Libros de Teoría y crítica de arte, página 20 de 210

Sus pinturas registran, entre otras cosas, las grandes y pequeñas convulsiones que toda cultura y toda ciudad deben necesariamente soportar, y hacia las cuales están siempre deslizándose, incapaces de detener el paso del tiempo y de la historia."John Yau

Con cinco décadas de trayectoria artística, Antoni Miralda (Terrassa, España, 1942) ha convertido un acto tan universal como la comida en un universo creativo. El artista ha desarrollado un método propio centrado en la participacion, la idea ritualidad o ceremonia y la gastronomia. Con un lenguaje inconformista, barroco y lleno de humor, que celebra los sentidos y acerca el arte y la vida, lleva a cabo una exploracion etnologica sobre el comportamiento humano.

Tres enfoques distintos confluyen en este libro: historia y psicología del arte (Sir Ernst Gombrich), psicología (Julian Hochberg) y filosofía (Max Black). Estos tres distinguidos autores examinan en los tres ensayos recogidos en este volumen el problema de las percepciones de las imagenes y, en particular, de la pintura y la fotografia. Tal confrontacion de ideas es ciertamente inedita en la bibliografia en lengua castellana sobre la imagen. Fundandose en experiencias sustancialmente diferentes, los tres ensayos solicitan la reflexion y la profundizacion de temas ya de por si sugerentes: el tiempo, la verosimilitud, la escena espacial y otros conceptos, como los de empatia, capacidad de informacion de la imagen y niveles de atencion. De un modo particular, el intercambio de opiniones entre Gombrich y Hochberg abre un debate rico en consecuencias de permanente interes entre especialistas. Al mismo tiempo, las constantes referencias al plano cognitivo de la imagen abren nuevas posibilidades para la investigacion de la imagen a partir de la pragmatica moderna.

En La máquina José Maldonado desarrolla una herramienta de análisis estético que trata de aproximar y correlacionar campos de investigación que pudieran parecer muy distantes entre sí. Para ello se sirve de un sutil entramado de elementos conceptuales y poéticos que engrana en un extraño dispositivo parecido a un astrolabio o a una brújula que permitirá al lector orientarse y realizar una aproximación a un campo de producción poética y visual cada vez más intrincado y complejo. La Maquina es una herramienta de transformación alegórica que requiere de constantes ajustes, imperfecta en su precisión, pero honesta en su análisis de los modos de producción contemporánea de sentido estético. Hay muchos campos de conocimiento pero todos pueden estar en ¿la máquina¿¿ depende del lector y de aquello que con ella se desee producir. ¿La máquina¿ es perpetuum mobile, objeto imposible que trata de conservar la energía que nunca tuvo¿ Tan vacía como cuando todavía no era.

Catálogo de la exposición organizada por el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, desde el 5 de julio al 7 de noviembre de 2017. Esta exposición explora el "alma pagana" de Alonso Berruguete (1490-1561), su personal amalgama entre el arte cristiano y la sensualidad de la estatuaria clasica. Siendo joven, entre 1506 y 1518, el primer escultor del Renacimiento español realizo una larga y fructifera estancia en Italia. Convivio, en Florencia y en Roma, con Miguel Çngel, Rafael o Bramante y se contagio de su euforia por los ideales antiguos y de su manera de ver el arte, participando de ese feliz dialogo entre mitos paganos y devociones cristianas que nutrio el Humanismo europeo. Sarcofagos, ruinas y estatuas encendieron su fantasia. Y, en especial, el poderoso grupo del Laocoonte. La exasperacion psiquica, la danza de los cuerpos en el espacio o el virtuosismo anatomico del marmol helenistico inspiraran sus patriarcas biblicos o sus escenas de lamento ante el sepulcro. Este catalogo incluye textos y estudios de especialistas en la figura de Berruguete.

Los autores han concebido esta obra pensando en que sirviese de instrumento imprescindible a todos aquellos que necesitasen un conocimiento preciso de la terminología usual entre los historiadores de la cultura material. No se trata de abordar simplemente un lexico elemental, sino toda una larga nomina de vocablos que constituyen el arte y la arqueologia que encontramos en las lecturas de los libros especializados. Su significado es explicado de manera clara y precisa, acompañando, en muchos casos, la definicion con dibujos muy esclarecedores. El numero de terminos y su ilustracion convierten a este libro en una obra de referencia obligada entre los de su clase.Pero lo que ya hace verdaderamente excepcional este libro es la facilidad con la que nos informa sobre la traduccion en cuatro idiomas mas: frances, ingles, italiano y aleman. El acceso a estas lenguas se puede hacer desde el castellano, o viceversa, desde cualquiera de ellas a su definicion en castellano. El lector de una obra en una de estas lenguas, al encontrarse un termino especializado, podra localizar su significado preciso con gran facilidad.

En diferentes países del Cono Sur, los estudios de género y los análisis de las teorías feministas vienen creciendo con fuerza desde 1990. Esto ha motivado trabajos de recuperación de archivos e investigaciones sobre artistas mujeres que, si bien se desempeñaron o aún se desempeñan profesionalmente, han sido excluidas o marginadas de los relatos de la historia del arte del continente, los que han apelado frecuentemente a la idea de la figura excepcional para el ingreso histórico de unas pocas. En las páginas aquí reunidas, lxs lectorxs encontrarán nuevas perspectivas de estudio sobre las artes de los siglos XIX y XX de Argentina, Brasil y Chile, que dan cuenta de artistas omitidas, buscando con ello problematizar el modo tradicional de escritura de las historias del arte. Asimismo, el libro establece contacto con México, importante antecedente en esta área para nuestra región. En Compartir el mundo. La experiencia de las mujeres y el arte proponemos otras miradas, más inclusivas, de nuestros relatos artísticos. Las autoras son historiadoras del arte especialistas en arte moderno y contemporáneo de sus países de origen. Sus análisis se desarrollan dentro del campo de los estudios de género y las teorías feministas. El libro incluye ensayos de: Ana Paula Cavalcanti Simioni; Gloria Cortés Aliaga; Georgina Gluzman; Soledad Novoa Donoso; María Laura Rosa; Luana Saturnino Tvardovskas.

La mordaz crítica de Roger Fry a los académicos del siglo XIX forma parte de su intento de abrir los ojos de toda una generación a las características formales específicas del arte. El alcance de su intento es enorme: los veinticinco ensayos presentados bajo el titulo comun de Vision y diseño abarcan temas que van desde el arte negro hasta Giotto y desde William Balke hasta la arquitectura domestica contemporanea. Entre los temas tratados por Fry son de vital importancia las relaciones entre el arte antiguo y el arte moderno, asi como entre el arte y la vida. Afirma que las pinturas de los bosquimanos se diferencian del arte mas primitivo -el de los niños, por ejemplo- en su predileccion por la imagen retinal en detrimento de la conceptual. Tambien cree que los postimpresionistas no intentaban imitar formas, sino crearlas; no imitar la vida, sino encontrarle un equivalente. Fry fue amigo y mentor de los miembros del grupo de Bloomsbury (el unico hombre cuya biografia fue escrita por Virgina Woolf) y Vision y diseño constituyo una gran contribucion a su concepto de la estetica, aunque el amplio alcance de su influencia tambien ha llegado hasta nosotros.

Terminado en diciembre de 1497 e impreso en Venecia en 1509, La divina proporción es una de las obras más representativas del ambiente científico y artístico de la Italia de finales del siglo XV, y constituye el punto de partida de los numerosos trabajos dedicados a las proporciones del cuerpo humano y la arquitectura que serian escritos en los siglos siguientes. La proporcion matematica resultante de la division de un segmento en media y extrema razon es asumida en el tratado como principio universal y objetivo de belleza. Las innumerables correspondencias que dicha proporcion guarda con las propiedades de la divinidad justifican el calificativo de "divina". Esta obra responde, en lineas generales, a la vision estetica y filosofica del neoplatonismo de la epoca, que concebia la imagen del universo como una construccion armonica en la que el hombre y el arte vendrian a ser reflejos de un orden cosmico superior. La presente edicion, realizada a partir del ejemplar manuscrito conservado en la Biblioteca Ambrosiana de Milan, incluye los 60 dibujos de los cuerpos geometricos que Leonardo realizo como ilustraciones del texto.

¿El arte es un lenguaje? Esta pregunta recorre la historia de las ideas estéticas y de la critica de arte durante todo nuestro siglo, y constituye el tema de uno de los más importantes debates modernos sobre la materia. Las posiciones que se dan pueden resumirse en dos grandes lineas: la de quien sostiene que el arte es un fenomeno unico e irrepetible, por lo cual es imposible recoger su esencia de forma racional; y la de quien, por el contrario, plantea que el arte tiene el mismo estatuto que el lenguaje, es decir, que es un objeto estructurado del que se puede llegar a comprender el mecanismo del funcionamiento interno. Este libro recorre la historia del arte y define los diferentes metodos de investigacion de los impulsores de la segunda hipotesis, asi como distintas corrientes que anticiparon modelos linguisticos de investigacion (el simbolismo americano, el purovisualismo, la filosofia neokantiana, la iconologia, la historia de las formas, la teoria de la Gestalt, la psicologia de la percepcion). Y traza un mapa completo de los diversos enfoques que consideran al arte en tanto que comunicacion. La obra se presenta como un manual que aclara una de las problematicas mas intricadas de nuestro tiempo y permite, mediante una muy extensa bibliografia, profundizar en cada argumento mediante direcciones de investigacion precisa.

Se comprende la originalidad de la obra de Francastel cuando él mismo, en las primeras páginas, advierte al lector de que no hallará en este libro ni sociología, ni historia, ni historia del arte en el sentido ordinario de la palabra. Su trabajo va mas alla. Si no abre el camino a una nueva disciplina, al menos propone una forma nueva de ver el arte: como el reino de las satisfacciones faciles e imaginarias, como el lujo de las sociedades avanzadas. En este segundo volumen Francastel trata de mostrar, en un grupo de cuatro estudios, el interes especial que tiene la nocion de objeto figurativo: es una introduccion, a la vez sistematica e historica, al problema de la dialectica de lo real y de lo imaginario. Cinco ensayos mas, dedicados a la iconografia religiosa, demuestran la relacion que existe entre las sociedades y los artistas cuando actuan tanto como agentes de la ideologia y de la propaganda oficiales, cuanto como interpretes de resistencias a veces desconocidas. En esos textos se estudia la relacion que existe entre las formas del arte y la movilidad social contemporanea.