Libros de Artistas contemporáneos, página 20 de 376

Gorchov lleva desde finales de los años sesenta explorando las posibilidades de la pintura, concebida como un objeto, en lugar de como una representación. Al igual que los artistas Frank Stella, Robert Mangold y Richard Tuttle, el artista experimento con la forma del lienzo al principio de su carrera y creo la original forma que se ha convertido en su sello distintivo. Los cuadros de formas poco convencionales de Gorchov han recibido muchos nombres sillas de montar, mascaras, escudos, etc., pero ninguno los describe con exactitud. Estas obras de estetica desconcertante se doblan hacia dentro y hacia afuera: son convexas y a la par concavas. Mediante estas formas, Gorchov consigue sortear los obstaculos tradicionales de la pintura, como las esquinas, los bordes y las verticales y horizontales exactas. Elcaracter tridimensional de sus cuadros es inherente a su condicion de objetos.

'Los paisajes americanos de Asher B. Durand (1796-1886)' es el resultado de un trabajo de dos años de estrecha colaboración entre la Fundación Juan March y la New-York Historical Society, el museo más antiguo de Nueva York -fundado en 1804- que custodia una enorme colección de arte y documentos históricos; entre ellos, la mayor colección de obras de Asher B. Durand.

El arte de Gustav Klimt se ajusta perfectamente al fin de siècle. Expresa la atmósfera apocalíptica de la clase media alta vienesa, una sociedad devota del cultivo de la conciencia estética y el cult

Si existe una imagen icónica del artista bohemio, esa es la del novedoso, intuitivo e inconformista pintor francés Paul Gauguin, que abandonó, rebeldemente enfrentado a los convencionalismos de su época, una vida acomodada y burguesa, y una familia estable, para buscar los colores puros, la belleza exotica, primitiva, sin contaminar, de las remotas islas de los mares del sur, iniciando con su peculiar manera de ver el Arte, el movimiento del Simbolismo que tanto repercutiria en los artistas del siglo XX.

La artista Louise Bourgeois ( París 1911-New York 2010) es un ejemplo excelente de los múltiples y heterogéneos caminos que ha tomado el arte en la pasada centuria: obras escultóricas que parecen piezas arquitectonicas, bocetos que forman parte de proyectos mayores, "instalaciones" y "performances" que ironizan sobre la propia obra, juegos con los materiales mas diversos; pero por encima de todo ello, la artista es portadora de un nucleo esencial de motivos, temas y obsesiones que de forma intermitente van apareciendo a lo largo de su trayecto: ese universo propio, singular y exclusivo se despliega desde los primeros años hasta esas obras postumas que tenia en proyecto en el momento de fallecer. Se diria que el conjunto de su obra responde a unas necesidades intimas, producto quizas de unos primeros años fundamentales.

La primera gran monográfica dedicada en España al pintor francés Eugène Delacroix se verá en CaixaForum Barcelona y Madrid en 2011 y 2012 respectivamente, gracias al convenio firmado en París entre el Museo del Louvre y la Fundación La Caixa.

Fue el padre del arte moderno, el gran maestro que marcó el camino a seguir en la pintura desde el Impresionismo al siglo XX: Paul Cézanne (1839-1906). En París, pero sobre todo en la Provenza, Cézanne buscó incansablemente "una armonía cercana a la naturaleza", descubriéndola en los bodegones de manzanas, en los bañistas o en los célebres paisajes de su amada montaña Sainte-Victoire. Este libro trata de estos extraordinarios y más importantes trabajos del artista y de sus teorías sobre la pintura y el color.

Mexico participates in the artistic exchange offered by the 54th Venice Biennale with the work of Melanie Smith, who presentes three video pieces grouped together under the title"Red Square Impossible Pink", a concept that brings together three of her most recent works:"Aztec Stadium","Xilitla"and"Bulto".The first of these is the visual document of an action arried out in the eponymous stadium, in which the artist elaborates a visual reflection on the idea of the faterland and the caos that accompanies revolutions.The second,"Xilita", is an experimental film shot in 35mm that explores the multiple meanings that a near mythical space in Mexico -a surrealist garden built in the middle of the Huasteca Potosina by the Englishman Edward James- holds today.Finally,"Bulto"is a piece originally commissioned by the Lima Art Museum, in which a bundle appears in different public spaces, participating in the widest variety of the citys dynamics.

Este es el testimonio de la agitada vida de una de las mentes más originales e independientes del siglo XX. El más rebelde y explosivo de los dibujantes y pintores alemanes, fustigador del militarismo, el capitalismo y la burguesia de los años veinte, hace aqui balance de su vida, que al mismo tiempo es parte de la historia contemporanea y del arte moderno.Grosz fuemucho mas que un critico corrosivo, ilustrador acido, caricaturista, pintor, escritor y precursor del fotomontaje. Conocido por recoger la crueldad, la incontinencia y el desequilibrio humano de"ese mundo volcado al hedonismo, sobre el cual se cernia, resistible pero irresistido, el horror del nazismo y la guerra". Un SI menor y un NO mayor es un magnifico libro de memorias, en el encontramos fantasticas anecdotas sobre Giorgio de Chirico, Salvador Dali, Frans Masereel, Brecht, John Dos Passos, y un largo etc. El viejo Cafe des Westens y el Romanische Cafe en Berlin, el Cafe du Dome en Paris, el Kremlin de los años veinte y las calles del Nueva York de los años treinta hasta los cincuenta cobran vida en este libro. George Grosz se encuentra en el momento y en el lugar oportuno, siempre en el ojo del huracan, en el centro de la pista. Como un payaso metafisico, siempre un paso por delante, siempre desafiante.

Egon Schiele (1890-1918), junto con Oskar Kokoschka, es el pintor que ha ejercido la influencia más larga y duradera en el mundo artístico de Viena después de que la gran época de Klimt llegase a su fin. Tras un leve flirteo con el estilo de Klimt, Schiele cuestionó pronto la orientación estética de la bella superficie del Art Nouveau vienés con sus pinturas escabrosas y difícilmente accesibles. Para muchos de sus coetáneos, los expresivos desnudos y autorretratos de Schiele, con sus extraños movimientos y colores mórbidos, resultaban feos e incluso moralmente censurables, críticas que culminaron con la criminalización del pintor como "obsceno", consistente en una acusación y una breve sentencia de cárcel en 1912. Sin embargo, ni sus más duros detractores pudieron cuestionar el extraordinario talento del artista. Este libro brinda un panorama conciso de la breve y brillante carrera de Egon Schiele.

Las instalaciones de Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) son ideas, a veces ideas salvajes, a veces estructuradas, más o menos irónicas o dulces, casi siempre perfectas formalmente y, muchas veces, de dificil realizacion. Conocida como performer y artista conceptual, Premio Nacional de Artes Plasticas 2008, desarrolla una amplia produccion de instalaciones desde la decada de los 70. Una produccion escasamente conocida ya que para su realizacion se precisan medios y espacios no siempre disponibles. Sin embargo Ferrer desarrolla estos proyectos detalladamente durante años a traves de dibujos y maquetas artesanales realizadas por ella misma y posteriormente perfeccionadas por profesionales del oficio. En este libro se recopila y documenta por primera vez toda esta produccion artistica imposible de encontrar en ningun otro libro, publicacion o archivo.

A finales de los años cincuenta y en los sesenta, el pintor americano Roy Lichtenstein (1923-1997) se convirtió en uno de los máximos exponentes del Pop Art - ese movimiento que transformó los productos de consumo de masas y de la industria del entretenimiento en temas para el arte. Esta apoteosis de lo banal y los objetos del dia a dia, supuso al mismo tiempo una critica de la interpretacion tradicional y elitista del arte. Practicamente solo entre artistas, Lichtenstein formulo la pregunta de como una imagen se convierte en una obra de arte. Siguiendo el espiritu del modernismo clasico, mantuvo que no era la "categoria" del tema lo que proporciona el caracter artistico, sino mas bien el tratamiento formal que el artista le da. Para Lichtenstein, sin embargo, esta posicion parece estar demasiado lejos para ser seriamente perseguida. Desarrollada a principios de los sesenta, la tecnica de malla de puntos de Lichtenstein, con sus alusiones a la produccion masiva del arte grafico, permitio al pintor dar rienda suelta a su propio escepticismo artistico. En los sesenta y en los setenta, Lichtenstein amplio su repertorio formal de tecnicas para crear distancia e ironia mediante un proceso idiosincratico de abstraccion, y especialmente por la utilizacion de sus numerosos presupuestos artisticos.

Este breve volumen es exactamente lo que anuncia el título: una visita al taller del escultor y pintor Alberto Giacometti, tras la cual el lector tendrá la impresión de haber estado en él, de la mano del autor Michael Peppiatt, en compañia del artista.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, mayo-octubre de 2011. Presenta la obra de la artista brasileña, figura clave en la transformación radical experimentada por el arte de ese pais a partir de la decada de los años cincuenta del pasado siglo. Recoge practicamente todos los aspectos de su produccion artistica, incluidos sus trabajos cinematograficos.

Claude Monet (1840-1926) fue el pintor impresionista más típico y personal. Dedicó su larga vida a una exploración pictórica de las sensaciones que la realidad, y en particular el paisaje, ofrecen al ojo humano. Pero mientras el Monet pintor era fiel y perseverante en la búsqueda de sus motivaciones, su vida personal seguía un camino más agitado. Parisino de nacimiento, descubrió la pintura al aire libre en su juventud en las provincias, en donde una de sus casas, Argenteuil, llegó a representar el florecimiento y la consolidación oficial del Impresionismo como movimiento, con Monet como su líder creativo. En su esfuerzo por captar la cara siempre cambiante de la realidad, Monet fue más allá del Impresionismo y, de ese modo, más allá de los confines de la pintura independiente: en Giverny pintó los álamos, el grano apilado y la serie de la Catedral de Ruán en la que trató las nuevas variaciones constantes de un mismo tema. Aquí, Monet creó el famoso jardín con su estanque de nenúfares, que pintó en grandes lienzos avanzados los años veinte. De esa manera intentaba representar la realidad no como una experiencia objetiva, sino como la realidad que se desarrolla "entre el motivo y el artista". En su abierta y ligera estructura figurativa, y su imponente escala, los cuadros de nenúfares de Monet - creados mucho antes de las corrientes de vanguardia actuales - marcan el camino para los avances del futuro.