte Fuji, publicados entre 1830 y 1834, es la obra mas famosa del artista. Muestra el pico del monte elevandose en diferentes estaciones y desde diferentes puntos de vista, y supone la cima del grabado paisajista japones. La serie La gran ola de Kanagawa, tambien conocida simplemente como La gran ola, muestra algunas de las imagenes del arte japones mas conocidas en todo el mundo. Este libro de TASCHEN abarca la carrera completa de Hokusai y presenta las obras clave de su amplio porfolio. A traves de estas piezas y series, tan majestuosas como meticulosas, recorre la variedad de tematica tratada por el artista, desde libros eroticos hasta novelas historicas, asi como la evolucion de su vivido formalismo y su peculiar organizacion del espacio por medio del color y de la linea, que liberaria el arte occidental de las limitaciones de la perspectiva unica y daria rienda suelta al impulso modernista.

LAS FASCINANTES MEMORIAS DEL CREADOR DE LOS SENCILLOS Y «BONITO ES»«Yo no quería ser Miqui Puig es uno de los grandes libros sobre la fama. Pocas obras han dado una idea más precisa, y terrible, de l

Compositoras revela las extraordinarias vidas y obras de mujeres que revolucionaron la música, desafiando los cánones de su tiempo. A través de biografías profundas y reveladoras, Silvia Olivero rescata del olvido historico a compositoras fundamentales como Clara Schumann, Alma Mahler y Sofia Gubaidulina, exponiendo no solo su extraordinario talento musical, sino tambien las barreras sociales y personales que debieron superar. Descubriremos las complejas trayectorias de estas artistas, como navegaron en un mundo musical dominado por hombres, donde sus composiciones fueron sistematicamente marginadas o directamente invisibilizadas gracias a mecanismos historicos y sociales. Olivero reconstruye sus luchas profesionales, las presiones familiares, los obstaculos academicos y sociales que enfrentaron, revelando historias de resistencia, pasion y resiliencia creativa. Cada capitulo es un viaje que desentraña no solo la obra musical de estas mujeres, sino tambien sus universos emocionales, sus estrategias de supervivencia y sus aportaciones a la musica, que lejos de convertirlas en figuras perifericas, demuestran que fueron autenticas innovadoras que expandieron las fronteras del arte. Compositoras no solo rinde homenaje a estas pioneras; reescribe la narrativa de la musica clasica, recordandonos que la genialidad no conoce genero y que la historia del arte esta incompleta sin las voces de quienes fueron deliberadamente silenciadas."

Como para su maestro y amigo Jean Louis Schefer, autor de El hombre ordinario del cine, otro libro, como éste, inclasificable y apasionante, ambos más misteriosos que difíciles, más incisivos que nostalgicos, para Pierre Leon el cine no parece dirigirse a nuestro ser diurno, sino mas bien a un segundo cuerpo que nos habita, que de comun ignoramos, pero que emerge como imantado por algunas peliculas que nos conocen mejor que nosotros mismos y con las que mantenemos un dialogo apasionado. A partir de Stevenson, a este otro yo se le nombra en esta Historia natural del cine como niño-poeta, un niño sin inocencia en el paraiso de un placer secreto alimentado desde la infancia. De como lo han tocado las peliculas, de como ha conversado con muchas de ellas a lo largo de los años, escribe aqui Pierre Leon, que airea los lugares comunes del cine y de su imposible historiografia para proponer otra cosa inefable a cambio, un sueño recordado y filtrado por su vida y memorias ?entre Moscu y Paris?, su erudicion estetica ?musical, pictorica, literaria? y su experiencia de cineasta de excepcion. Sus recurrentes visitas a esa noche experimental del cine donde la pelicula se presenta en fuga permanente, reiniciando incansablemente la propuesta de mundos tan desconocidos como el nuestro, dejan algunas de las mejores paginas que se hayan escrito sobre Ford, Walsh, Renoir, Eisenstein, Hitchcock, Ozu, Rohmer, Duras o Akerman. Las peliculas nos reconocen y nos saludan desde lejos [?] No saben a cuales de estos espectadores volveran a ver un dia, pero saben que habra uno al menos. Y que habra que darle entonces noticias de si mismo. El espera en el umbral de la pelicula, muy cerca de ella, la nariz pegada a la ventana que separa la toma del plano, y que recubre enseguida con el vaho de todos los recuerdos que revolotean en la luz. PIERRE LEON

Bach fue un compositor prolifico cuyas piezas, que se esmero en clasificar en diversas colecciones, forman un grandioso cosmos en el que todas sus inagotables ideas musicales encuentran su lugar. En este ensayo fundamental, Wolff ahonda en el analisis de su rica coleccion musical, que transciende las fronteras habituales entre epocas, generos e instrumentos. Partiendo de una notable seleccion de piezasdesde la temprana coleccion de las Seis tocatas para clave hasta obras tardias como El arte de la fuga y la Misa en si menoranaliza en detalle el metodo compositivo de Bach atendiendo a la gran variedad de generos instrumentales y vocales que abarca, ilustrativa de la profundidad y riqueza de su obra. Al rastrear la evolucion del compositor, Wolff saca a la luz las aspiraciones y el legado de este gigante de la musica de un modo innovador, desvelando la esencia de su arte a neofitos y expertos por igual.

Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. Tambien es un elogio de la lentitud aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, comics, peliculas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estimulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia; producir es replicar los resultados aparentes de la creacion en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario; un gesto de resistencia ante la mercantilizacion que impregna en nuestros dias cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.

Erea Louro nos guía en este viaje a través de la historia de la moda contado desde la mirada de veinte mujeres fascinantes. La estilista y comunicadora de moda Erea Louro analiza el impacto de veinte mujeres iconicas en este libro imprescindible. De Cleopatra a Zendaya, por sus paginas desfilan reinas como Maria Antonieta, que desato pasiones y odios con cada bordado de su corse o Diana de Gales, quien a traves de sus prendas transmitia su propia evolucion de princesa a mujer libre. Encontramos tambien a actrices legendarias de la talla de Audrey Hepburn o Brigitte Bardot que se mezclan con pas de la musica como Madonna, y descubrimos a Cleo de Merode o Louise Brooks, injustamente olvidadas pese a haber sido figuras esenciales en su epoca. Cada una de ellas encarna un momento, una forma de ser y de estar en el mundo. Desde pasarelas, palacios, escenarios o calles redefinieron el significado de estilo. Entendieron que la moda iba mas alla de la necesidad de vestirse y la convirtieron en una revolucion elegante, una manera de ser escuchadas en un mundo que muchas veces no queria hacerlo.

Carmen de Burgos, Colombine, en 1927, decía que parecía haber muchos siglos de distancia entre las mujeres de 1899 y las de su época. Una evolución repentina que se reflejó sobre todo en las modas y el surgimiento de nuevos gustos. El siglo XX comienza en España con modistillas de vestido chine y manton de manila, y da paso a las rebeldes que van a trabajar con traje sastre y se pasean con pantalones. Algunos apedrean a estas valientes. Otros se propasan con sus manos y las damas los corrigen con los alfileres de sus sombreros. Los periodicos claman contra esta autodefensa femenina y el uso de estas espadas. Los grandes sombreros y los corses desaparecen. Ser delgada y tener glamour son los nuevos dictados de la belleza. Con la cabellera y la falda cortas, y el rostro maquillado, las mujeres frecuentan cafes y teatros, salen a bailar y practican sports. Los varones asisten, perplejos, a estos cambios. Pero se adaptan y hasta se acanallan: gomosos, pollos y apaches causan panico y furor. Los grandes almacenes se erigen como templos de consumo. Y, si en Francia Worth, Doucet y Poiret marcan la moda, en España lo hacen Mr. Max, Marie-Antoinette Berbegier, las hermanas Montagne, Joana Valls, el ilustrador Jose Zamora, Margarita Lacoma o Sonia Delaunay. Este libro se adentra en una historia de la moda nunca antes contada. De un tiempo en el que una orgia era una fragancia.

Eduardo Barba, autor de El jardín del Prado, nos propone en esta ocasión un recorrido por la pintura de jardines, esos mágicos espacios verdes que nos vinculan íntimamente a la naturaleza y que, como obra de arte viva, constituyen uno de los mas sofisticados medios de expresion cultural de cada epoca. Desde el antiguo Egipto a nuestros dias, cada jardin encierra una concepcion del mundo y es un mundo en si mismo, habitado por diferentes plantas que el autor nos descubrira con la mirada de un jardinero apasionado tambien por el arte.

Vuelve la fresca sabiduría de Gompertz para enseñarnos a mirar como artistas y experimentar una nueva manera de estar en el mundo. Los artistas han aprendido a prestar atención. El resto de los mortales, sin embargo, pasamos la mayor parte del tiempo con el piloto automatico, corriendo de aqui para alla, y nuestra excesiva familiaridad con lo que nos rodea nos ciega ante el sinfin de maravillosos fenomenos que afirman la vida. Pero no tiene por que ser asi. A su mas puro estilo, Will Gompertz nos lleva a la mente de los artistas, desde estrellas contemporaneas hasta viejos maestros, desde los mas famosos hasta algunos menos conocidos, a lo largo y ancho del mundo, para mostrarnos como mirar y experimentar el mundo con mayor conciencia. Tras leer Mira lo que te pierdes disfrutamos contemplando el cielo en dias nublados como el pintor romantico John Constable; Hockney se convierte en el nuevo guia de nuestros paseos por el bosque; entendemos que es de verdad una amapola gracias a Georgia O'Keeffe; y Rembrandt nos contagia su valentia a la hora de mirarnos a nosotros mismos. Este libro nos ofrece la estimulante sensacion de estar verdaderamente vivos.La critica ha dicho:Will Gompertz es un tipo singular. Rapido como la sangre. Y un defensor de la claridad en un territorio de opacidades.Antonio Lucas, El Mundo Gompertz es tan provocador, irreverente, ironico, divertido y politicamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Su vision del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.Nati Pulido, ABCWill Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesitan demostrar nada. Auna sencillez, hondura y falta de afectacion.Hoyesarte.com A Gompertz se le da mal ser aburrido.The Times Gompertz es el mejor profesor que has tenido jamas.The Guardian

Una fabulosa guía con los diseños más icónicos de la historia que hará las delicias de los amantes de la moda. Los hay de mil modelos y para todas las ocasiones; los zapatos son el accesorio univers

Versión en rústica de The Real Book. Casi 400 canciones recopiladas cómodamente en un formato práctico. Arreglado para instrumentos en Do.

Publicado con motivo de la exposición Reversos, celebrada en el Museo Nacional del Pradoentre el 7 de noviembre de 2023 y el 3 de marzo de 2024.En Las meninas, Velázquez nos mira desde detrás de un gran lienzo del que solo vemos la trasera y que ocupa buena parte de la superficie pictorica. Con esa tela clavada a un bastidor de madera el pintor nos habla de la imagen como artificio y nos abre una puerta hacia una dimension secreta.La exposicion Reversos va mas alla de la simple accion de girar los cuadros. El Museo del Prado hace con ella una reevaluacion integral de los reversos de sus colecciones e identifica en otros grandes museos elocuentes ejemplos que demuestran como se enriquece la apreciacion de las obras de arte cuando no nos limitamos a mirarlas de frente. Al voltear esas obras, pervirtiendo asi su frontalidad convencional, y al obligarnos a rodearlas asumiendo como espectadores un rol mas activo, insertamos en el museo experiencias contemplativas que reivindican ese lado de la pintura al que no llega la luz.El catalogo incluye textos de Ramon Andres, Ana Gonzalez Mozo, Antonio Muñoz Molina, Victor I. Stoichita y el propio comisario de la exposicion, el artista Miguel Angel Blanco

La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos.Eugenia Tenenbaum revive en este libro periodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de l

La muerte es un tema arriesgado y controvertido, pero siempre ha estado presente entre nosotros. Este libro es un viaje que invita a pasear y descubrir, desde el respeto profundo a todas las culturas y tradiciones, por la necropolis mas bonitas e impresionantes del planeta. Un paseo que nos ayuda a reflexionar sobre nuestra propia existencia como un moderno memento mori.

¿CUÁL ES LA BANDA SONORA DE TU VIDA?Los mejores discos, por el mejor dealer musical.Más de un millón y medio de personas ya forman parte de la comunidad de melómanos de @oscarggc.Para algunos, la música puede ser simplemente un fondo sonoro, pero para otros, muchos, la musica es una brujula emocional, una maquina del tiempo y una forma de entender el mundo. En este libro, Oscar Gimenez (@oscarggc), el creador de contenido musical mas iconico de las redes sociales, comparte los albumes que dejaron huella en su historia personal. Desde clasicos inmortales hasta himnos generacionales, cada disco es una invitacion a descubrir (o redescubrir) sonidos que nos han emocionado y nos emocionan, que nos han sorprendido y nos sorprenden, que nos han transformado y nos transforman. Con el estilo caracteristico que ha enganchado a mas de un millon y medio de seguidores, Oscar Gimenez nos lleva por un viaje a traves de canciones que hicieron historia en la musica y, de una forma u otra, tambien en la vida de cada uno de nosotros.SI AMAS LA MUSICA, ESTE ES TU LIBRO.No existe la culpabilidad en la musica, al contrario: cuando no conoces un tema o un artista y alguien te dice: ¿En serio no has escuchado esto?, hay que recibirlo con los brazos abiertos, abrazar la oportunidad. A mi me hace feliz, pues significa que voy a vivir una primera vez, algo que no se va a repetir. Ahora te toca a ti. Llama a quien sea, comparte este momento, y si ya lo conocias, amigo mio, vuelve a darle al play.Algunos de los discos que encontraras en este libro: The Doors - The Doors, 1967 / The Wall - Pink Floyd, 1979 / IV - Led Zeppelin, 1971 / The White Album - The Beatles, 1968 / The Freewheelin - Bob Dylan, 1963 / Thriller - Michael Jackson, 1982 / Arrival - ABBA, 1976 / Toys in the Attic - Aerosmith, 1975 / OK Computer - Radiohead - 1997 / Legend - Bob Marley & The Wailers, 1984 / A Night at the Opera - Queen, 1975 / The Queen Is Dead - The Smiths, 1986 / Ride the Lightning - Metallica, 1984 / Paranoid - Black Sabbath, 1970 / The New Abnormal - The Strokes, 2020 / Hotel California - The Eagles, 1976 / American Idiot - Green Day, 2004 / Sticky Fingers - The Rolling Stones, 1971 / Whos Next - The Who, 1971 / Nevermind - Nirvana, 1991 / Rebel Yell - Billy Idol, 1983 / Meteora - Linkin Park, 2003 / Too Fast for Love - Motley Crue, 1981 / Pearl - Janis Joplin, 1971 / Disintegration - The Cure, 1989 / Brothers in Arms - Dire Straits, 1985... y muchos mas.

Una obra imprescindible para comprender mejor quiénes somos a través de las huellas artísticas que dejaron nuestros antepasados hace más de 30.000 años.¿Qué movió a los primeros artistas a adentrarse en la oscuridad para plasmar bisontes, caballos y misteriosas figuras? ¿Que significado tenian estas obras para sus creadores? Gregory Curtis nos guia en un apasionante viaje a los origenes del arte y la creatividad humana, a traves de las entrañas de las cuevas prehistoricas mas importantes de Francia y España, para desentrañar los misterios que encierran sus paredes pintadas hace mas de 30.000 años. Siguiendo la huella de algunos de los arqueologos, historiadores del arte y especialistas que han dedicado sus vidas a interpretar los enigmaticos testimonios de nuestros ancestros, el autor combina magistralmente en este ensayo la aventura de la exploracion subterranea, el rigor cientifico y la reflexion sobre el nacimiento del arte y la consciencia humana.