Libros de Historia de la pintura y la escultura

Catálogo de la exposición temporal "Luisa Roldán. Escultora real", celebrada en el Palacio de Villena del Museo Nacional de Escultura entre el 28 de noviembre y el 9 de marzo de 2025.Un riguroso estudio que pone en valor la figura de una de las mejores escultoras de nuestro pasado. Un apasionado viaje por las postrimerias del siglo XVII y los albores del XVIII de la mano de una mujer que rompio moldes en busca de la belleza.

El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras desde la Antigüedad h

La vida salvaje te rodea y es la inspiración perfecta para la creatividad, dondequiera que vivas.En 365 días de arte y naturaleza, Lorna Scobie te invita a observar y experimentar el mundo natural y a utilizarlo para inspirarte en tu arte todos los dias. Ya seas principiante o un artista experimentado, Lorna te muestra como explorar y expandir tu potencial artistico a traves de una variedad de actividades artisticas reflexivas y atractivas basadas en la naturaleza. Las tareas abarcan todos los entornos naturales, desde dibujar flores en tu hogar hasta estudiar paisajes, aves y animales en el exterior. Con citas inspiradas en la naturaleza y muchas sugerencias y consejos de apoyo, 365 dias de arte y naturaleza encendera tu imaginacion y te ayudara a abrir los ojos a la belleza natural de nuestro mundo.

Este tratado en seis volúmenes se ha convertido en un clásico, incomparable obra de referencia para quien quiera acercarse al arte occidental y comprender su significado. No es sólo un repertorio ordenado de temas religiosos; es, sobre todo, un instrumento de trabajo imprescindible para cualquier historiador, estudiante o amante de las artes que indague sobre las imágenes del arte en Europa.

Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser es un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Este primer volumen abarca de la Prehistoria al Barroco. En la introduccion a esta edicion, que respeta la forma en que el libro se publico originalmente, Valeriano Bozal nos propone fijar la atencion en el magnifico intento de Hauser por comprender el presente a traves de la investigacion historica. Algunas de las hipotesis propuestas pueden prender en el lector, al punto de imponerse a su juicio por la logica y la brillantez, por la conviccion, por la capacidad de sugerir y evocar mas que por la verificacion, por su forma de vincular grandes acontecimientos, obras y autores muy concretos en el marco socioeconomico de su tiempo, por su capacidad de generalizacion y por su compromiso con la exigencia de mantener la relacion entre la literatura y las artes plasticas.Reseña:Hauser intenta reconciliar lo irreconciliable, huir de la mecanicista teoria del reflejo, deslindar los campos, reservar al sociologo un margen limitado que concede, sin embargo, la autonomia a la obra bajo su aspecto estetico.Lourdes Ortiz, El Pais

Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, es un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Este segundo volumen abarca desde el rococo a la epoca del cine. Influido por los canones y preceptos de la rama mas teorica del marxismo, Arnold Hauser concibio su Historia social de la literatura y el arte como un ejercicio omnimodo, capaz de dar cuenta, mediante las sinergias de la historia y sus coyunturas sociales, de las producciones artisticas y culturales que han perdurado hasta nuestros dias. Este segundo volumen de su obra magna recorre los dos siglos que van desde el siglo XVIII y la gestacion del movimiento rococo hasta los albores y el desarrollo de la cinematografia. Son años de cambios constantes que, nos enseña Hauser, no deben disociarse en ningun caso de las expresiones artisticas que los visten: la parte no puede entenderse sin el todo.Reseña:Un libro absolutamente indispensable.Art News and Reviews

Si pensamos en una imagen que simbolice la creación artística de Japón, sin duda nos vendrá a la cabeza, aunque desconozcamos el nombre del autor, la estampa de una ola azul que se alza y, en su movimiento, crea el marco para una montaña mitica, el monte Fuji.Esta imagen, La gran ola de Kanagawa, la creo en torno a 1830 un septuagenario: para entonces llevaba mas de medio siglo experimentando tecnicas y estilos y habia producido treinta mil pinturas, bocetos y dibujos para grabados.Katsushika Hokusai nacio en 1760 y vivio en el Periodo Edo, el tiempo de los shogunes. La epoca, quizas la mas asombrosa en la historia de Japon, comenzo en 1603 y se extendio hasta 1868, con el inicio de la era Meiji. El clan dominantela poderosa familia Tokugawadecreto el cierre del archipielago al exterior y condujo al pais a un hermetismo sin parangon. Este aislamiento propicio el desarrollo de costumbres distintas a las del resto del mundo.De esa epoca proceden algunas de las creaciones culturales mas originales de Japon, como el teatro kabuki y el grabado ukiyo-e. Y tambien, algunas de las tradiciones mas celebresy estereotipadas y mal contadascomo el mundo de las geishas.¿Que papel tenia la mujer en ese mundo? ¿Que supuso el ascenso social de la nueva clase urbana? ¿Cuando perdieron los samurais sus privilegios?En este...

La importancia de la obra artística se amplifica considerablemente cuando se atiende a su verdadero valor como contenedora de significados y en la valoración de ese aspecto fundamental para la Historia de la Cultura se centran la iconografia y la iconologia, que son materias fundamentales en los Grados de Historia del Arte.Los niveles de significacion son muy diferentes, no solo dependiendo de los emisores sino tambien de los receptores y de su nivel de implicacion con la obra, teniendo en cuenta asimismo las variadas lecturas de la misma, desde el punto de vista formal o fase preiconografica a la lectura iconologica que pueden trabarse, pudiendo llegar al espectador solo una parte de los significados en funcion de su interes por el conocimiento de la creacion artistica y de su preparacion para lograr aprehenderla en su totalidad.Todo ello, favorece la complejidad y contribuye a la diversidad de lecturas, la mayoria de ellas validas si nos situamos en el lugar del receptor. A ello, habria que añadir el contexto, el cual es esencial para la experiencia recreadora de una obra de arte', en la que, ademas de la sensibilidad, adiestramiento visual y bagaje cultural, es basico conocer las circunstancias que la rodean para conseguir una valoracion lo mas objetiva posible (Panofsky, 2008: 31-32), pero es dificil prescindir de la implicacion personal argumentada por Gombrich, quien abordo las limitaciones de la iconografia (1983: 12-51), secundadas puntualmente por Moralejo (2004: 63-80), quien comienza su texto advirtiendo del peligro del "integralismo de la interpretacion, señalando que sin una pequeña dosis del mismo no "es posible una iconologia", subrayando que la intuicion puede poner "en la pista del hilo programatico que corresponderia establecer a la sintesis iconografica" (p. 64).

El objetivo que se propone este trabajo es exponer en síntesis la historia del arte del marfil cristiano de la Edad Media en España y el estado actual de su estudio. Cada capítulo va precedido de una breve introducción, seguida del estudio de las obras en marfil, que constituyen el objeto concreto de cada epígrafe con la cita abreviada de las fuentes y bibliografía correspondientes, ordenadas alfabéticamente en un índice final de las fichas completas.

Más que la amante de Picasso.Dora Maar murió en 1997 dejando tras de sí una aureola de misterio y de expectación. Había sido la amante de Picasso entre 1936 y 1943, había fotografiado el Guernica y habia sido la excepcional modelo de la serie La mujer que llora del pintor malagueño. Victoria Combalia tuvo el raro privilegio de poder conversar largamente con Dora Maar en 1994 y de organizar la primera retrospectiva de su obra fotografica y pictorica en 1995.Dora Maar era hija de padre yugoslavo y de madre francesa, pero se habia criado en la Argentina. Dio la espalda a sus origenes burgueses convirtiendose en una activista politica de izquierdas que participo en el grupo Contre-Attaque y fue la amante del filosofo y revolucionario Georges Bataille.Siendo miembro del grupo surrealista, Paul Eluard le presento a Picasso. En una famosa escena en el cafe Les Deux Magots, Dora lo sedujo jugando a clavar una navaja entre sus dedos de largas uñas pintadas de rojo. Con el vivio una tumultuosa pasion pero tambien un repliegue de su actividad creadora. Paso a ser su musa, mil veces retratada en su belleza pletorica pero, sobre todo, como mascara sufriente y atormentada. Abandonada por el artista, se refugio en la religion y en la pintura, viviendo recluida en su piso de Paris y en su ca

Descubra cómo las escenas de la vida cotidiana representadas con delicados toques de color sacudieron los cimientos del arte. En este libro fundamental sobre el impresionismo de la serie Basic Art de TASCHEN, analizamos a los artistas, los temas y las tecnicas que sacaron el caballete del estudio y desviaron la atencion de la historia, la religion o los retratos hacia el efimero devenir de la vida moderna. En nuestro recorrido por los teatros, bares y parques de Paris, entre otros lugares, contemplamos las innovaciones radicales del movimiento en el estilo y los temas, desde la pintura en plein-air hasta las pinceladas rapidas y entrecortadas que permitieron a los impresionistas resaltar la espontaneidad, el movimiento y la naturaleza cambiante de la luz. Estudiamos con detenimiento sus nuevas e inusuales perspectivas y su fresca paleta de colores puros, sin mezclar, con unos tonos vivos y brillantes que aportaron una intensidad cromatica totalmente nueva a los lienzos. En esta monografia podemos encontrar a maestros consolidados del impresionismo como Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot y Camille Pissarro, ademas de a numerosos artistas relacionados con el movimiento que merecen una especial atencion, como Marie Bracquemond, Medardo Rosso o Fritz von Uhde.

Gracias a las técnicas de rayos X y fotografía infrarroja y a los métodos empleados en la detección, identificación y análisis de los pigmentos, ahora podemos conocer gran cantidad de detalles sobre como estan hechas las pinturas de los antiguos maestros. Ver como Rembrandt aplicaba la materia pictorica capa tras capa equivale a contemplar sus dotes de maestro en accion. Es, por asi decir, como si se nos ofreciera la oportunidad de mirar por encima de su hombro y observar como trabajaba en la interpretacion de un tema como La mujer adultera y apreciar la idea que tenia acerca de su composicion.

* Una historia de la pintura accesible y entretenida. * Una presentación cronológica y de los artistas clasificados por movimientos, escuelas o estilos. * Focos temáticos para identificar los movimie

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A finales del siglo XIX se fraguan una serie de cambios que afectan a la vida cotidiana y que cristalizan en la pintura finisecular a través de la imagen de la mujer. Ésta se convierte en protagonista de los nuevos ambitos que atraen la atencion de los artistas: la intimidad familiar, el mundo del trabajo, la moda, la relevancia social, los bajos fondos o las nuevas formas de ocio, de amor y de sexualidad. La pintura del fin de siglo constituye un ejemplo indiscutible respecto al papel del arte en la creacion y difusion de estereotipos femeninos.

El arte pop, que alcanzó su punto álgido en la década de 1960, surgió como una revolución contra las concepciones establecidas del arte y la cultura y acabó cuestionando todos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo, el papel del artista y lo que constituye una obra de arte. Centrado en temas como el materialismo, la fama y los medios de comunicacion, el arte pop bebio de fuentes del mercado del consumo, ya fueran imagenes publicitarias, comics, rostros famosos de Hollywood o envases de articulos comerciales, epitomados estos ultimos en las latas de sopa Campbells de Andy Warhol. Ademas de desafiar el establishment mediante el ensalzamiento de tales imagenes populares, banales y kitsch, el arte pop desplego metodos de produccion en serie y desdibujo el papel del artista singular con la adopcion de tecnicas mecanizadas como la serigrafia. Con artistas como Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein, este libro presenta todo el alcance y la influencia de un movimiento moderno decisivo.

El camí de l’artista és una guia imprescindible per superar les creences limitadores, les pors i les incerteses que inhibeixen les veritables capacitats creatives que tots posseïm en algun àmbit de l

En aquest llibre trobem un seguit d’estudis de pintures relacionades d’una manera o una altra amb la història de Catalunya i d’Aragó, València i Mallorca. El mural de la capella de Santa Radegunda de

Esta obra é un percorrido polo camiño seguido pola pintura galega desde os primeiros anos do século XX até os anos cincuenta, desde o costumismo rexionalista, de influxo modernista e simbolista, até o desenvolvemento pleno do movemento renovador da arte galega coñecido como Os Novos.Este vieiro amosasenos definido por tres esteos fundamentais: a procura dun ideal, en que se insire a propia definicion e creacion dunha escola de pintura galega, diferenciada da española; a asuncion dunha estetica nacional e o seu desenvolvemento no periodo inmediatamente anterior a guerra civil; e a dificil continuidade no exilio americano e interior coa superacion do modelo de base romantica que serviu de alicerce para a creacion dunha arte nacional, sen renunciar aos valores sociais e identitarios.

Las reflexiones de nuestro pintor acerca del maestro Velázquez. Lo que habita fuera de él, antes y después. ¿Por qué el pintor sevillano?