Claude Monet (1840-1926) fue el pintor impresionista más típico y personal. Dedicó su larga vida a una exploración pictórica de las sensaciones que la realidad, y en particular el paisaje, ofrecen al ojo humano. Pero mientras el Monet pintor era fiel y perseverante en la búsqueda de sus motivaciones, su vida personal seguía un camino más agitado. Parisino de nacimiento, descubrió la pintura al aire libre en su juventud en las provincias, en donde una de sus casas, Argenteuil, llegó a representar el florecimiento y la consolidación oficial del Impresionismo como movimiento, con Monet como su líder creativo. En su esfuerzo por captar la cara siempre cambiante de la realidad, Monet fue más allá del Impresionismo y, de ese modo, más allá de los confines de la pintura independiente: en Giverny pintó los álamos, el grano apilado y la serie de la Catedral de Ruán en la que trató las nuevas variaciones constantes de un mismo tema. Aquí, Monet creó el famoso jardín con su estanque de nenúfares, que pintó en grandes lienzos avanzados los años veinte. De esa manera intentaba representar la realidad no como una experiencia objetiva, sino como la realidad que se desarrolla "entre el motivo y el artista". En su abierta y ligera estructura figurativa, y su imponente escala, los cuadros de nenúfares de Monet - creados mucho antes de las corrientes de vanguardia actuales - marcan el camino para los avances del futuro.
La primera gran monográfica dedicada en España al pintor francés Eugène Delacroix se verá en CaixaForum Barcelona y Madrid en 2011 y 2012 respectivamente, gracias al convenio firmado en París entre el Museo del Louvre y la Fundación La Caixa.
Fue el padre del arte moderno, el gran maestro que marcó el camino a seguir en la pintura desde el Impresionismo al siglo XX: Paul Cézanne (1839-1906). En París, pero sobre todo en la Provenza, Cézanne buscó incansablemente "una armonía cercana a la naturaleza", descubriéndola en los bodegones de manzanas, en los bañistas o en los célebres paisajes de su amada montaña Sainte-Victoire. Este libro trata de estos extraordinarios y más importantes trabajos del artista y de sus teorías sobre la pintura y el color.
A finales de los años cincuenta y en los sesenta, el pintor americano Roy Lichtenstein (1923-1997) se convirtió en uno de los máximos exponentes del Pop Art - ese movimiento que transformó los productos de consumo de masas y de la industria del entretenimiento en temas para el arte. Esta apoteosis de lo banal y los objetos del dia a dia, supuso al mismo tiempo una critica de la interpretacion tradicional y elitista del arte. Practicamente solo entre artistas, Lichtenstein formulo la pregunta de como una imagen se convierte en una obra de arte. Siguiendo el espiritu del modernismo clasico, mantuvo que no era la "categoria" del tema lo que proporciona el caracter artistico, sino mas bien el tratamiento formal que el artista le da. Para Lichtenstein, sin embargo, esta posicion parece estar demasiado lejos para ser seriamente perseguida. Desarrollada a principios de los sesenta, la tecnica de malla de puntos de Lichtenstein, con sus alusiones a la produccion masiva del arte grafico, permitio al pintor dar rienda suelta a su propio escepticismo artistico. En los sesenta y en los setenta, Lichtenstein amplio su repertorio formal de tecnicas para crear distancia e ironia mediante un proceso idiosincratico de abstraccion, y especialmente por la utilizacion de sus numerosos presupuestos artisticos.
Si existe una imagen icónica del artista bohemio, esa es la del novedoso, intuitivo e inconformista pintor francés Paul Gauguin, que abandonó, rebeldemente enfrentado a los convencionalismos de su época, una vida acomodada y burguesa, y una familia estable, para buscar los colores puros, la belleza exotica, primitiva, sin contaminar, de las remotas islas de los mares del sur, iniciando con su peculiar manera de ver el Arte, el movimiento del Simbolismo que tanto repercutiria en los artistas del siglo XX.
