Libros de Teatro contemporáneo extranjero del XIX al XXI, página 2 de 34

Jean-Luc Lagarce escribe Tan solo el fin del mundo en Berlín en 1990. Poco tiempo antes había recibido la noticia de que había contraído el VIH. Es imposible no relacionar este hecho fatídico con la escritura de la pieza. Sin embargo, no es una obra de autoficcion. Ni siquiera es una obra sobre la muerte o, desde luego, no solo sobre la muerte. El elemento central es la familia. Lagarce construye una de las obras mas emocionantes y enigmaticas de los ultimos cincuenta años. Una obra cumbre de la literatura contemporanea, no solo francesa sino europea, que retrata como pocas la zozobra de vivir y de saber que, tarde o temprano nuestras vidas, como las obras de teatro, tienen un fin. Decia Tarkovski que el arte no nace para transmitir ideas sino para calmar el dolor profundo de saber que vamos a morir. Prepararnos para ese transito. Y el propio Lagarce decia: Escribo para no estar solo. Ambos viajes estan presentes en esta pieza.

Una madre y sus tres hijos huyen del Líbano, inmerso por entonces en una guerra civil, para asilarse en París. Su marido, obligado a quedarse en Beirut por motivos profesionales, no sabe si podrá reunirse con ellos. El menor de los hijos, de apenas diez años, se llama Wajdi Mouawad, testigo mudo de como el exilio fue aniquilando por dentro a la persona que le era mas querida, su madre, una mujer formidable, compleja, inteligente, de fuerte caracter, que, como tantos desterrados, paso los años siguientes pendiente del telefono y viendo por la television como la apisonadora de la guerra trituraba su pais, su ciudad, su barrio, su casa y a su gente.Lejos de la atmosfera linguistica donde Mouawad nacio lo que, como escritor, durante mucho tiempo, le ha impedido nombrar en su lengua materna cierta realidad y consciente de la fragilidad de la memoria, en esta obra despliega por medio de una escritura entre forense y onirica, hilando lo decible con lo indecible, una ficcion en la que los ojos de un niño desvelan la violencia del exilio que vivio su madre, Jacqueline, junto a sus hermanos a lo largo de cinco años en aquel piso real, ubicado en el distrito quince de Paris. Madre forma parte, tras los monologos Seuls y Surs, del ciclo Domestique, en el que Mouawad, bajo la conviccion de que ninguna vida es anonima, muestra la interseccion de la historia de una familia en el exilio con la Historia misma. Inedita hasta ahora en castellano, la presenta edicion, traducida por Coto Adanez, contiene ilustraciones del propio autor. Este es el laboratorio en el que me ha metido la vida, el del exilio, la guerra, las lenguas que no son tuyas. El exilio ha sido un lugar de un sufrimiento atroz, pero tambien paradojico. Me rompio en dos y, a la vez, me salvo la vida. Wajdi Mouawad en una entrevista a Alex Vicente, El Pais, 20 de enero de 2024.

Un home i una dona dedat avançada miren per la finestra. Esperen larribada del fill, que ha estat fora molt de temps. Cada vegada hi ha menys gent, al poble. Els joves sen van. Tothom sen va. Ja gairebe no hi queda ningu. Quan finalment el fill arriba, res no sera tal com sho havien imaginat. Lautor noruec Jon Fosse, Premi Nobel de Literatura 2023, signa aquesta peça tensa, bella i subtil sobre la familia. Publicada el 1996, "El fill" desplega un relat senzill i cru amb lausteritat del llenguatge i de laccio dramatica que ha convertit Fosse en un dels grans mestres del teatre postmodern del nord dEuropa.

Una comedia sumamente inteligente, profunda y espiritual, que toca lo universal (The Times). Sergio ha comprado un cuadro moderno por una gran suma de dinero. Marcos lo odia y no puede creer que a un amigo suyo le guste una obra semejante. Ivan intenta, sin exito, apaciguar a las dos partes. Si tu amistad esta basada en un mutuo acuerdo tacito, ¿que pasa cuando una persona hace algo completamente diferente e inesperado? La pregunta es: ¿eres quien crees que eres o eres quien tus amigos creen que eres?Esta deslumbrante comedia de Yasmina Reza se estreno en Paris en la Comedie des Champs-Elysees en octubre de 1994, donde permanecio en cartel 18 meses; en Berlin, en el teatro Schaubuhne en octubre de 1995; en Londres, en el Wyndhams Theatre en octubre de 1996; en Nueva York, en el Royale Theatre en marzo de 1998, y en Madrid, en el Teatro Marquina, con una direccion de Josep Maria Flotats, en septiembre de 1998, ganadora de los premios Max y de los mas prestigiosos galardones de nuestro pais.

Gara Roda adapta aquesta obra que originalment passa a l'Anglaterra rural i la situa a Catalunya. Sally Poppy, una dona acusada d’un crim brutal, és sentenciada a mort. Però ella afirma estar embaras

Tolstói describe al final de su vida con veinte años de antelación en Y la luz luce en las tinieblas. Es el clamor de quien no puede seguir callando. Saryntsev, el personaje principal, dotado de muchos rasgos de la personalidad de Tolstói, incapaz de continuar viviendo en las tinieblas del lujo e ignorando el bien verdadero, idea un programa gracias al cual parece posible alcanzar la luz. Lo idea e intenta llevarlo a cabo. Pero el mundo no se encuentra preparado para renunciar a los ejércitos, denunciar la mentira de la iglesia, desprenderse de los bienes materiales, vivir sin oponerse al mal con el mal y caminar con la Verdad por delante. El mundo no entiende las ideas de Saryntsev: las desfigura, las altera, las ridiculiza. Las castiga. Tolstói se da cuenta de que su prédica de la Verdad no solo no ayuda al prójimo, sino que lo confina a la soledad y al sufrimiento. La lectura de esta obra nos lleva a participar de un misterio. El misterio tolstoiano..CONTINÚA

Las tres piezas de teatro que se incluyen en esta Obra completa presentan a mujeres jóvenes que se tienen que enfrentar a un mundo lleno de violencia, alcoholismo y exclusión, reflejando la dura cotidianidad de los barrios obreros de los años setenta y ochenta donde la precariedad y el paro de la era Thatcher hacia estragos. En The Arbor, Rita, Sue and Bob Too (obra que fue adaptada al cine) y Shirley el universo de Andrea Dunbar se muestra al completo: el vecindario en decadencia; el padre maltratador que se tambalea borracho desde el pub local y la hija adolescente y descarada que intenta escapar de esa vida.El prologo de Angel Mirou nos da una perspectiva mas amplia sobre la fugaz pero intensa experiencia vital de Andrea Dunbar.

Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el regimen nazi, a su regreso a Alemania fundo y dirigio la compañia Berliner Ensemble, donde llevo a la practica, a traves de sus multiples experiencias innovadoras, su teoria del teatro epico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observacion critica a traves del distanciamiento. Este decimo volumen de la serie que recoge su Teatro completo incluye dos piezas escritas entre 1943 y 1945: "Schweyk en la Segunda Guerra Mundial", que retoma al inolvidable personaje de Jaroslav Hasek, y "El circulo de tiza caucasiano", una de sus obras mas representadas.Traduccion de Miguel Saenz

Un novedoso volumen con las seis obras que adaptó Albert Camus en su labor teatral, cuatro de ellas inéditas en castellano. Además de escribir cuatro obras originales, Albert Camus llevó a cabo una intensa labor como adaptador y director teatral. Ese trabajo poco conocido lo ocupo desde sus dias de estudiante en Argelia hasta poco antes de su muerte, y las seis obras reunidas en este volumen dan testimonio de la pasion con que lo llevo a cabo. Una de ellas procede de un clasico frances del siglo XVI, dos son versiones de obras de Calderon y Lope de Vega, una cuarta retoma una pieza de Dino Buzzati y las dos restantes llevan a escena novelas de Faulkner y Dostoievski. El conjunto no solo ofrece un complemento perfecto de las obras del autor que hemos reunido con el titulo de Teatro, sino que muestra toda su versatilidad en el ambito amplio de la escena, uno de los pocos lugares del mundo donde, en sus palabras, era feliz. El teatro me ofrece la comunidad que necesito -escribio-. Aqui todos estamos vinculados sin que nadie deje de ser libre: ¿no es una buena formula para la sociedad futura?.

En mayo de 1920 un emigrante italiano llamado Salsedo sale volando por una ventana del edificio del fbi en Nueva York: este es el episodio que Dario Fo utiliza como pretexto para escribir Muerte accidental de un anarquista, una de sus obras de teatro de

Con las seis obras incluidas en el presente volumen, Henrik Ibsen lleva la poética del drama moderno a su perfección y la coloca en un primer juego de variaciones. Abre así, las puertas del teatro co

Stefan Zweig escribió esta obra de teatro entre la primavera de 1915 y principios de 1917, en plena Primera Guerra Mundial. Pacifista acerrimo, escogió la figura de Jeremías, el profeta judío que predicaba en vano, para encarnar el tragico papel del "derrotista", como tildaban los enardecidos patriotas partidarios del conflicto belico a aquellos que, como Zweig, defendian la importancia de llegar a un entendimiento entre las naciones. El autor plasmo en Jeremiasuna de sus obras mas personaleslos ideales humanistas que defendio durante toda su vida.

La importancia de llamarse Ernesto (comedia de enredo, enlazamiento de absurdos, de donde nace el mejor Mihura) es una red compleja de divertimento, disparate y polisemia. Pero, además de lo referido, ahonda en una dualidad: Sin el lado oculto a la sociedad del Bien no hay Vida. La vida perfecta seria la totalidad de Ernesto y Jack juntos. Pero la sociedad burguesa aun la sociedad de hoy, piensese en los Estados Unidos nos exige ser Jack (ser formales, ser como es debido, como la sociedad quiere) pero llamarnos Ernesto para sobrevivir, ir a una segunda vida (que debiera estar abrazada con la primera) en la que brota nuestro manantial oscuro, la fuerza terrenal del deseo, la transgresion, el eros, el profundo corazon de la materia. Hay que ser Jack dice Wilde, pero sin llamarse Ernesto el lo sabia perfectamente no hay mas que represion o supervivencia. En tono de comedia de salon, de alta comedia burguesa la que nace en Inglaterra con Sheridan y su Escuela del escandalo La importancia de llamarse Ernesto es un alegato en pro de la libertad de la vida, en pro del bienestar de la conciencia, en pro de que seamos todos como somos.

Hace apenas una semana de la boda de Pietro y Giuliana, y poco más de un mes desde que se conocieron. Él es un abogado de clase acomodada, fatigado de una vida sosegada en la que reina el orden; ella, una excentrica muchacha de origen mas humilde que, tras huir de casa a los diecisiete años, ha debido valerse por si misma. Pietro ha invitado a su familia a una comida en su apartamento para intentar tranquilizar a la madre, que no ve el repentino matrimonio con buenos ojos: esta reunion familiar se convertira en la prueba de fuego de la joven pareja. Me case por alegria es la pieza teatral mas celebre de Ginzburg; la maestria en la construccion de los personajes y la viveza de los dialogos hacen de ella no solo una comedia hilarante, sino tambien una aguda reflexion sobre los mecanismos de la felicidad, que transgreden las convenciones y los prejuicios mas arraigados.

Dos obras imprescindibles del teatro inglés del siglo XIX.Oscar Wilde (1854-1900) es para muchos la figura emblemática del dandi inglés. Pero esa imagen del artista del esteticismo extremado también se vincula a la figura perseguida por la hipocrita moral dominante de su tiempo. Durante decadas despues de su muerte, Wilde fue objeto de controversia y, a pesar de la condena judicial y moral a la que fue sometido, el interes del publico por su obra no decrecio. Su produccion abarca casi todos los generos literarios (novela, cuento, ensayo, poesia), pero es en sus obras teatrales donde despliega todo su talento artistico, como lo demuestran "La importancia de llamarse Ernesto "y "El abanico de lady Windermere." Wilde se sirvio en ellas de las convenciones y temas del teatro de su tiempo, especialmente del melodrama y de la comedia de costumbres del teatro clasico ingles, pero, gracias al ingenio verbal que le caracterizaba y a su singular capacidad para reirse de la realidad circundante sin causar la reaccion negativa del publico, logro trascender sus modelos y dignificar un genero que se hallaba en decadencia artistica.

"El crisol" puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habria sido escrita de no ser por otro momento historico: lo que dos siglos y medio despues estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fria. Otra "caza de brujas", la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las mas conocidas, que el propio Miller sufrio y durante la que escribio "El crisol".Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujeria, y que terminaron con la ejecucion de varios inocentes, son una manifestacion perversa del panico de las autoridades ante la perdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezo siendo un juego de niñas termino convirtiendose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fria figura en el mapa de nuestra conciencia historica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.

Esta traducción de la Gesta Ubica que presentamos en Gran Teatro es la más completa que se haya realizado hasta la fecha. La descocada y singularísima invención verbal de Alfred jarry obligó a Ariel Dilon, el traductor, a una continua revisión de los presupuestos lingüísticos, a investigar posibles etimologías, a inventar equivalentes siempre tentativos y a remedar nombres y motes, resultado de la más personal de las alquimias poéticas y culturales a las que se haya sometido la lengua francesa. Más que con ningún otro autor, se evitó expresamente "corregir" o "normalizar" a Jarry, por respeto a su esencial y contagiosa libertad y a su profunda irreverencia. En la primera parte del volumen, integrando el Primer Ciclo de Ubú, se entrega al lector, junto a Ubú Rey y los textos incidentales, los artículos publicados por Jarry antes del estreno, su correspondencia con Lugné-Poe y el texto publicado por La Revue Blonche, donde el autor saca sus propias conclusiones del "fracaso" de la obra entre el público de París. Los "Paralipómenos" se incluyen en la segunda parte, dedicada al Segundo Ciclo de Ubú, precediendo a Ubú Cornudo, y a sus antecedentes: Onésimo o tas tribulaciones de Priou, Ubú Cornudo o elArcheopteryx.

Este tercer volumen de la colección Gran Teatro dedicado a August Strindberg incorpora el sombrío drama La danza de los muertos (1901), fiel reflejo de las obsesiones del autor (amor y matrimonio, vida-muerte, conflictos personales y padecimientos de conciencia). Las Obras de cámara: Tormenta, El solar quemado, La sonata de los fantasmas y El pelícano las escribió Strindberg en 1907 para el Teatro íntimo, que fundó con el joven director A. Falck. Para él precisamente concibió estas audaces "obras de cámara" que desconcertaron a la crítica y al público, por tratarse de piezas en un solo acto en las que quedan borrados los perfiles de sus dramatis personae.

Cuarenta años después de que Barthes vaticinara que "la obra de Brecht sería cada vez más importante", cabe preguntarse si tal profecía se ha cumplido sin matices. La aparición de un copioso volumen con su teatro completo quiza sea buen momento para averiguarlo.Repasando sus treinta y tantas obras, advertimos algunas constantes de su teatro. Por ejemplo, el clasico "primum vivere, deinde philosophari", que el tradujo en La opera... como "primero comer, despues moralizar", ya figuraba en "La Biblia", una pieza breve escrita a los quince años, que aparece aqui por vez primera en español. Y han pervivido sin tambalearse secuencias y personajes inolvidables: esa eficacia teatral para transmitir el "terror" y la "miseria" en algunas escenas de "Terror y miseria..."; el grito desgarrador de Shen Te que ya torturaba a Job: "¿Por que la maldad tiene su premio y por que aguardan a los buenos tan duras penas?"; o Azdak, el cinico juez de El circulo, que acaso podria ser un alter ego de Brecht.En cambio ha envejecido mal el didactismo. Incluso cabria preguntarse que ha quedado del famoso "distanciamiento". En "Dafne y ensueños" escribia Torrente Ballester: "No se me oculta que, a pesar de Bertolt Brecht, los lectores siguen haciendo suya la vida de los personajes y sintiendo lo que ellos sienten, por mucho que se les advierta que son solo ficciones...; figuras imaginarias de talante humano a las que el lector gusta acercarse como a personas reales, alegrarse o padecer con ellas y hacer juicios de valor", etc. Tambien con las de Brecht.Sin embargo, Brecht sigue siendo Brecht. A la solidez de los bastidores, que con frecuencia le preparaban sus colaboradoras, añadia esa indiscutible "marca" Brecht, que consistia esencialmente en la habilidad para la respuesta ironica o desvergonzada, la narracion "epica", los poemas y canciones intercalados... La poesia.

La gavina (1896), L'oncle Vània (1897), Tres germanes (1902) i El jardí dels cirerers (1903) són les obres mestres indiscutibles dins la producció dramàtica d'Anton P. Txèkhov: quatre peces que van c