Libros de Teoría y crítica de arte, página 8 de 207

The second title in a new series elevates your skills in composition and narrative with guidance from established world-class artists. As an established authority on art and design with a growing stable of high-calibre artistauthors, 3dtotal Publishing is uniquely placed to produce Artists Master Series. Launched in 2021 with Artists Master Series: Color & Light, the second volume in this exciting new series takes another deep dive into key areas of art theory, this time spotlighting composition and narrative. No matter what medium you work in, this combination can be the driving force that elevates art from good to world-class. This book takes these fundamentals and pushes them to an advanced level of understanding and application. To achieve this ambitious brief, a select few, hugely popular industry experts reveal how they plan and execute these techniques. Their in-depth illustrated advice, detailed step-by-step tutorials, enlightening case studies, and awe-inspiring inspiration provide a distinctive and invaluable blend of professional-grade techniques that cant be found anywhere else. For artists and designers aiming to raise their game to expert level, the Artists Masters Series is the key to success.

A lo largo del libro se produce un movimiento cíclico que comienza y termina con el archivo familiar de los de Waal, haciendo un repaso por muchos textos publicados en libros y revistas ya descatalogadas y de imposible acceso para el lector. El libro comienza en Odessa en 2009 y termina en Paris en 2021, entre medias aparecen las respuestas a los archivos de poetas, artistas y lugares que Edmund de Waal ama.

¿Com exercir l& x02019;escriptura com una força cosmica mes? ¿Com procurar-se un discurs en el qual, mes enlla de les personals, hi dominin causes territorials o climatiques? ¿Com accedir a una escriptura de la materia o compartida amb la materia, que doni alEternatives i camp a la nostra creacio tan cansadament humana?

Breu tractat sobre filosofia de la pintura xinesa escrit a principis del segle XVIII. Shitao presenta lactitud espiritual que el pintor ha de tenir a lhora dexecutar el seu art, de manera que lartista, pintant, aconsegueixi la comunio amb lunivers i amb ell mateix. El llibre conte una vintena de quadres de lautor a color, a linici de cada capitol. Manel Olle nha escrit un extens proleg que situa lautor i explica els conceptes principals de la pintura xinesa, allunyats de la percepcio de la pictorica occidental. Un llibre de lectura senzilla pero profunda, escrit en prosa retallada bellesa que atrapa qualsevol tipus de lector, encara que no conegui la tematica.

La colección EX(it)LIBRIS publica su octavo título, una traducción de Lo curatorial, un título fundamental, a la par que reciente, de la historiadora del arte, comisaria y escritora Beatrice von Bismarck. En esta primera traduccion al español de su trabajo, von Bismark incide en sus investigaciones alrededor de la practica curatorial, el enfasis en el proceso, las relaciones entre los participantes humanos y no humanos y los formatos de presentacion de la exposicion. Lo curatorial trata sobre un campo de accion relacionado con los procesos mediante los cuales el arte y la cultura devienen publicos. A pesar de la creciente importancia que la actividad curatorial ha experimentado en las ultimas decadas, sigue pendiente la elaboracion de una definicion que designe sus caracteristicas estructurales y justifique su significativa relevancia social. Partiendo de cuatro terminos ??curatorialidad?, ?constelacion?, ?transposicion? y ?hospitalidad??, Beatrice von Bismarck describe lo curatorial como un contexto en el que la practica y la produccion de sentido tienen lugar siguiendo unas condiciones, reglas y procedimientos propios. Dejando atras algunas nociones controvertidas, como las de comisario o comisaria, comisariado y exposicion, este libro se centra en las relaciones que establece lo curatorial, relaciones que, a su vez, lo constituyen.

Meister Mathis, Mathis Gru& 776;n de Eisenach, Mathis Godhart (o Gothardt) Nithart (o Nithardt), Matthias Gru& 776;newald, el pintor (y también, quizá, el ingeniero, el fabricante de jabones,

La pintura, del mismo modo que la literatura y el cine, fue otra de las artes que no escapó del implacable genio –creativo y crítico– de Pier Paolo Pasolini. Su inquietud pictórica, acaso una de sus

Copy Machine Manifestos recoge como nunca antes la rica historia de los fanzines de artistas, situándolos en el linaje de las artes visuales y explorando su vibrante crecimiento a lo largo de las últimas cinco decadas. Completamente ilustrado con cientos de portadas e interiores de fanzines, junto con obras realizadas en otros medios, como pintura, fotografia, cine, video y performance, el libro tambien incluye breves biografias de mas de 100 creadores de fanzines, como Beverly Buchanan, Mark Gonzales, G.B. Jones, Miranda July, Bruce LaBruce, Terence Koh, LTTR, Ari Marcopoulos, Mark Morrisroe, Raymond Pettibon, Brontez Purnell, Paul Mpagi Sepuya y Kandis Williams. Como complemento de una importante exposicion en el Museo de Brooklyn, este extenso libro, encuadernado en rustica con sobrecubierta aparte, se centra en los fanzines de Norteamerica y celebra como los artistas han aprovechado el papel esencial de este medio en la creacion de comunidades y la transformacion de los enfoques materiales y conceptuales de la creacion artistica en todos los medios desde 1970.Con contribuciones de: Gwen Allen, Julia Bryan-Wilson, Tavia Nyong''o, Alexis Salas y Mimi Thi Nguyen.

Tras la buena acogida de sus dos libros anteriores, Mierda y catástrofe (2014) y Estética de la crueldad (2019), Fernando Castro Flórez, en este nuevo ensayo, revisita el libro (Pierre Boulle) y la pelicula (Franklin Schaffner) El planeta de los simios (1968), desde los que lee alegoricamente estos tiempos pospandemicos. Sin duda, las paginas de Sin escapatoria del Planeta de los simios estan agitadas por el desasosiego, en un momento de colapso planetario, cuando todos tuvimos que parar.

En la obra de Walter Benjamin, fundamental para comprender el siglo EE, destaca esta breve pero contundente reflexión en torno al objeto artístico y la comunicación de masas. Sostiene aquí el pensador que, con las nuevas posibilidades tecnicas para su reproduccion, el arte puede transformarse en un poderoso instrumento para la revolucion politica. Una innovacion que, a la vez, hara que la obra pierda su caracter unico, el "aura", y abrira, asi, una nueva dimension para el objeto artistico. Un texto fundamental en torno al arte, la reflexion estetica y la filosofia de la imagen.

¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolitico hasta el arte contemporaneo, los simbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artistica se reduce a una contemplacion superficial. En un mundo saturado de imagenes, hemos perdido la capacidad de leer los simbolos que dan profundidad al arte. Esta guia esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.

Prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte.Robert Walser fue introducido por su hermano, el pintor Karl Walser, en el mundo del arte de Berlín,aunque también escribio sobre pintura despues de su etapa berlinesa y visito exposiciones en Berna y en Zurich. Asi surgieron prosas y poemas dispersos que conforman una especie de historia personal del arte: en unas ocasiones Walser se enfrenta a un cuadro de manera imaginativamente narrativa, pero en otras responde con un ensayo estricto o con una glosa mas ludica. Walser nunca se muestra academico, pues el considera que el arte es el reino incuestionable de la libertad.Los cuadros de Tiziano, Rembrandt, Van Gogh, Renoir y Cezanne, entre otros, a los que se refieren los textos de Walser estan reproducidos en color en esta edicion.

Sabemos por su relato "El niño en la casa" (1878) que Walter Pater (1839-1894) llevó una vida retirada, más contemplativa que activa, pero de una "contemplación apasionada". Con la misma pasión diáfana por el arte que Ruskin, compuso sus influyentes estudios sobre el Renacimiento. Pensaba que el hombre moderno no debia estar atado a epoca alguna y, eclectico por naturaleza, entendio mejor la piedad que la fe. No creyo en el fruto de la experiencia estetica, pues opinaba que la experiencia misma era un fin. Existe un equilibrio en todas sus paginas, afin a la belleza y a la ascesis, y su estilo transmite un cansancio encantador. Para Oscar Wilde, fue "el mejor maestro de la prosa inglesa" de su tiempo. La serie de ensayos que Pater reunio bajo el titulo de "Apreciaciones" (1889), que abarca desde los reyes ingleses de Shakespeare hasta los poetas romanticos, puede leerse como una consumacion de su ideal de amplitud y serenidad de la vision. En ella encontramos un discurrir textual tan erudito como elegante, fruto de una comprension profunda de las diferencias entre las sucesivas epocas historicas del arte occidental, que nos invita a extraer lo mejor de cada una de ellas.

Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundio masivamente entre 1650 y 1790, convirtiendose en un simbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y America Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y tecnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen mas reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un "icono revelado". La exposicion y el catalogo que la acompaña exploran su circulacion en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusion. Presenta unas 70 obras, la mayoria provenientes de España y Mexico, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catalogo, que se abre con una introduccion a cargo de los dos comisarios de la exposicion, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad Nacional Autonoma de Mexico, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropologia e Historia de Mexico, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El icono moderno ante la era del arte (Javier Portus), Tipologia figural, construccion visual y articulacion devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gomez y Angelika Garcia Manso), La Virgen de Guadalupe de Mexico y de como los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocio Bruquetas Galan), Agentes, dinamicas y espacios de la recepcion guadalupana en España (Francisco Montes Gonzalez) y La Virgen, los señores indianos mexicanos y el rey catolico (Ivan Escamilla Gonzalez). El libro se cierra con una bibliografia y un indice antroponimico y de obras reproducidas.A la venta en Tienda Prado y en la web www.tiendaprado.comFecha de publicacion: 10 de junio de 2025304 paginasMedidas: 21,5 x 27 cmEncuadernacion: tapa duraIdioma: castellanoISBN: 978-84-8480-632-5Precio: 32 Edicion a cargo de Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad Nacional Autonoma de Mexico e investigador del Instituto de Investigaciones Esteticas de Mexico, y Paula Mues Orts, profesora de la Escuela Nacional de Conservacion, Restauracion y Museografia del Instituto Nacional de Antropologia e Historia de Mexico.

Publicada por primera vez en Florencia en 1550, Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos, de Giorgio Vasari, se considera la obra inaugural de la Historia del arte y la fuente escrita indispensable para quien quiera acercarse al arte del Renacimiento italiano y a sus protagonistas. Vasari, el mismo pintor y arquitecto, no solo nos ofrece en ellas el relato de las biografias de los mas celebres artistas del Renacimiento italiano, sino que tambien analiza con detenimiento las tecnicas artisticas y el vocabulario tecnico y teorico especifico.Se han incluido en esta antologia la introduccion, los proemios a cada una de las partes de las obra y las vidas de los artistas mas conocidos entre el publico (Miguel Angel, Rafael, Leonardo, Piero della Francesca, Sandro Boticelli, Giotto, etc.). Se trata, ademas, de una edicion critica guiada por la voluntad de facilitar al lector la comprension de las obras, los terminos artisticos y los datos historicos que aparecen en el texto vasariano.

¿Hasta que punto podemos comparar la investigación artística con la investigación científica? Durante mucho tiempo los historiadores han trazado una clara separación entre estas dos investigaciones, pero el desarrollo del arte contemporaneo ha creado una situacion diferente al declarar su condicion de "investigacion". Vilar analiza los distintos tipos de investigacion, sus bases, funciones, efectos y establece una relacion que, no por problematica, es menos importante. De este modo se abre un nuevo horizonte para la reflexion estetica e historiografica, para la utilizacion de nuevos materiales y tecnicas, funciones originales, asi como para la comprension de la naturaleza y el alcance del arte actual.

Didi Huberman se inclina sobre el gesto de llorar a nuestros muertos y la potencia de ese gesto para hacer de las lágrimas, neustras pobres y furibundas lágrimas, el origen de una sublevación

La crítica es, posiblemente, el modo de pensamiento característico de la modernidad. Conecta la construcción de artefactos culturales -artísticos o literarios- con el campo de los saberes y con el debate publico. Se puede afirmar que lo que hoy reconocemos como "ambito de la cultura" surge en gran medida como consecuencia de la trama de analisis, juicios y posicionamientos desarrollados por la critica y diseminados en debates, revistas, libros y otros medios de comunicacion.

La presente edición recoge los textos que Ruskin dedicó al tema de lo grotesco. Lo grotesco se percibe en el estilo y lenguaje de las obras artísticas, pero no es solo una cuestión de estilo y lenguaje. La profunda novedad de Ruskin surge en el analisis d

A principios del siglo XVII surgieron en Europa las cartillas de dibujo, unos materiales pedagógicos que revolucionaron la metodología tradicional de la enseñanza de esta disciplina, permitiendo a artistas, aficionados y particulares progresar sin la presencia de un maestro, sobre todo en la representacion del cuerpo humano. Su principal novedad radicaba en el empleo del grabado: a partir de esquematizaciones, proporciones o lineas de contornos y sombreados, y mediante la copia directa y repetitiva, el alumno asimilaba un metodo, una manera y un estilo determinados, memorizando sus gestos y mejorando su destreza.La exposicion a la que acompaña este catalogo destaca los ejemplos españoles de los siglos XVII-XIX y los situa en el contexto europeo. Aunque su numero fue reducido, su interes resulta excepcional, pues desde el principio destacaron por su caracter autoctono y, en ocasiones, novedoso. Junto a artistas como Villafranca, Garcia Hidalgo y Lopez Enguidanos descuella Ribera, que ya en 1622 habia comenzado a estampar lo que parecia iba a ser su propia cartilla y que no se publico hasta decadas despues.