Libros de Artistas contemporáneos, página 10 de 382

En esta obra se trata de establecer una mirada a esta pintura: el Guernica, desde un punto de vista iconográfico, es decir, describiendo sus figuras, sus detalles, identificándolos y clasificándolos en el espacio y el tiempo. En una palabra, considerar los precedentes de estos detalles visuales, si los hubiera, para establecer tanto las fuentes como el sentido de tales figuras en la Historia del arge. Se trata de historiar tanto la figura en particular como la composicon en general, trasladandonos al sentido ultimo que el artista nos quiso ofrecer.

Mateo Inurria Lainosa (Córdoba, 1967- Madrid, 1924), un artista que aportó a la historia del arte contemporáneo obras, haciéndole merecedor de inumerables reconocimientos ya en vida. Junto a la magna exposicion "Mateo Inurria y la escultura de su tiempo", patrocinada por las principales instituciones culturales de Cordoba, se considero necesaria la celebracion de un congreso sobre tan importante figura artistica. dicho congreso, bajo el mismo patrocinio y con la denominacion homonima de "Mateo Inurria y la escultura de su tiempo", se ha celebrado en el Salon de Actos de la Facultad de Filosofia y letras de la Universidad de Cordoba, durante los dias 2, 2 y 4 de mayo de 2007

La mirada d'una dona, l'empremta d'una artista ens aproxima a la vida i a l'obra d'una gran pintora representant de la generació jove del modernisme o postmodernisme, que va créixer a la ciutat de Barcelona en un periode ple d'innovacions i canvis, en el si d'una familia singular que va saber facilitar-li les eines necessaries per a la seva formacio professional com a artista.Despres de fer un recorregut per la interessant vida d'aquesta artista, on es parla de la familia i de l'entorn, que tant va marcar la personalitat de la pintora, es passa a analitzar la seva obra: els retrats, la pintura d'escenes quotidianes i la pintura plein air. Tambe es destaca la tasca que va exercir com a il.lustradora en diferents publicacions. De la ma d'aquest llibre podrem coneixer una important part de l'obra d'aquesta gran pintora i descobrir l'aportacio personal de Lluisa Vidal en l'intens panorama artistic de l'epoca modernista.

Catálogo de la exposición retrospectiva que repasa la trayectoria del fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. La obra de Álvarez Bravo es imprescindible tanto para conocer la cultura mexicana y latinoamericana del siglo XX como la historia reciente de la fotografia. Comisariada por Laura Gonzalez Flores y Gerardo Mosquera, la muestra supone un nuevo acercamiento al trabajo del genial fotografo mexicano, presentando por primera vez al publico imagenes ineditas y muy poco conocidas, junto a polaroids y tomas cinematograficas experimentales conservadas en el archivo familiar. Manuel Alvarez Bravo (1902-2002) es uno de los artistas mexicanos mas destacados e influyentes del siglo XX. Esta considerado, en una de sus multiples facetas, uno de los herederos mas destacados de la vanguardia surrealista. El presente catalogo aporta nuevos analisis y miradas a la excepcional y profusa obra de Alvarez Bravo. La muestra podra verse en la Sala Azca de Fundacion MAPFRE en Madrid del 11 de febrero al 19 de mayo de 2013.

Madrid: Museo Carmen Thyssen, 2012. 27cm., hardcover, 201pp. prof. illus., 92 color plates. Spanish-English text. Exhibition catalogue. Summary: The exhibition Anglada-Camarasa. Arabesque and Seduction presents a survey of the image of women in the work of Hermen Anglada-Camarasa (Barcelona, 1871 Port de Pollença, 1959), one of the most important modern Catalan artists of the first decade of the 20th century and an internationally renowned figure. Featuring an extensive selection of works, the majority loaned from the Anglada-Camarasa Collection of Fundacion la Caixa, in addition to key pieces from the Masaveu Collection, the Museo de Bellas Artes de Bilbao, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, the Montes-Gonzalez Collection and the Carmen Thyssen-Bornemisza Collection, among others, this exhibition presents Anglada-Camarasas career through an analysis of his depiction of the female figure.

Para el artista brasileño Ernesto Neto, que se autodefine como escultor, sus obras han sido creadas para atravesarlas, habitarlas, sentirlas e incluso olerlas, lo que permite al espectador experimentar su propio cuerpo, sus sentidos y su mente por medio de la obra de arte y viceversa. Interactuando con el entorno y con las demas personas, el visitante se ve inmerso en una fusion de escultura y arquitectura.Neto afirma: Lo que tenemos en comun es mas importante que lo que nos hace diferentes. Me interesa discutir la situacion de la Humanidad, la temperatura de las cosas que vivimos. El transito de las cosas. El lenguaje. Por eso indaga, a traves de esculturas que dan lugar a la sensualidad y corporalidad, en aspectos comunes de las relaciones interpersonales.Nacido en Rio de Janeiro en 1964, Ernesto Neto ha expuesto sus esculturas en los principales museos y centros de arte del mundo. De hecho, algunas de sus obras forman parte de las colecciones del Museo Reina Sofia (Madrid), el Guggenheim (Nueva York) o el MoMA (Nueva York). Ademas, ha representado Brasil en las Bienales de Venecia y So Paulo.

This is a new edition of Keri Smith's bestseller, with updated material Think of Wreck. This Journal as the anarchist's Artist's Way - the book for those who've always wanted to draw outside the lines but were afraid to do it. For anyone who's ever wished to, but had trouble starting, keeping, or finishing a journal or sketchbook comes Wreck This Journal, an illustrated book featuring a subversive collection of suggestions, asking readers to muster up their best mistake - and mess-making abilities to fill the pages of the book (and destroy them). Through a series of creatively and quirkily illustrated prompts, acclaimed artist Keri Smith encourages journalers to engage in "destructive" acts - poking holes through pages, adding photos and defacing them, painting with coffee, colouring outside the lines, and more - in order to experience the true creative process. With Keri Smith's unique sensibility, readers are introduced to a new way of art and journal making, discovering novel ways to escape the fear of the blank page and fully engage in the creative process. Bestselling author Keri Smith is a freelance illustrator by trade, and has illustrated for the Washington Post, The New York Times, Ford Motor Company, People, The Body Shop and Hallmark. She is the author of Wreck This Journal, How To Be An Explorer of the World and Mess. A native of Canada, she lives in the US.

Es imposible pasar por alto la influencia de René Magritte (1898-1967) en el arte contemporáneo. Sus cuadros surrealistas transforman irónicamente el orden habitual de las cosas, devolviendo de este modo el misterio a un mundo que habia perdido su magia.Su obra transmite habitualmente una sensacion de lo increible, lo sorprendente y lo ridiculo, pero tambien de lo inquietante. Sin un mensaje especifico, los cuadros de Magritte nos hablan creando una conexion entre polos opuestos a un nivel asociativo. Asi, un panecillo pasa volando con completa naturalidad a traves de la entrada bloqueada de una cueva.Magritte hablaba de pensamientos inspirados para explicar su arte. Desde luego, era un pintor-filosofo que pensaba de un modo pictorico y que se movio con aparente delicadeza en la exaltada atmosfera de su propia imaginacion.

Baronesa dandy, reina dadá cuenta una vida, la de Elsa von Freytag-Loringhoven. Considerada por Duchamp y Man Ray la única artista puramente dadá, la única que realmente logró demoler toda lógica, amó, vistió, bailó y vivió dadá. Se ha prestado poca atención a su «vida-obra», siendo pocos los libros sobre el dadaísmo que la nombran; quizá por ir demasiado lejos pocos capturaron la trascendencia de sus acciones cotidianas. Fue la suya una vida al límite y en el límite, una vida de dandy consumada de manifiesta despreocupación que este libro quiere rescatar.

A partir de un mismo material –las conversaciones entre el pintor Paul Cézanne y el crítico y poeta Joaquim Gasquet, publicadas en 1921-- estas dos películas muestran como nunca antes algunas de las

Catálogo de Exposición de la artista Valencia perteneciente al CEART de Fuenlabrada. La artista Valenciana, premio Nacional de Artes Plásticas 2013, presenta cuarenta obras fechadas entre el año 90 y el 2013, incluyendo algunas piezas miticas como "una conversacion"

Banksy is the closest thing we have to Che Guevara. Except, as far as we know, he's never flunked medical school, shot anyone or attempted to foment revolution in the Congo. You will find, gathered lovingly together, in this book a stunning collection of photography that covers the past 10 years . If that isn't enough there are some words too.

The work of Massimiliano and Doriana Fuksas enjoys a well-earned reputation for the artistic talent it expresses and for its capacity to surprise with the most risky and spectacular projects. With offices in Rome, Paris and Shenzen, the Fuksases have completed projects of contrasting scales and typologies: airports, theatrical scenographies, urban planning, large infrastructure, housing projects. This companion book to Fuksas Building features works by the studio which are focused on product design, interior design, scenography, furniture and jewelry. Perhaps the less known aspect of Fuksas' work, their product design emphasizes a natural condition in changing scales, materials and uses. Research is also very present behind every piece. The richly illustrated projects include the Armani stores, the Alessi collection and the furniture for Haworth Castelli, among many others.

Rocío ArévaloSinestesiasSinestesias es la exposición más global dentro de la trayectoria artística de Rocío Arévalo. Encontramos un inventario de las preocupaciones fundamentales que han constituido la poetica de esta joven creadora chileno-canaria. A saber, la autoconciencia del yo y la identidad individual a partir de la frontera fisica del cuerpo; las marcas psicologicas, sociales y personales, resultado de los Trastornos de la Conducta Alimentaria (TCA), las construcciones biopoliticas del sujeto (Somos lo que comemos, 2012-2013; Menu, 2013); los afectos que intervienen en el sentido de pertenencia a una determinada comunidad y las distancias y percepciones ? objetivas y subjetivas ? que median en esas relaciones sociales. Los materiales simbolicos de una memoria atravesada por el desplazamiento, la emigracion, una infancia nomada marcada por las derivas geograficas transcontinentales y sensoriales de la contracultura hippie a finales de los años 70 (Bistec y papas fritas, 2013).La exposicion se acerca a un momento de exploracion en la obra de Arevalo. Define la transicion hacia un concepto visual donde la artista trasciende la auto-referencialidad y lo biografico para reflejar imagenes que ahondan en la construccion social de un imaginario sobre la comida, el alimento, y el acto social y cultural de comer, en ocasiones como metafora misma del campo del arte contemporaneo y las relaciones de poder que se estructuran a partir del encuentro fortuito en torno a una mesa (El arte de comer, 2012-2013). El signo alimento, comida, y la accion de comer en si misma, son aqui identificados como un espacio cultural y antropologico donde se pone en tension el placer, la libertad y las necesidades fisiologicas del individuo, con la imagen historicista de un hecho cultural, esencialmente local y privado, que es reinterpretado y transformado, bajo la logica del mercado en condiciones globales, en espectaculo, ritual sofisticado y territorio de negociacion en el dominio publico (Ni crudo, ni cocido, 2013; Retratos comestibles, 2013).Esta exposicion deviene una galeria de retratos en los que Arevalo prueba su oficio como acuarelista. En algunas de estas imagenes se reconoceran rostros de la sociedad canaria, caras de artistas, comisarios, criticos, galeristas -de dentro y fuera del contexto insular-, que forman parte del contrato social del arte; tambien personajes anonimos y del album de fotos familiar de la artista. Autorretratos, retratos individuales y colectivos que tienen en comun el haber quedado atrapados en el gesto cultural de comer. Un gesto vital, tambien erogeno, que paradojicamente reproducimos para morder y tragar, escupir y vomitar, o, por el contrario, para hablar y narrar.

En 1969, el artista Robert Smithson propuso una nueva interpretación de la obra de Paul Cézanne (1839-1906). Para Smithson, la pintura de Cézanne había sido tergiversada por los cubistas, reduciéndola a un juego de formas casi abstracto. Frente a esa simplificacion formalista, Smithson subrayaba la necesidad de recobrar la referencia fisica en la obra del pintor; su fuerte vinculacion con ciertos lugares del territorio provenzal. El subtitulo de la exposicion, site/non-site, evoca una pareja de conceptos forjada por Smithson en su propia creacion, planteando la dialectica entre el trabajo al aire libre y el estudio. Esta dialectica se refleja a su vez en la relacion entre paisaje y naturaleza muerta. En la obra de Cezanne, el paisaje es el genero dominante, identificado (como en sus compañeros impresionistas) con la practica de la pintura al aire libre. Pero, a diferencia de los impresionistas, Cezanne otorga tambien una importancia decisiva a un genero propio del taller: la naturaleza muerta. Cezanne cultivara ambos generos pictoricos a lo largo de toda su carrera y establecera una intima conexion entre ellos, introduciendo en sus bodegones elementos paisajisticos y, reciprocamente, llevando a sus paisajes el orden de la naturaleza muerta.