Libros de Teoría y crítica de arte, página 7 de 208

¿Cómo es posible que el neoliberalismo y sus instituciones se apliquen afanosamente en propagar un arte social y participativo, un arte creativo y original, incluso un arte crítico? El activismo cultural del neoliberalismo es inagotable y el arte contemporaneo es un lugar idoneo para entender como funciona. Alta cultura descafeinada indaga desde una perspectiva critica en la despolitizacion del arte en las ultimas decadas. Ofrece una critica directa a esos procesos destinados a recuperar y reinsertar practicas en otro tiempo disidentes y que, sin embargo, se nos presentan hoy como yermas, inocuas y descafeinadas de consenso. Si el neoliberalismo carece de centro, si se mueve tanto dentro como fuera de las instituciones, es porque posee la virtud de fagocitar y nutrirse habilmente de cuanto lo rodea, incluso de aquello que esta destinado a cuestionarlo. Alberto Santamaria analiza la despolitizacion de la vanguardia en el arte de ese activismo cultural neoliberal que nos rodea y nos urge a reubicar la cultura como herramienta emancipadora en la batalla ideologica.

¿Cuál es el poder de los colores? ¿Cómo actúan sobre nuestra conciencia profunda? ¿Cuál es la situación creativa del hombre en nuestra sociedad actual? Kandinsky contempla la vida espiritual de la humanidad como una piramide, y el artista debe conducir al profano hasta la cima de esta piramide a traves del ejercicio conmovedor del arte. De lo espiritual en el arte es, ante todo, la respuesta personal de un gran artista ante las dificultades de su oficio y la necesidad de perfilar un esquema teorico en el cual apoyarse. Escrito en el año 1910, cuando Kandinsky justo acababa de pintar su primer cuadro abstracto, este libro es uno de los textos teoricos imprescindibles que cambiaron el curso del arte moderno. Wasili Vasilievich Kandinski (1866-1944) fue un pintor ruso, teorico del arte y precursor del arte abstracto. Estudio Derecho y Economia, y a partir de los 30 años se dedico en exclusiva a su pasion: la pintura. Estudio en Academia de Bellas Artes de Munich. Enseño en la escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde el año 1922 hasta que el regimen nazi la clausuro. Entonces se traslado a Francia, donde creo algunas de sus mejores obras.ECUERDA:a obra fundamental de uno de los grandes genios de la pintura

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Un libro literalmente deslumbrador. David Hockney estaría de acuerdo con Jean Dubuffet cuando dice que el arte es tan necesario como el pan para los seres humanos. Sin el pan, dice Dubuffet, se mueren de hambre; sin el arte, se mueren de tedio.Antonio Muñoz Molina, Babelia, El PaisLa historia de las imagenes se inicia en las cavernas y finaliza, por ahora, en la pantalla del ordenador. ¿Quien sabe hacia donde ira en el futuro? No obstante, el desafio sigue siendo el mismo: como representar el mundo tridimensional sobre una superficie de dos dimensiones.David HockneyCon la experiencia y el entusiasmo de toda una vida dedicada a pintar, a dibujar y a crear imagenes con camaras, David Hockney ;en una estimulante conversacion con el critico de arte Martin Gayford; explora como y por que se han creado las imagenes a lo largo de los milenios. Con la yuxtaposicion de una rica variedad de imagenes, los autores cruzan las habituales fronteras entre la cultura elevada y el entretenimiento popular y establecen unas relaciones inesperadas a traves del tiempo y de los diferentes medios. Con un capitulo final revisado donde figuran algunas de las ultimas obras de Hockney, este libro tan elogiado por la critica nos dara pie a ver esos cuadros que ya conocemos como si los contemplaramos por primera vez.

¿Cómo proteger el don de la creatividad en un mundo dominado por el espíritu mercantil donde todo se monetiza? ¿Cómo convencernos y convencer a los demás de que el provecho de la literatura, del arte, de la musica esta o deberia estar en las antipodas de lo que nuestra sociedad considera util cuando, en esa restrictiva vision de las cosas, la utilidad va tan asociada al pragmatismo, al consumismo, a los reditos materiales del aqui y ahora? A diferencia del dinero, la imaginacion se multiplica cuanto mas se derrocha, cuanto mas se comparte. Precisamente en una epoca en la que ?parafraseando a Oscar Wilde? se conoce el precio de todo y el valor de nada, salvaguardar la pureza del gesto creador de todos los condicionamientos espurios ajenos al arte es salvaguardar nuestra dignidad como especie, salvar nuestra alma ?entendida como vinculo colectivo, no como ego? de la destructiva voracidad capitalista. Y eso, sin duda, es algo que no tiene precio. Desde que se publico hace cuarenta años, El don se ha convertido en un clasico inapelable que ha influido hondamente en figuras de la talla de David Foster Wallace, Bill Viola o Margaret Atwood. Echando mano de la antropologia, la sociologia, los cuentos de hadas y la poesia de Walt Whitman y Ezra Pound, Lewis Hyde construye una obra capital, sutil, transformado...

Si María Gainza ya es conocida para el lector español, lo es por el reciente exito de su fascinante 'El nervio óptico' (Anagrama, 2017), pero en Argentina llevaba ya toda una vida de escritura de textos sobre arte, con ese estilo suyo tan singular, intrigante y poco academico. En este libro se reunen mas de treinta de sus preciosas piezas sobre artistas, ineditas hasta ahora en España. "Sus puntos de partida son exhibiciones, pero estas se transforman de inmediato en algo mas amplio: en un termometro cultural. Es una de las lecciones ¿acaso involuntarias? de este libro: todas las obras conviven en un mismo momento, en un mismo horizonte, formando un gran mosaico de esteticas que se potencian incluso molestandose o ignorandose. Sin notas al pie, sin un pesado cumulo de bibliografias que vengan a sostener un aparato critico, agradecemos que aun existan quienes posean tal maestria en la elipsis." (Del prologo de Rafael Cippolini)

Una evocadora reflexió del poeta i dramaturg Rainer Maria Rilke sobre la naturalesa humana i l'art on entre compassos s'endevinen les notes d'una reveladora melodia. Des de les escenes sacres de pintors italians, transita per paisatges agrestes on reposen

En línea con la tradición de Susan Sontag y Elaine Scarry, Maggie Nelson se ha convertido en una de las principales críticas culturales con este ensayo sobre las representaciones de la crueldad y la violencia en el arte. Desde la poesia de Sylvia Plath hasta las pinturas de Francis Bacon, desde la franquicia de Saw hasta las performances de Yoko Ono o Marina Abramovic, desde el teatro de Antonin Artaud hasta las instalaciones de Santiago Sierra o Ana Mendieta, el sutil recorrido de Nelson a traves del paisaje artistico ofrece un modelo de como unas ferreas convicciones eticas se pueden conjugar con una defensa igualmente vigorosa del arte que pone a prueba los limites del buen gusto, el tabu y lo tolerable.

Estética y teoría del arte son disciplinas –y actividades– que desarrollan su marco teórico en el Siglo de las Luces, en estrecho contacto con la historia y la crítica de arte, con la progresiva difu

El desarrollo de la estética y las teorías del arte en el siglo XX adquiere una fisonomía directamente condicionada por la evolucion de los movimeintos artísticos y literarios. Siendo habitual que las ideas esteticas respondan a los problemas planteados por las obras, su recepcion e interpretacion, es rasgo propio de nuestro siglo el creciente interes de los creadores, artistas, poetas, etc., por la reflexion sobre su propia actividad. El panorama que ofrece la estetica del siglo XX se ha enriquecido con experiencias inseperadas y ha puesto en juego contribuciones desde muy diferentes perspectivas teoricas y metodologicas. El papel jugado por las vanguardias debe articuarlse con el auge de los estudios disciclinares y la evolucion de la critica. Todo ello, sin olvidar la respuesta social, su incidencia en el mundo cotidiano y en las interpretaciones, individuales o colectivas, de esa cotidianidad.

En estas páginas estoy recorriendo, recordando y dialogando, mi visita a la muestra retrospectiva de Francis Bacon que el Museo del Prado realizó con motivo del centenario de su nacimiento. Después de atravesarla más de una vez, muchas veces, e invirtiendo el orden histórico, pasé a otras de las muestras exhibidas en las salas del Prado: Entre dioses y hombres, sugerente y algo pretencioso nombre de la colección de obras del Mueso Albertinum de Dresde». De este choque estético e inesperado Hugo Mújica reflexiona sobre las distintas formas de mirar que ha desarrollado Occidente, sobre «lo uno y lo múltiple, la identidad y la diferencia, la luz y la sombra, la pasión y la razón, la carne y el espíritu".

Dedicarse a la creación artística no es tarea fácil. A menos que seas un genio -y los genios nacen cada cien años- hacer arte es una auténtica carrera de obstáculos en la que la realidad y tú mismo se interponen en el camino. Tener talento, pasar de la imaginacion a la obra, contar con la aprobacion de los demas, mantener habitos de trabajo, ganarse la vida. Los miedos y situaciones propios de la vida del artista son muchos y cotidianos, y estas paginas los repasan a traves de breves pildoras reflexivas que desactivaran tus bloqueos y pudores.Desde su propia experiencia como artistas, David Bayles y Ted Orland te ofrecen esta serie de reparadoras y estimulantes sesiones de terapia. Con ellas, por fin, podras hacer arte sin miedo a los peligros (y las recompensas) del mundo real.

Goethe llegó al color desde el arte. Su inquietud por los efectos cromáticos como recurso artístico lo llevó a indagar incansablemente en el enigma del color y culminó en la elaboración de uno de los tratados cientificos mas importantes de la teoria del color que rebatia los postulados previos del mismisimo Newton.Este libro recoge las laminas con las que ilustro su teoria y las explicaciones que las acompañaron. Complejo y apasionante a la vez, el texto deja entrever las tensiones latentes entre sujeto y objeto, realidad y representacion, arte y ciencia, y las innumerables dicotomias que estimularon el pensamiento y la obra del autor aleman a lo largo de toda su vida.El libro se cierra con un epilogo de Jurgen Teller que detalla los viajes y episodios vitales que explican el transito de Goethe de lo poetico a lo cientifico en su teoria de los colores.

Nadie mejor que uno de los miembros de los Monty Python para arrojar luz sobre los entresijos de la creatividad.En esta pequeña guía, el actor y cómico británico John Cleese se basa en su experiencia para contarnos, de un modo practico y con el humor que le caracteriza, como generar las circunstancias adecuadas para darle espacio a nuestro genio creativo. ¿Como podemos llegar al estado de animo que necesitamos para crear? ¿Como saber si nuestra idea es suficientemente buena y merece la pena seguirla? ¿Que hacer si nos topamos con un muro que parece insalvable? Ante todas estas cuestiones, John Cleese nos ofrece un sinfin de consejos tan utiles como originales, a la vez que nos desvela cual es el funcionamiento de la mente en los momentos en los que tratamos de buscar la inspiracion.Una oportunidad unica de aprender sobre la creatividad de la mano de un gran maestro.

En una acepción un tanto indeterminada, casi siempre coincide con lo angustiante en general. Sin embargo, podemos suponer que el uso del término específico –lo siniestro– sirve para denotar un núcleo

En Elogio de la fragilidad, Gustavo Martín Garzo reúne textos breves en los que nos habla de las obras y los creadores que le han fascinado y en los que reivindica la necesidad del arte en nuestra vida. Se habla en estos textos de la lectura como acto de creacion, tal vez el mas intimo e imprevisible que existe. No se lee esperando obtener una respuesta a la pregunta de quienes somos, sino para ver que nos pasa, en que nos transformamos. La pregunta que el lector le hace al libro es la pregunta de la ratita del cuento: ''¿Que me haras por las noches?'' Leer un libro es caer, como Alicia, por el hueco de un arbol y aprender a amar las preguntas, antes de estar en disposicion de contestarlas. Conformarse con ''la mitad del conocimiento''. Solo quien lo hace, y no busca una explicacion inmediata a lo que le sucede, puede sentarse a tomar el te con el Sombrerero y la Liebre de Marzo sin que le importe en exceso no entender gran cosa de lo que oye. Leer es descubrir, como se dice en El gran Gatsby, que ''la roca del mundo esta solidamente asentada sobre las alas de un hada''. Eso son los libros, algo parecido a las moradas de la mistica, a los castillos flotantes de las novelas de caballerias o a los bosques en que se refugian los amantes en las leyendas medievales. Un puente entre el mundo del sueño y las cosas reales. El arbol de cuyos frutos se atrevieron a comer nuestros primeros padres, era un arbol de palabras. Y el lector no es sino ese ''baron rampante'' que, viviendo entre sus hojas, se alimenta de sus frutos intangibles.En Elogio de la fragilidad, Gustavo Martín Garzo reúne textos breves en los que nos habla de las obras y los creadores que le han fascinado y en los que reivindica la necesidad del arte en nuestra vida. Se habla en estos textos de la lectura como acto de creacion, tal vez el mas intimo e imprevisible que existe. No se lee esperando obtener una respuesta a la pregunta de quienes somos, sino para ver que nos pasa, en que nos transformamos. La pregunta que el lector le hace al libro es la pregunta de la ratita del cuento: ''¿Que me haras por las noches?'' Leer un libro es caer, como Alicia, por el hueco de un arbol y aprender a amar las preguntas, antes de estar en disposicion de contestarlas. Conformarse con ''la mitad del conocimiento''. Solo quien lo hace, y no busca una explicacion inmediata a lo que le sucede, puede sentarse a tomar el te con el Sombrerero y la Liebre de Marzo sin que le importe en exceso no entender gran cosa de lo que oye. Leer es descubrir, como se dice en El gran Gatsby, que ''la roca del mundo esta solidamente asentada sobre las alas de un hada''. Eso son los libros, algo parecido a las moradas de la mistica, a los castillos flotantes de las novelas de caballerias o a los bosques en que se refugian los amantes en las leyendas medievales. Un puente entre el mundo del sueño y las cosas reales. El arbol de cuyos frutos se atrevieron a comer nuestros primeros padres, era un arbol de palabras. Y el lector no es sino ese ''baron rampante'' que, viviendo entre sus hojas, se alimenta de sus frutos intangibles.

Cautivador, entretenido y un poco controvertido, El arte como terapia contiene 150 ejemplos de obras maestras del arte, el diseño y la arquitectura distribuidos en capítulos sobre el Amor, el Dinero y la Politica que nos enseñan como el arte puede ayudarnos con las dificultades diarias en nuestras relaciones, en la busqueda de la felicidad y en como hacer las paces con la idea de nuestra propia mortalidad.Este libro busca la forma de desarrollar un mejor conocimiento del arte y de nosotros mismos. Tras su lectura, miraremos a las obras de arte desde otra perspectiva que nos hara disfrutarlas mas.

El presente relee al pasado. Es desde el hoy desde donde se revisan los sistemas que organizan las series históricas. Es la mirada contemporánea la que redescubre aspectos de otros tiempos que hasta ahora habian quedado ocluidos. A la luz de estas afirmaciones que se derivan del texto de Malraux, cabe preguntarse por que editar hoy este libro. Vivimos en un mundo inmerso en el flujo infinito de imagenes sin control aparente. Es esta condicion la que reactiva el texto de Malraux, no solo por lo que obviamente podria ser advertido como un "antecedente" sino -y avanzando un poco sobre los mismos presupuestos que subyacen en este libro- por esa cuestion del fluir del pasado en el presente.

Laing ofrece una investigación eléctrica y deslumbrante sobre lo que significa estar solo. Humano, provocativo y conmovedor, este libro nos habla sobre los espacios que unen a las personas y las co

Una filosofía del arte como la que aquí se expone pretende lo siguiente: al hilo de ejemplos escogidos, debe exponerse cómo la filosofía ha ido reaccionando en el curso del tiempo al fenómeno del arte moderno, con que conceptos, categorias y nociones sistematicas se ha enfrentado a este fenomeno. Asi pues, lo que aguarda a las lectoras y los lectores es el intento de exponer y poner en relacion mutua posiciones filosoficas respecto del arte seleccionadas, tal como parecen interesantes o relevantes sobre todo en relacion con el desarrollo de una modernidad estetica. Un criterio ha sido tratar sobre todo los fundamentos del discurso estetico de la modernidad tal como se crearon en el siglo XIX; otro, no dejarse influenciar demasiado por coyunturas a la moda, pero sin perder de vista los problemas del presente. En lo esencial, los apartados particulares estan ordenados historicamente, con lo que el fenomeno del arte moderno y su relacion con la religion, la sociedad, la naturaleza y la tecnica es iluminado desde diversas perspectivas, bajo distintos presupuestos y con valoraciones a menudo opuestas.