Libros de Teoría y crítica de arte, página 20 de 204

Carl Justi zahlt Kreis derjenigen Gelehrten, die im 19. Jahrhundert die noch junge Wissenschaft der Kunstgeschichte als historische Disziplin an den deutschen Universitaten fest verankerten, vor allem wahrend seiner drei Jahrzehnte dauernden Lehrtatigkeit am Kunsthistorischen Institut der Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universitat in Bonn. In dieser Grunder-Zeit leistete er mit seinen umfassenden, kulturhistorisch ausgerichteten Forschungen einen bedeutenden Beitrag zu den Methoden des Fachs.In ausgedehnten Studienreisen erforschte Justi systematisch die Kunst der Iberischen Halbinsel. Vor allem die 1888 erstmals erschienene Biographie uber Velazquez erreicht uber die Fachgrenzen hinaus bis heute ein breites Publikum und tragt zur intensiveren Rezeption der Kunst jenseits der Pyrenaen bei.

Con cinco décadas de trayectoria artística, Antoni Miralda (Terrassa, España, 1942) ha convertido un acto tan universal como la comida en un universo creativo. El artista ha desarrollado un método propio centrado en la participacion, la idea ritualidad o ceremonia y la gastronomia. Con un lenguaje inconformista, barroco y lleno de humor, que celebra los sentidos y acerca el arte y la vida, lleva a cabo una exploracion etnologica sobre el comportamiento humano. La exposicion MIRALDA MADEINUSA recupera la totalidad de los proyectos del artista relacionados con su estancia en Estados Unidos. Comisariada por Vicent Todoli y producida por el MACBA, se presentara en Barcelona del 20 de octubre a abril del 2017. En estrecha colaboracion con el artista y con su archivo, la publicacion documenta por primera vez y de forma exhaustiva los proyectos realizados por Miralda en Estados Unidos, desde mediados de los años setenta hasta finales de los noventa, incluyendo proyectos no llevados a cabo.

Manuel Bartolomé Cossío (1857 - 1935), fue un pedagogo krausista español e historiador del arte. Dentro de la Institución Libre de Enseñanza, fue ahijado y alumno favorito de Francisco Giner de los Rios y su inseparable compañero y su sucesor. Dejo un estudio monumental sobre la obra de El Greco. Director del Museo Pedagogico Nacional y presidente de las Misiones Pedagogicas, fue quiza "la figura mas eminente de la pedagogia española en el periodo de 1882 a 1935", año de su muerte.Impulso la creacion en 1916 de la Fundacion Francisco Giner de los Rios, de la que ahora se cumple su primer centenario. Esta exposicion quiere ser continuadora de la que se ha dedicado con motivo del centenario de su fallecimiento a Francisco Giner de los Rios entre diciembre de 2015 y mayo de 2016, con notable exito de publico y critica. El recorrido explora otros aspectos del proyecto modernizador de la ILE con el fin de completar los temas abordados y sus principales protagonistas. La aportacion de Manuel B. Cossio ocupa un lugar central en la valoracion y el estudio de lo que hoy representa la figura de El Greco.Su gran libro sobre el pintor de Toledo, publicado en 1908, lo situa entre los primeros historiadores del arte españoles ''al igual que ocurriera con Aureliano de Beruete y su monografia sobre Velazquez'' que se acercaron al estudio de los hechos artisticos a traves del analisis directo de las obras de arte y el cotejo de la correspondiente documentacion historica. Esa forma de trabajar le permitio a Cossio construir una excepcional obra, tan ambiciosa desde el punto de vista intelectual como exquisita en su confeccion y factura material. En España, a decir de Gaya Nuño, no se estaba acostumbrado a libro de tan minuciosa elaboracion ni de tan profunda critica, escrita con el mejor lenguaje castellano posible .

Como en el mítico cartoon del New Yorker, el artista Pablo Helguera, recupera la técnica de la caricatura para generar un retrato exagerado y a veces distorsionado del mundo del arte. Este libro compila una seleccion de 187 dibujos, por primera vez traducidos al español por el artista Alvaro Perdices, que Helguera publica entre los años 2009 y 2016. Esta edicion cuenta con el prologo del critico y curator Octavio Zaya.

Arte

La Tempestad de Giorgione es la pintura más enigmática de todo el Renacimiento y la que ha suscitado mayor número de análisis e hipótesis, agrupándose estas últimas en dos polos extremos; el que sostiene que la Tempestad es el primer cuadro sin tema de toda nuestra pintura, y el que lo considera representacion de una escena mitologica de compleja interpretacion. En el presente libro, las dos obras mas celebres de Giorgione (La Tempestad y Los Tres Filosofos) no seran consideradas prodigiosas fantasias sino mas bien incluidas en una serie iconografica puntualmente establecida. El conocimiento de las diversas fases de su elaboracion ayuda a recorrer en sentido inverso un proceso creativo que no es simple elaboracion iconografica, sino verdadera preocupacion por esconder el asunto de la obra, haciendolo comprensible solo a pocos.

El Internacional, un proyecto artístico y culinario del artista Antoni Miralda y la chef Montse Guillén, fue el primer restaurante que sirvió tapas en Estados Unidos y pronto se convirtió en un icono en la escena del Nueva York de los años ochenta. Esta es la historia de un proyecto que transformó las experiencias gastronómicas en instalaciones y performances, sentando un precedente para el arte que hoy conocemos como relacional o colaborativo. La experiencia consistió en un proceso creativo, donde todos los miembros del equipo y sus clientes desempeñaban roles igual de relevantes, difuminando así los límites entre comida, arte, diseño, arquitectura y medios de comunicación. Este libro, profusamente ilustrado, revisa la historia del restaurante, explorando su arquitectura y estilo, y repasa los eventos más relevantes que que ahí tuvieron lugar, gracias a los recuerdos que evocan sus protagonistas. Además de compartir las recetas, menús y recuerdos más exitosos de El Internacional, esta publicación retrata la historia urbana de una ciudad en continua evolución.

Sus pinturas registran, entre otras cosas, las grandes y pequeñas convulsiones que toda cultura y toda ciudad deben necesariamente soportar, y hacia las cuales están siempre deslizándose, incapaces de detener el paso del tiempo y de la historia."John Yau

Con cinco décadas de trayectoria artística, Antoni Miralda (Terrassa, España, 1942) ha convertido un acto tan universal como la comida en un universo creativo. El artista ha desarrollado un método propio centrado en la participacion, la idea ritualidad o ceremonia y la gastronomia. Con un lenguaje inconformista, barroco y lleno de humor, que celebra los sentidos y acerca el arte y la vida, lleva a cabo una exploracion etnologica sobre el comportamiento humano.

Tres enfoques distintos confluyen en este libro: historia y psicología del arte (Sir Ernst Gombrich), psicología (Julian Hochberg) y filosofía (Max Black). Estos tres distinguidos autores examinan en los tres ensayos recogidos en este volumen el problema de las percepciones de las imagenes y, en particular, de la pintura y la fotografia. Tal confrontacion de ideas es ciertamente inedita en la bibliografia en lengua castellana sobre la imagen. Fundandose en experiencias sustancialmente diferentes, los tres ensayos solicitan la reflexion y la profundizacion de temas ya de por si sugerentes: el tiempo, la verosimilitud, la escena espacial y otros conceptos, como los de empatia, capacidad de informacion de la imagen y niveles de atencion. De un modo particular, el intercambio de opiniones entre Gombrich y Hochberg abre un debate rico en consecuencias de permanente interes entre especialistas. Al mismo tiempo, las constantes referencias al plano cognitivo de la imagen abren nuevas posibilidades para la investigacion de la imagen a partir de la pragmatica moderna.

En La máquina José Maldonado desarrolla una herramienta de análisis estético que trata de aproximar y correlacionar campos de investigación que pudieran parecer muy distantes entre sí. Para ello se sirve de un sutil entramado de elementos conceptuales y poéticos que engrana en un extraño dispositivo parecido a un astrolabio o a una brújula que permitirá al lector orientarse y realizar una aproximación a un campo de producción poética y visual cada vez más intrincado y complejo. La Maquina es una herramienta de transformación alegórica que requiere de constantes ajustes, imperfecta en su precisión, pero honesta en su análisis de los modos de producción contemporánea de sentido estético. Hay muchos campos de conocimiento pero todos pueden estar en ¿la máquina¿¿ depende del lector y de aquello que con ella se desee producir. ¿La máquina¿ es perpetuum mobile, objeto imposible que trata de conservar la energía que nunca tuvo¿ Tan vacía como cuando todavía no era.

Las dos grandes obsesiones de G. K. Chesterton —el arte, como síntesis de la creatividad humana, y la religión— se reúnen en esta colección de ensayos que, en su mayoría, nacieron como reseñas litera