Libros de Teoría y crítica de arte, página 8 de 204

Premio Formentor 2021 Dos lúcidos y locuaces ensayos que abordan el proceso de creación artística en el campo de la literatura y de las artes visuales, así como el lenguaje que se esconde detrás de las piezas de museo. Premio Iberoamericano de Narrativa Manuel Rojas 2016. Los dos ensayos que integran este volumen fueron escritos con una decada de diferencia. Sobre el arte contemporaneo es la alocucion con la que Cesar Aira inauguro el congreso Artescritura, que tuvo lugar en Madrid en 2010 y que se proponia como objetivo superar la brecha que separa a escritores y a artistas visuales. En La Habana, en cambio, parte de un recorrido por la casa museo del escritor Lezama Lima, realizado durante una visita a Cuba en el año 2000, y desemboca en una cronica del viaje por los museos de la ciudad y los objetos que alli se exponen. Estos dos imponentes textos de uno de los autores clave de las letras hispanas vuelven a incidir en algunos de los temas predilectos de Aira: la relacion entre arte y literatura, el proceso de creacion, el arte de lo incompleto y, en definitiva, la veracidad de la escritura.

¿Cuál es el poder de los colores? ¿Cómo actúan sobre nuestra conciencia profunda? ¿Cuál es la situación creativa del hombre en nuestra sociedad actual? Kandinsky contempla la vida espiritual de la humanidad como una piramide, y el artista debe conducir al profano hasta la cima de esta piramide a traves del ejercicio conmovedor del arte. De lo espiritual en el arte es, ante todo, la respuesta personal de un gran artista ante las dificultades de su oficio y la necesidad de perfilar un esquema teorico en el cual apoyarse. Escrito en el año 1910, cuando Kandinsky justo acababa de pintar su primer cuadro abstracto, este libro es uno de los textos teoricos imprescindibles que cambiaron el curso del arte moderno. Wasili Vasilievich Kandinski (1866-1944) fue un pintor ruso, teorico del arte y precursor del arte abstracto. Estudio Derecho y Economia, y a partir de los 30 años se dedico en exclusiva a su pasion: la pintura. Estudio en Academia de Bellas Artes de Munich. Enseño en la escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde el año 1922 hasta que el regimen nazi la clausuro. Entonces se traslado a Francia, donde creo algunas de sus mejores obras.ECUERDA:a obra fundamental de uno de los grandes genios de la pintura

.

Si María Gainza ya es conocida para el lector español, lo es por el reciente exito de su fascinante 'El nervio óptico' (Anagrama, 2017), pero en Argentina llevaba ya toda una vida de escritura de textos sobre arte, con ese estilo suyo tan singular, intrigante y poco academico. En este libro se reunen mas de treinta de sus preciosas piezas sobre artistas, ineditas hasta ahora en España. "Sus puntos de partida son exhibiciones, pero estas se transforman de inmediato en algo mas amplio: en un termometro cultural. Es una de las lecciones ¿acaso involuntarias? de este libro: todas las obras conviven en un mismo momento, en un mismo horizonte, formando un gran mosaico de esteticas que se potencian incluso molestandose o ignorandose. Sin notas al pie, sin un pesado cumulo de bibliografias que vengan a sostener un aparato critico, agradecemos que aun existan quienes posean tal maestria en la elipsis." (Del prologo de Rafael Cippolini)

Este libro es un ensayo de fenomenología y de antropología –y hasta una poetica– de los gestos de levantamiento. Interroga a los cuerpos con la psique a traves del vínculo profundo, paradójico, diale

Estética y teoría del arte son disciplinas –y actividades– que desarrollan su marco teórico en el Siglo de las Luces, en estrecho contacto con la historia y la crítica de arte, con la progresiva difu

El desarrollo de la estética y las teorías del arte en el siglo XX adquiere una fisonomía directamente condicionada por la evolucion de los movimeintos artísticos y literarios. Siendo habitual que las ideas esteticas respondan a los problemas planteados por las obras, su recepcion e interpretacion, es rasgo propio de nuestro siglo el creciente interes de los creadores, artistas, poetas, etc., por la reflexion sobre su propia actividad. El panorama que ofrece la estetica del siglo XX se ha enriquecido con experiencias inseperadas y ha puesto en juego contribuciones desde muy diferentes perspectivas teoricas y metodologicas. El papel jugado por las vanguardias debe articuarlse con el auge de los estudios disciclinares y la evolucion de la critica. Todo ello, sin olvidar la respuesta social, su incidencia en el mundo cotidiano y en las interpretaciones, individuales o colectivas, de esa cotidianidad.

Este libro se ha convertido ya en una obra clásica para innumerables estudiosos, sobre todo por su reflexión filosófica sobre las diferentes teorías de la educación. El texto plantea una visión progresista de las relaciones entre las didacticas generales, diferenciales y especificas y, a traves de una impresionante acumulacion de datos, establece una minuciosa sintesis tanto de teorias autorales como de modelos educativos. Una abundante documentacion asi como un alto grado de reflexion lo convierten, junto a los demas aspectos citados, en lectura basica para todos los estudiantes de educacion, arte y filosofia. El libro incluye ilustraciones en blanco y negro y color, asi como un prologo del autora esta primera edicion en lengua española. Elliot W. Eisner participo en el Proyecto Kattering de la Universidad de Stanford, que se propuso definir los ambitos de la enseñanza y el aprendizaje del arte: una definicion de caracter epistemologico que situo la educacion artistica como disciplina estructurada dentro de unos campos del saber, con unos objetivos, contenidos y metodologias coherentes, basados en las diferentes ciencias del arte, la estetica y la comunicacion.

Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho creativo.Vivimos en el ruido del mundo, pero necesitamos antidotos frente a la saturacion visual: nuestra mirada ha de ser capaz de alcanzar espacios de silencio. Tras su ensayo Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada, Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho creativo.Vivimos en el ruido del mundo, pero necesitamos antidotos frente a la saturacion visual: nuestra mirada ha de ser capaz de alcanzar espacios de silencio. Tras su ensayo Todas las pantallas encendidas. Hacia una resistencia creativa de la mirada, Antón Patiño traza una teoría de la imagen sensible y nos ofrece este Manifiesto de la mirada para hacer de nuestra vida una obra de arte. Así, centrándose en la imagen y la mirada, nos describe las claves de los procesos y resortes emocionales que configuran el hecho crea...

CAJA NEGRA 2019 Rústica Nuevo Nuevo

Para dar cabida a las exposiciones y a las curadoras que han cambiado el devenir de la práctica artística, desde su investigación y su producción hasta su recepción, hacía falta un segundo volumen. Curaduria de Latinoamerica es el resultado de varios años

Estamos ante la guerra cultural más virulenta de todas, la que se libra en un museo del siglo XIX, gestionado por personas del XX para un público del XXI. El Prado es aún, doscientos años después, una institucion en la que se silencia a la mujer artista, se ignora a las visitantes y se defiende un pensamiento de genero (raza y clase) que justifica la dominacion de un sexo sobre el otro. Esta no es una historia del arte tradicional, es una guia compuesta por ausencias, vejaciones, eufemismos, silencios o tergiversaciones hacen desaparecer a la mitad de la poblacion, sala tras sala, con una violencia soterrada y a la vista. Tambien es una historia contra la ceguera, contra el mito y contra los genios, un relato sobre las condiciones politicas y sociales que determinan la creacion artistica.

Según la Biblia hebrea, Lilith fue la primera mujer que Dios quiso darle como compañera a Adán, y la hizo, a semejanza de él, del polvo de la tierra. Y Lilith, viéndose su igual, se rebeló un día ante sus constantes exigencias y lo abandono. Huyo a los espacios y tuvo amores con diversos demonios: fue la primera mujer liberada de la historia de la humanidad. Fue la primera "femme fatale".El proposito de este libro es averiguar las causas por las que en el ultimo tercio del siglo XIX surgieron del pincel de tantos artistas no solo desagradables, sino infames, imagenes femeninas. ¿Cuales fueron las razones del surgimiento de aquel relato visual que complacia a los hombres y desagradaba a las mujeres? Evidentemente habia un origen en toda esta iconografia. El principal fue el nuevo despertar de la conciencia en la mujer de su papel secundario en el mundo y, como consecuencia, su protesta formalizada en los primeros y categoricos movimientos de las sufragistas. La sociedad patriarcal observaba alarmada que le surgia una inesperada competidora, insospechada, debido al sometimiento al que, ancestralmente, la habia marginado.Para confirmar la perfidia de la mujer, los artistas de la epoca ofrecieron ominosas epresentaciones de ella, sin darse cuenta de que al mismo tiempo ponian de relieve su miedo y deseo. Para ratificar su denuncia incluso acudieron a imagenes religiosas que corroboraran la maldad innata del ser femenino. Es asi como recobraron, entre otras, la figura de Lilith.

El contenido del libro se presenta en dos grandes periodos, una primera etapa desde los comienzos de la historia hasta mediados del siglo xx, un largo tiempo que se traduce en el lento despertar de la conciencia valorativa de los Bienes heredados. La segunda etapa, que se ocupa de la vision del Patrimonio desde la segunda mitad del siglo pasado hasta nuestros dias, se caracteriza por el amplio abanico de Bienes y con ellos los problemas derivados de su preservacion.

Desde el colapso en los tempranos años ochenta del régimen de acumulación fordista, es imposible no advertir una amplia transformación en la estructura social, física y demográfica de muchas metrópolis occidentales. La especulacion inmobiliaria, la tercerizacion de la produccion industrial y los monopolios de los sectores financiero y tecnologico dejaron como huella ruina y abandono y la conversion de barrios de clase trabajadora y centros industriales en talleres de artistas y areas de consumo. Mientras todos estos procesos convergen en atractivas formas para producir una apariencia de prosperidad economica, la precarizacion del trabajo y el desempleo cronico son datos subyacentes pero inequivocos del paisaje urbano contemporaneo.En este conjunto de ensayos, la artista y critica Martha Rosler analiza el rol de las artes visuales como activo estrategico instrumentalizado por los gobiernos municipales para la creacion de valor inmobiliario y la invencion de nuevos patrones de consumo basados en la comodificacion de la cultura. Ciclovias, cervecerias artesanales, la promocion de barrios "emergentes", la proliferacion de festivales patrocinados por bancos y fundaciones, el auge de las bienales como estrategia para insertar a una ciudad en el circuito internacional del arte y la construccion de centros culturales resplandecientes son algunas de las figuras recurrentes con las que los planificadores urbanos construyen un "marketing del estilo de vida" y diseñan una ideologia de la creatividad al servicio de la gentrificacion capitalista. Con un repertorio de referencias variadas, que incluye desde el trabajo teorico de los gurues del management urbano hasta la diseccion situacionista del rol de la cultura visual en el capitalismo y la teoria del trabajo inmaterial del postoperaismo italiano, estos textos proveen la materia prima fundamental para comprender las nuevas formas que adopta la lucha de clases en la ciudad postindustrial, y para poner en cuestion las complicidades de la comunidad artistica con los nuevos regimenes de consumo.

Charles Baudelaire, bardo indiscutible de la modernidad artística del siglo XIX, azotado por una vida de privaciones, tormentos e inadaptación física y existencial muere el 31 de agosto de 1867. Entre sus múltiples obras (poesía, prosa, crítica literaria y artística, periodismo) son muchas las contribuciones en las que se destacan temas centrales de la cultura del siglo XIX. Y si la modernidad deviene, en las mismas definiciones del autor, un territorio ambiguo y poco sujeto a atribuciones categóricas, se puede considerar la ciudad -y más específicamente París, la gran capital de la segunda mitad del siglo XIX-, como una de sus manifestaciones más llamativas y contradictorias.

En este libro la autora desarrolla una nueva estética. A partir de ejemplos del arte de la performance y del teatro experimental explica por qué las realizaciones escénicas no han de ser consideras como obras, sino como acontecimientos. La consecuencia de ello es que las distinciones tradicionales entre actores y espectadores, cuerpo y mente o arte y vida no son ya útiles para enfrentarse a esas manifestaciones artísticas. La estética de lo performativo, por su condición de estética del acontecimiento, abre además nuevas vías de comprensión no sólo para las artes visuales, sino también, a través de ellas, para un abanico más amplio de procesos sociales y culturales.

Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pe

Ananda Kentis Coomaraswamy nació en 1877 en Colombo, Ceilán, hijo de Sir Mutu Coomaraswamy, jurista de origen indio y de la señora Elisabeth Clay de origen inglés. Tras estudiar en el célebre colefio Eton curso estudios en la universidad de Londres obteniendo el doctorado en 1904. Llamado por el Museum of fine Arts de Boston (U.S.A.) se le confiara la direccion de Departamento de artes de Islam y de Oriente Medio, desarrollando desde entonces una intensa labor de investigacion y publicacion. Coomaraswamy es sin duda uno de los mas importantes exponentes del pensamiento oriental tradicional, especialmente a partir de su estrecha correspondencia epistolar con Rene Guenon a partir de la decada de los años 30. La bibliografia de A.K. Coomaraswamy es vastisima; mas de un millar de titulos entre libros y articulos entre los que cabe citar: "Arte y Simbolismo Tradicional", "Articulos Selectos de Metafisica", "El Tiempo y la Eternidad", "El Vedanta y la Tradicion Occidental", "Hinduismo y Budismo", "Sir Gawain y el caballero Verde", "La verdadera filosofia del arte cristiano y oriental", "Los Vedas, Ensayos de taduccion y Exegesis",etc. Su extraordinaria erudiccion en los campos del arte y de las doctrinas tradicionales hacen de el una de las maximas autoridades. Murio en Needham, massachusetts, el 11 de septiembre de 1947.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.